R.E.M.

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R.E.M.           

 

Seguro has bailado y tarareado el “Shiny happy pleople” o “Losing my Religion” de los R.E.M. que te ha animado a ello la voz Michael Stipe, a que te contagió la guitarra de Peter Buck, también te retumbó en tu cuerpo el bajo de Mike Mills o te dio buen feeling el ritmo de la batería de Bill Berry. ¡Cuantas noches especiales hemos pasado con ellos! En ese momento de la noche que parecía que ya lo habíamos bailado o cantado todo venía el Dj (un servidor por ejemplo) y ¡Toma ya! “Losing my Religion” de los R.E.M. y a renovar energías para seguir un buen rato.

 

La banda se une en 1980. En abril de 1980, la banda debutó bajo el nombre de Twisted Kites en la fiesta de cumpleaños de su amiga Kathleen O’Brien. Para el verano del mismo año, la banda ya eligió el nombre que emplearía en las siguientes décadas: R.E.M., (iniciales de Rapid Eye Movement, un término fisiológico referido a un período del sueño) A pesar de ser amantes de la new wave británica se convertirán en abanderados de lo que se dará en llamar “nuevo rock americano”, que en su mayor parte consistirá en una recuperación de la esencia del sonido pop de los 70 reinventándolo para los 80.

 

Su debut discográfico, de la mano de una compañía independiente llamada Hi Tone, se produce con el single “Radio Free Europe”, con una excelente acogida en la crítica  norteamericana. Fichan con la discográfica Irs y comienzan su evidente ascenso, especialmente en Estados Unidos. Su primer album de estudio fue “Murmur”, según Rolling Stone el mejor disco del 83. “Reckoning” llegó en el 84, al que siguió, un año después, “Fables of the reconstruction”, que permanece tres meses en las listas americanas llegando a un puesto 28 y vendiendo más de 300.000 copias. Posteriormente, tras “Life’s Rich pageant”, en 1987, curiosamente su disco de rarezas “Dead letter office” alcanza muy buenos resultados, dejando el tema “Document” en el Top 10.

 

En 1988, los lectores de la revista New Musical Express eligen 4 discos de R.E.M. entre los 100 mejores de todos los tiempos y la revista Rolling Stone los califica como la mejor banda de rock en Estados Unidos. A finales de este mismo año sale a la luz, a través de Warner, el excelente disco llamando “Green”.

 

Llega 1991 y, con una madurez musical descomunal hacen “Out of Time”, con un montón de temas buenísimos como: “Losing My Religion”, “Shiny happy pleople”, “Low” o “Radio Song”. En el 92 “Automatic for the People” el disco culminante de su carrera, no tiene desperdicio, maravilloso.

A estos discos les siguen: “Monster, “New Adventures in Hi-Fi”, “Up”, “Reveal”, “Around the Sun”, “Accelerate” y “Collapse into Now”. Mi consejo es que poco a poco te des una vuelta por todas sus canciones y verás como te dejas atrapar por R.E.M.

 

Los directos de los R.E.M. son, como explicarlo, los directos suenan como el disco o el disco como los directos. Eso quiere decir que son buenos músicos y tienen un buen equipo detrás (nunca se habla de los ingenieros de sonido, luces, etc.). Además, la mayoría de las veces, se descuelgan con versiones de otros grupos y nos dejan un regalo… y a renovar energías. ¿Tu renuevas energías a menudo?

 

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14F. 14 Temazos de amor

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Esta no es una lista definitiva, ni mucho menos, esta es la lista que hoy nos ha dictado el corazón. Lo importante es escuchar y sentir la música.

 http://www.youtube.com/watch?v=QzdcCCbYWo4

 http://www.youtube.com/watch?v=0S4yJAPuJKc

La Culpa Fue de Gabienete Caligari

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La esencia de la Movida Madrileña eran aquellos grupos pioneros del rock y del que tocaban por lo que les costaban los taxis y furgonetas, para llevar todos los trastos de la actuación; y por los cubatas que se tomaran mientras actuaban. Esas fechas en las que emergían compañías independientes de discos como Dro y 3 Cipreses donde lo importante era sacar un disco sin pensar en listas, contratos u otros rollos. Cuando la gente vivía esta movida en sus lugares de culto como Rock-Ola, La sala Carolina, El Sol, El Pentagrama, La Vía Láctea, Marquee, El Jardín, El Escalón, etc. Tiempos en los que en la televisión se podían ver programas como La Bola de Cristal, Popgrama, Si yo Fuera Presidente o la Edad de Oro. Con una ebullición de arte, gráfitis, fascines, columnas y artículos en periódicos, poesía…Dentro de esa explosión de grupos que iban a divertirse y, de paso, divertir a los demás, con letras de todo tipo (profundas y de protesta, tontas o de amor) con grupos como: Aviador Dro, Elegantes, Ejecutivos Agresivos o los Nikkis… en toda esa ebullición había tres chicos que estudiaban en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, muy vinculados a la movida, que se llamaban: Jaime Urrutia (ex de Ejecutivos Agresivos), Edi Clavo y Ferni Presas (los dos de Ella y los Neumàticos) se ponen en marcha, en 1981, con Gabinete Caligari.

Esos tres chicos tomaron el nombre de su banda de la clásica película del expresionismo alemán “El gabinete del doctor Caligari”, llamándose Gabinete Caligari. Su estética, en las actuaciones en directo, buscaba provocar al público.

En su primer LP, “Que Dios reparta suerte”, año 1983, se enfocan a una música que, irremediablemente, se identifica con la temática ibérica y castiza, sobre todo con el tema “Sangre Española” dedicado al maestro Jesús Belmonte. Su siguiente trabajo es el mini-elepé que le hace entrar en la antología de la música española, que les da el título de grupo influyente en la movida y que les pone entre los 20 grupos musicales más importantes de todos los tiempos; estamos hablando del mini-elepé que contiene el tema “Cuatro Rosas”, identificador de Gabinete Caligari como el grupo castizo español, con un sonido swing ibérico y lirismo en las letras.

El siguiente disco, “Al calor del amor en un bar”, aunque lo pinchamos mucho y es un clásico, en su momento no tuvo el éxito esperado, porque esperaban reventar con el disco, pero era difícil superar “Cuatro Rosas” y también se achacó un poco a la pequeña compañía Tres Cipreses-Dro la falta de campaña publicitaria. Por eso, quizá, Gabinete Caligari pasó a la multinacional EMI y lanzó un nuevo disco que les terminó de encumbrar, el completísimo “Camino Soria”. Por fin llega el éxito multitudinario de público y crítica.

Ya consolidados nos siguen ofreciendo verdaderas perlas musicales que os aconsejo escuchéis. “Privado” y el exitazo súper bailado “La culpa fue del cha cha chá”. Para mí hay dos discos completos que no hay que perderse y os aconsejo meter en la maquinita de re-escuchar lo bueno de nuestro pasado: “Camino Soria” y “Cuatro Rosas”.

A los Gabinete tuve suerte de verlos en directo en tiempos, pero hace unos años, actuaron en Murcia y se produjo la ocasión de cruzar unas palabras con Jaime Urrutia, pasado el tiempo fiel a su tupé; hablamos de la música, de la actuación, de lo que le gustaba el público murciano que se volcaba con el espectáculo de manera educada, de lo bien que se vive en Murcia con sol todo el año. Y también hablamos de lo grandes que fueron aquellos años y que, a los Gabinete se les había etiquetado con un tipo de música que nos les había permitido evadirse de aquellas canciones clásicas para evolucionar pero, como dijo Jaime:<<Vendita etiqueta de ser el grupo que tocaba “Cuatro Rosas”, “Camino Soria” o “La culpa fue del cha cha chá”>>. Un gran tipo este Jaime Urrutia.

Tampoco se me olvida (tengo que buscarlo para volver a verlo), creo que en uno de los especiales de Nochevieja de Martes y Trece, cuando aparece Gabinete Caligari tocando una canción y conforme se va acercando la cámara se descubre que el cantante no es Jaime Urrutia como parecía sino que es Millán Salcedo de los Martes y Trece, quién, como se suele decir, clava la imitación. Incluso esta broma sana les “persiguió” durante un tiempo a los dos en el cachondeo popular.

 

Everything But The Girl

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EVERYTHING BUT THE GIRL

El dúo está formado por la inconfundible voz de Tracey Thom y la magnífica guitarra de Ben Watt.

Ambos estaban fichados como cantantes en solitario en la discográfica Cherry Red. Además Tracey Thom grababa con el grupo Marine Girls de la misma compañía. Tanto Tracey como Ben iban a la Universidad de Hull. Un ejecutivo de Cherry Red les presentó y, en poco tiempo surgió una gran afinidad, formaron pareja sentimental y artística. El 5 de Enero de 1983 hicieron su primera actuación en directo juntos y, para ello, tomaron el nombre de una tienda de ropa de segunda mano de Hull: Everything But The Girl. En julio de ese mismo año graban una excelente versión de “Night and day” de Cole Porter.

1984 se marchan al recién fundado sello discográfico, que seguro que os suena, Blanco y Negro, allí editan su primer single, que llega al puesto 28 en el Reino Unido, hablamos de “Each and Everyone”. Dos meses después graban su primer LP “Eden”.

En nuestro recuerdo y en nuestras piernas se nos quedaron, sobre todo, dos temas: “Wrong” y “Missing”. Pinchados por los disc jockeys más sensibles de la época. “Wrong” es un tema, con un ritmo exquisito, que aborda la típica relación de encuentro y desencuentro (Como decía Kiko Veneno: “… lo mismo te echo de menos, lo mismo, que antes te echaba de más…”). En cuanto a “Missing”, para mi su obra maestra y más en la versión lenta (romántico que es uno)

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Ese tema que hemos bailado y bailado y que es parte de la historia de la música y con esa frase que seguro que muchos de vosotros habéis usado para decirle a alguien que le añoráis: And I miss you, like the deserts miss the rain (Y te extraño, como el desierto extraña la lluvia); me vienen a la mente cuando dejábamos acabar la canción anterior del todo, dos segundos de pausa, y soltar el Missing, parecía que entraba aire fresco en la pista, las chicas se movían de forma más sensual y los chicos intentaban (con inglés macarrónico cantar la letra de la canción).

De ellos quizá conocemos los remix de sus temas para pista de baile pero debemos darnos una vuelta por su discografía para viajar por sus melodías etéreas hechas a medida de la guitarra de Ben y sus preciosas letras que no podrían ser mejor interpretadas que con la extraordinaria voz de Tracey. Tomad nota de la discografía: 1984: Eden, 1985: Love Not Money, 1986: Baby The Stars Shine Bright, 1988: Idlewild, 1990: The Language of Life, 1991: Worldwide, 1992: Acoustic (Un pedazo de Discazo), 1993: Home Movies, 1994: Amplified Heart, 1996: Walking Wounded, 1999: Temperamental.

Ahora, en el siglo XX, existen infinidad de grupos que, con la misma simplicidad que Everything But The Girl, muestran sus virtuosos y suaves temas a unos oídos que ya fueron educados por esta pareja desde mediados de los 80. Incluso creo que, sin darse cuenta, muchas intérpretes femeninas trabajan su voz para adquirir esa textura única e inconfundible que le dio éxito a Tracey Thom.

New Order

new_ordernew orderNew+OrderNew-OrderHablamos de un grupo irrepetible e inigualable, grupo favorito de generaciones diferentes que se conocerá siempre en el ámbito musical como uno de las grandes bandas de toda la historia musical.
Cuando descubrí a este grupo allá por el año 1987 con su álbum “Substance”, una recopilación con sus grandes éxitos comprado en DiscoPlay, me dejo hipnotizado con sus harmoniosas y bellas melodías de sintetizador y sus ritmos contundentes y súper bailables. Llegaron tan profundo en mi que es esa época no podía escuchar otra cosa que no fuera hecha por New Order. Ya nada me sabia igual, ya tenia una medida de calidad que era difícil de igualar por ningún otro grupo, e imposible superar por nadie.
Mis O.M.D., mis Simple Minds, mis Talkin Heads y mi Prince habian sido desplazados de su lugar de privilegio en mi Walkman de Sony Auto reversible.
Estuvieron años y años sonando por donde yo pasaba, en la carpintería y en en la radio cassette de la furgoneta , en el coche de mi padre, en el coche de mi hermano, en el coche de mi hermana y en el GYM a toda pastilla.
Elegir un tema entre toda su brillante y longeva discografía es tarea imposible para mi, muchas canciones de ellos me traen recuerdos maravillosos e inolvidables de mi vida.
Por poner una canción primero, pondré la mas conocida y la que todavía podrás escuchar donde vayas a bailar, si el Dj tiene alguna cultura musical claro.

New Order es un grupo británico de rock, formado en 1980 por los miembros del disuelto grupo Joy Division.

La versión temprana de New Order era fácilmente relacionable con el grupo anterior, pero enseguida encontraron un sonido característico, descrito como una fusión entre la música electrónica y el new wave o post-punk.

Miembros

Estaban compuestos inicialmente por Bernard Sumner (guitarra, teclados y voz), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería). En 1981 se integró Gillian Gilbert (teclados; actualmente esposa de Morris), quien abandonó el grupo en 2001, para cuidar el hijo de ambos, el cual padece una grave enfermedad. En su lugar se incorporó Phil Cunningham, para hacerse cargo de los teclados y de la guitarra. En 2007 Hook abandonó la agrupación y no participó del regresó de la banda en 2011, Gilbert regresó a New Order ese mismo año.

Orígenes y Movement (1980-1982)

Son una de las bandas más importantes de la historia musical moderna e influyentes en la música popular de las dos últimas décadas. La historia comienza en Mánchester, en el año 1976, cuando Bernard Sumner (guitarra), Peter Hook (bajo), Stephen Morris (batería), e Ian Curtis (cantante), se reúnen con el nombre de Warsaw. Después cambian su nombre a Joy Division, evolucionando la música punk heredada por los Sex Pistols, creando lo que se llamaría post-punk. En 1980 Ian Curtis se suicidó, lo que significó el fin de Joy Division. Sus miembros vivientes deciden seguir haciendo música bajo el nombre de New Order, esta vez con la teclista Gillian Gilbert (esposa de Stephen Morris). New Order perteneció al sello discográfico Factory Records, propiedad de su amigo Tony Wilson. Cuando el sello cerró, la banda hallaría acomodo en London Records, discográfica con la que editarían sus discos restantes.

La banda realizaría un calentamiento que incluyó algunos conciertos en EE.UU. tocando canciones de Joy Division y algunas canciones incluidas en su álbum debut, además de hacer su primera Peel Session en enero de 1981. Así, en noviembre de 1981 editaron su primer álbum discográfico bajo el nombre de New Order, titulado Movement, que incluía todavía un sonido similar al de Joy Division, cercano al post-punk, teniendo como sencillos «Dreams Never End» y «Doubts Even Here». Esta última canción tendría como lado-b a «Ceremony», que fue compuesta originalmente en Joy Division y fue tocada solamente en el último concierto del grupo antes del suicidio de Curtis, así que fue retocada para la ocasión, notándose con claridad ciertos toques de electrónica que irían desarrollando en sus siguientes discos. Movement alcanzó el puesto 30 en los charts del Reino Unido, aprovechando la publicidad que daba ser Joy Division sin Ian Curtis. Aun así la crítica recibió bien este trabajo.

Hacia 1982 lanzan 1981 – Factus 8 – 1982, un EP que incluía dos sencillos que serían clásicos de la banda como son «Temptation» y «Everything’s Gone Green», además de otras canciones como «Procession», también un tema destacado de este lanzamiento. 1981 – Factus 8 – 1982, sería un preámbulo de lo que sería New Order de ahí en adelante: un grupo de electrónica inspirado en la energía del post-punk, llevando la música de baile hacia un terreno más introspectivo.

Power, Corruption & Lies y el éxito (1982-1985)

Hacia 1982 la música pop estaba sufriendo una revolución con la inclusión cada vez mayor del sintetizador, elemento introducido por los alemanes Kraftwerk. Depeche Mode desde una postura netamente electrónica, y New Order partiendo desde la energía del post-punk serían los principales protagonistas de este cambio en un primer momento. Luego del lanzamiento del EP, la banda se dedicó a trabajar en su segundo álbum de estudio, aunque aún tuvieron tiempo de hacer su segunda Peel Session en junio de 1982. El resultado se vería el 7 de marzo de 1983 con el lanzamiento del primer sencillo del álbum Power, Corruption & Lies: «Blue Monday», que no sería incluido en el disco. La canción alcanzó éxito a nivel mundial, ya que se convirtió en el sencillo de doble cara (la otra canción era «The Beach»), lanzado por una discográfica independiente más vendido en la historia de la música, además de mostrar la mezcla de post-punk y electrónica que los haría tan famosos alrededor del globo. «Blue Monday» alcanzó el ­­puesto n.º 1 en las listas de indie del Reino Unido, el n.º 9 en las listas generales del mismo país, y llegó al n.º 5 en el U.S. Billboard Hot Dance Club Play, arrasando en las pistas de baile de todo el planeta. New Order apareció en el programa de la BBC Top of the Pops, el 31 de marzo de 1983, para promover la canción. Desde hacía mucho tiempo la política del programa consistía en que los artistas se limitaban a tocar con una pista de fondo, pero New Order insistió en tocar «Blue Monday» en vivo. El rendimiento de la presentación se vio afectado por problemas técnicos, y no era representativa de la grabación. En palabras del baterista Stephen Morris, Blue Monday «nunca fue la canción más sencilla para tocar en escena de todos modos, así que todo salió mal. Los sintetizadores estuvieron mal. Sonaba horrible».

El segundo sencillo (que tampoco fue incluido en el disco), «Confusion», también resultó un rotundo éxito, igualando lo que hizo «Blue Monday» en EE.UU., y de paso estableciendo a la banda en el terreno de la música bailable, ya que llegó al n.º 5 en el U.S. Billboard Hot Dance Club Play también. Por su parte el álbum Power, Corruption & Liess llegaría al puesto n.º 4 en las listas del Reino Unido y al n.º 35 en las australianas, destacando la canción «Age of Consent». Durante la gira de soporte para este disco, se lanzó un nuevo sencillo en 1984: «Thieves Like Us», que lograría otro n.º1 en las listas de indie en Inglaterra y se ubicaría en el n.º 18 en las listas mainstream del mismo país. En mayo del mismo año se lanzó otro sencillo «Murder», que no lograría romper tanto como los sencillos anteriores, ya que llegó al segundo puesto en las listas indie, pero llegó al puesto 92 en las listas mainstream del Reino Unido.

Low-Life, Brotherhood y Substance, se completa la transformación (1985-1987)

Casi un año después del lanzamiento de «Murder», New Order lanza «The Perfect Kiss» (que haría una posible referencia a la masturbación), logrando un nuevo n.º 1 en las listas indie, el n.º 35 en las listas mainstream de Inglaterra, y un nuevo n.º 5 en las listas de música bailable en EE.UU. Este sencillo serviría como preámbulo para el lanzamiento de Low-Life, el tercer disco del grupo, que fue lanzado en 1985 e involucra una incorporación aún mayor de sintetizadores y samplers por parte de la banda, aunque todavía conservando elementos rock en su propuesta musical. De todos modos generó cierta polémica por sus letras con referencias sexuales presentes en todo el disco, también presentes en el otro sencillo del álbum, que sería «Sub-culture». En 1986 se lanzaría «Shellshock», que estaría presente en la banda sonora de la película Pretty in Pink, y State of the Nation, que llegaría al n.º 30 en el Reino Unido y al n.º 4 en las listas de dance de Estados Unidos. Ese mismo año se produce el lanzamiento de Brotherhood, su cuarto álbum, desprendiéndose otro clásico de la banda: «Bizarre Love Triangle». El disco alcanzaría el puesto n.º 9 en Inglaterra y el n.º 15 en Australia, pero en Estados Unidos no logra entrar a los 100 primeros.

Brotherhood sigue mostrando la mezcla entre post-punk y electrónica de todos los discos de la banda hasta ese momento, sin embargo la guitarra no volvería a adquirir un papel tan prominente en sus siguientes discos. Esto cambiaría hasta las grabaciones de New Order para su álbum Get Ready en 2001. En 1987 se publica Substance, una recopilación con sus grandes éxitos, y una nueva canción que se vería en el próximo álbum: «True Faith», la cual entrar en las 100 mejores canciones del Billboard estadounidense en el puesto n.º 32, mostrando claramente que su sonido se estaba volviendo cada vez más accesible al público. Ese mismo año lanzan otro sencillo «Touched By the Hand of God», con un éxito similar al de «True Faith». Durante 1987 giraron por Estados Unidos junto con Echo & the Bunnymen.

Technique, «World in Motion», cambio de discográfica y descanso (1989-1992)

«Fine Time» sería el primer sencillo de su quinto álbum de estudio. Llegaría al n.º 2 en el Hot Dance Club Play Chart, al n.º 3 en el Modern Rock Chart en Estados Unidos, y al n.º 11 en el Reino Unido. En enero de 1989 lanzaron uno de sus mejores discos, Technique, donde encuentran un sonido tecno con una ligera mezcla del new wave y es considerado, junto al Happiness de The Beloved, el disco que marca el cambio de la música de baile enfocada al hedonismo a la música de baile enfocada a la introspección. Influidos por el estilo acid house imperante en Mánchester por esa época (tenían como compañeros de discográfica a Happy Mondays), el álbum mezcla el post-punk de sus primeros años, la electrónica que comenzó a mostrarse desde «Blue Monday», y el sonido Madchester que habían puesto de moda The Stone Roses y los mismos Happy Mondays. El álbum llegó al n.º 1 en el Reino Unido, y entró con fuerza en el Billboard norteamericano, en el puesto n.º 32. Su siguiente sencillo «Round & Round» lograría el n.º 6 en el Modern Rock Chart y el n.º34 en el Billboard Hot 100. El tercer sencillo, «Run», se lanzaría de forma limitada. New Order giraría por Estados Unidos y Canadá junto con Public Image Ltd y The Sugarcubes.

Para 1990 grabarían un tema que se convertiría en el himno de la selección de Inglaterra durante el mundial de Italia de ese año. Esa canción seria «World in Motion» y en ella participarían Paul Gascoigne y Peter Beardsley, llegando al n.º 1 en el Reino Unido. Un año más tarde la banda deja Factory Records, luego de que la discográfica se declarara en bancarrota, debido a las deudas que generó su discoteca The Hacienda y los altos costos de las grabaciones de los últimos discos de New Order y Happy Mondays. Luego de esta decisión, la banda decide tomarse un descanso de dos años para emprender proyectos en solitario en 1991.

Proyectos paralelos, Republic, grandes éxitos e hiato (1992-1998)

Durante finales de los 80, Bernard Sumner formó una nueva agrupación paralela a su trabajo con New Order, el grupo Electronic, que junto con Johnny Marr de The Smiths y algunas colaboraciones de los Pet Shop Boys y Karl Bartos de Kraftwerk editaron un álbum homónimo en 1991. Por otro lado, Peter Hook formó una nueva agrupación llamada Revenge y mientras tanto, la pareja de Gillian y Stephen Morris formaron el dúo The Other Two, que también lanzó un disco.

En 1993 publicaron Republic, compuesto y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos su disco más accesible. El disco seria un éxito rotundo en gran parte gracias a su primer sencillo, «Regret», que se convirtió en la canción más exitosa de New Order en los charts estadounidenses, llegando al puesto 28 del Billboard y al primero en las listas de baile y de rock de forma simultánea. A «Regret» le seguirían «Ruined In A Day»; «World (The Price Of Love)», que fue acompañado de un hermoso video filmado en Cannes, Francia, y «Spooky».

En 1994 la banda lanza un par de compilaciones: (The Best Of) New Order, la cual incluía versiones de 7″ de sus singles, y poco después (The Rest Of) New Order, una compilación con remezclas clásicas y alguna que otra novedad. Un tema de (The Best Of) New Order, «Vanishing Point» (que originalmente fue incluida en el disco Technique), fue incluida para ser lanzada como single, sin embargo al final London Records cambió de opinión al último momento y decidió relanzar «True Faith» como single nuevamente.

Poco tiempo después de presentarse en el Festival de Reading de 1994, los integrantes se separaron para continuar con sus proyectos en solitario: Sumner se reunió con Johnny Marr para editar un par de discos más con Electronic. Peter Hook disolvió Revenge tras un disco y un par de EP, para luego fundar Monaco junto a David Potts, publicando dos discos. Ambos miembros restantes, Stephen Morris y Gillian Gilbert reformarían The Other Two para lanzar un nuevo disco en 1999 titulado Superhighways.

Regreso a los escenarios, siguientes álbumes y nueva separación (1998-2007)

Tras una reunión en 1998, el grupo decidió acordar tocar nuevamente juntos cuando se reunieron para el Festival de Reading de 1998, donde curiosamente comenzaron a tocar canciones de Joy División de nuevo -refiriéndose a ellas como «el legado perdido»-, y volviendo al estudio poco después para lanzar Get Ready en el 2001, incluyendo el éxito «Crystal». Más tarde colaborarían en la banda sonora de 24 Hour Party People con una nueva canción: «Here to stay». En 2005, ya sin Gillian Gilbert y con la inclusión de Phil Cunningham, editaron su más reciente trabajo titulado Waiting For The Sirens’ Call.

En 2007 Peter Hook anuncia la separación del grupo, marcado por una batalla de dimes y diretes sobre el futuro de la banda. En un principio la separación fue negada por Sumner, argumentando que Hook solo saldría de la banda, pero él no podía decidir si el grupo terminaba y si seguirían sin él, tras lo cual Peter se molestó y amenazó con demandar a la banda si continuaban sin él, ya que «¡El grupo se acabó! Ustedes no son más New Order de lo que soy yo, ustedes tendrán dos tercios del grupo, pero no asuman que tienen los derechos para hacer cualquier cosa bajo el nombre de New Order, por que no pueden. ¡Yo sigo teniendo un tercio!. Pero estoy abierto a negociar». Tiempo después, en una entrevista, Sumner aseguró que «En estos días cuando hago música quiero que sea divertida, agradable, que sea disfrutable y encontré todas esas condiciones con esta nueva banda -refiriéndose a Bad Lieutenant-. Ya no quiero hacer música como parte de New Order, de todas formas, ya no podíamos ni siquiera utilizar ese nombre».

Después de la separación (2007-2011)

A finales de 2008 Warner Records re-editó los primeros álbumes de la banda (el catálogo con Factory Records) en ediciones especiales incluyendo en cada uno un disco extra con lados b, remixes y singles. En tanto, se cree que pronto habrá más material por lanzar de la banda, como los temas inéditos de las sesiones del Waiting For The Sirens’ Call.

Hook ahora se concentra en un proyecto junto a Mani de los Stone Roses y Andy Rourke de The Smiths llamado Freebass, con los que ya publicó un álbum de estudio y un EP, además de que ocasionalmente hace presentaciones como DJ. Escribió un libro titulado The Hacienda, How Not To Run A Club contando detalles y la historia desde su punto de vista sobre ese mítico lugar. Además recientemente ha abierto un bar llamado FAC251: The Factory, el cual tiene de tema el legado de Factory Records y el famoso club The Hacienda, del cual la banda solía ser co-propietaria.

En tanto, Morris regresó al estudio junto con su esposa Gillian para remezclar un par de canciones para el disco Year Zero Remixed de Nine Inch Nails. Recientemente se ha creado un nuevo sitio web para The Other Two, además hay rumores de un nuevo disco del dúo. Morris actualmente está de gira con Bad Lieutenant.

Bernard Sumner anunció en 2008 un nuevo proyecto llamado Bad Lieutenant, banda que en 2009 lanzó su álbum debut Never Cry Another Tear, la cual cuenta con Phil Cunningham y Jake Evans, además de colaboraciones de Stephen Morris, quien tocó la batería en algunas canciones del disco (sin embargo Sumner recientemente lo llamó un miembro oficial de la banda), y Alex James, bajista de Blur. El grupo es considerado por los medios como «el nuevo New Order», a pesar de que esta banda tiene un sonido un poco más rock alternativo con ciertos toques un poco más acústicos. Recientemente, Sumner colaboró con Hot Chip y Hot City en la canción «Didn’t know what love was» que se utlizaría como sencillo promocional para los zapatos Converse.

Phil Cunningham, por su parte, estuvo involucrado en un proyecto llamado Run Run Run, el cual tuvo que dejar para formar Lieutenant con Bernard Bad.

Reunión sin Hook (2011-actualidad)

En octubre de 2011 la banda anunció su regreso para varias presentaciones en Bélgica y Francia de carácter benéfico sin Peter Hook, quien rechazó la invitación y de paso criticó la reunión, ya que según él se hizo solo por motivos económicos, «Si esperan que después de eso me retire a las montañas, están completamente equivocados».

Unas semanas después de dichas presentaciones, la banda confirmó una presentación en Argentina y Chile. La mini gira sudamericana tuvo como fechas el 1 de diciembre en Buenos Aires, Argentina, en el Estadio Obras; el 3 de diciembre en Sao Paulo, Brasil, en el Ultra Music Festival.

En octubre del 2012 se presentaron por primera vez en Ciudad de México, dentro del Festival Corona Capital. En Bogotá, Colombia se presentaron por primera vez en el país el 7 de abril de 2013 en el Festival Estéreo Picnic al lado de bandas como The Killers y Café Tacuba y en el Perú se presentaron por primera vez el 5 de abril del 2013 en la Explanada del Estadio Monumental.

Álbumes

1981 – Movement.
1983 – Power, Corruption & Lies.
1985 – Low-Life.
1986 – Brotherhood.
1989 – Technique.
1993 – Republic.
2001 – Get Ready.
2005 – Waiting for the Sirens’ Call.

Recopilaciones

1987 – Substance (Primera compilación de singles. Un disco extra incluye lados b y remixes).
1994 – The Best of (Lanzado en 1994 incluyendo en su mayoría versiones 7″).
1995 – The Rest of (Compilado de Remixes).
2002 – International (Lanzado solo en algunos partes del mundo, pero no en Reino Unido).
2002 – Retro (Box Set de 4 discos con lo mejor de su material recopilado por amigos de la banda).
2005 – Singles (Compilación de dos discos con todos los singles de la banda, preferentemente versiones 7″).
2006 – 12×12 (Compilado de vinilos).
2012 – The Lost Sirens (Compilado de inéditos).

Sencillos y Ep

1981 – Ceremony.
1981 – Procession / Everything’s Gone Green.
1981 – 1981-1982 New Order.
1982 – Temptation.
1983 – Blue Monday.
1983 – Confusion.
1984 – Thieves Like Us.
1985 – The Perfect Kiss.
1985 – Sub-culture.
1986 – Shellshock.
1986 – State of the Nation.
1986 – Bizarre Love Triangle.
1987 – True Faith.
1987 – Touched by the Hand of God.
1988 – Blue Monday ‘88.
1989 – Fine Time.
1989 – Round & Round.
1989 – Run 2.
1990 – World in Motion.
1993 – Regret.
1993 – Ruined in a Day.
1993 – World (The Price of Love).
1993 – Spooky.
1994 – True Faith ‘94.
1995 – 1963.
1995 – Blue Monday ‘95.
1995 – Bizarre Love Triangle.
1997 – Video 5 8 6.
2001 – Crystal.
2001 – 60 Miles an Hour.
2002 – Someone Like You.
2002 – Here to Stay.
2003 – The Peter Saville Show Soundtrack EP.
2005 – Krafty.
2005 – Jetstream.
2005 – Waiting for the Sirens’ Call.
2006 – Turn.
2006 – Guilt Is a Useless Emotion.

Comentarios. Jesús Garrido
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/New_Order

Un genio llamado Mike Oldfield

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¿Sabéis cuantas semanas tiene un año? 52. Pues el álbum Túbular Bells de Mike Oldfield, a parte de ser número uno en ventas, estuvo 256 semanas en las listas de ventas, desde 1973. No hace falta que busques calculadora para hacer la cuenta, 265 semanas son, ni más ni menos que 5 años. ¡Qué pasada!

Mike había sido un niño prodigio de la música e hizo su primera grabación cuando contaba con 15 años, junto a su hermana Sally y con el nombre de Sallyange. Sólo hicieron un álbum y no funcionó. Después de este fracaso, a los 16 años, formó Bareffot, dándose otro batacazo ya que ni llegó a grabar. Escocido decidió no arriesgar y pudo entrar, tocando el bajo, en la banda que acompañaba a Kevin Ayers, los Whole Wide World.

En 1972 después de dejar a Kevin Ayers se empeñó en sacar su trabajo a la luz y se hizo un experto en las salas de espera de las compañías discográficas británicas, que rechazaban una y otra vez su proyecto que consistía en sacar un disco con una sola canción que duraba 50 minutos y que gastaría una cantidad ingente de dinero en grabaciones ya que estaba prevista para ser interpretada por un centenar de instrumentos tocados por el propio Mike Oldfield. En esto que se cruza con Richard Branson, un empresario que tenía la mayor cadena de tiendas de discos, las Virgin Stores, y que pensó que, ya que tenía una buena red de ventas, estaría bien montar su propia compañía de discos.

Nació por tanto Virgin Records y pudo grabarse y salir a la venta el proyecto de Mike, de unos 50 minutos de duración y con un centenar de instrumentos tocados por Mike y grabados en overdubbings o superposiciones de sonidos. Cuando Virgin hizo su presentación pública, con su nuevo artista de tan solo 19 años y su arriesgado proyecto musical, muchos pensaron que era un error. Sin embargo, el disco llegó pronto a los primeros puestos de las listas, aunque no llegó al número uno su segundo lanzamiento.

Tubular Bells tuvo una larga historia que empezó en incomprensión y terminó en admiración. Como te dije al principio estuvo 5 años en las listas de ventas y, poco a poco, desde su lanzamiento, fue escalando puestos para llegar en 1 año al número uno. También influyó en ello que William Friedkin, en la película de culto “El Exorcista” decidió usar algunos pasajes del Tubular Bells en algunas escenas, apenas se apreciaban pero se habló y promocionó el uso de la música de Olfield en el film y, la discográfica aprovechó para sacar un single con esa parte de la Suite.

El acontecimiento Tubular Bells ha dado pie, con el paso del tiempo, a varias versiones más hechas por el propio Mike Olfield, incluso hubo un tiempo que él mismo pensó que había explotado tanto este recurso que todo el mundo creería que no tenía más talento que ofrecer, cosa que llegó a obsesionarle. Buscó en otros aspectos de la música y, a parte de muchos otros temas magníficos, nos dejó una canción a los chicos de los 80: “Moonlight Shadow”, top ten en ventas en el año 1983.

En 1982 Mike Oldfield decide formar un grupo estable y limitado, sin orquesta ni coros, para trabajar en discos y posteriores giras. Y decide poner en la banda a una vocalista, Maggie Reilly, quién en 1983, como decíamos, interpretó magníficamente “Moonlight Shadow”, una canción poética referida al asesinato, tres años antes, de John Lennon. Otros temas de este álbum que también recordareis son: “Family Man” “Man in the Rain” y “Crises”.

Aunque es un multi instrumentista aparece siempre con su guitarra, que maneja de forma sublime y le ayuda a “cantar” con sus manos lo que no hace con su voz. Me parece que hoy es buen momento para escuchar alguno de sus discos. Vuelvo a deciros que aprovechéis estas historias que contamos en musica80music90 para meter en vuestros artilugios musicales canciones que teníais olvidadas y, seguro, estoy completamente seguro, que os harán una vida mejor, más feliz, os sentiréis con otro atractivo, la piel mas suave, dejaran se crecer canas y os apetecerá salir con los amigos a divertiros. Pruébalo y luego nos cuentas.




Motiv8. Muchos Motiv8s para bailar

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Steve Rodway

Motiv8. Muchos Motiv8s para bailar

En los 90, para los que pinchábamos música y mucho público con buen oído, se nos encendían las luces cada vez que nos llegaba un vinilo de alguna remezcla donde, entre paréntesis, se indicaba: (Motiv8 remix) y enseguida comprábamos el disco y, desde ese mismo día era el número 1 de la semana. Incluso un tema más o menos resultón de Robert Palmer o de los Doobie Brothers adquiría el don de ser bailado en las pistas de los más prestigiosos dj’s, o sea, Motiv8 hacía magia, que a través de unas buenas manos (las del pincha) llegaba a entusiasmar a todo el mundo.

Detrás del proyecto Motiv8 estaba Steve Rodway empezó haciendo voces y tocando la batería. Su primer trabajo más o menos serio fue como teclista para Billy Ocean. Su primer tema en solitario fue Rockin ‘for Myself que llegó al puesto 18 en las listas del Reino Unido. Año 1994.

Después decide dedicarse a sacar algunas remezclas que tenía en el armario para aprovechar el tirón de este primer single. Renace el tema Listen to the Music de los Doobie Brothers. Lo que despierta el interés por su buena mano y la gran calidad que aporta en sus remixes. Jarvis Cocker y Steve Mackey del grupo Pulp son de los primeros en sensibilizarse con su toque mágico pidiendo una revisión del temazo Common People. Tal fue el éxito que superó a la canción original y llegó al número uno. Enseguida, siguiendo la estela, revisaron también, Disco 2000 alcanzando también notable éxito.

Tras las remezclas de los Pulp, Steve Motiv8 mete la mano reelaborando Accident de Saint Etienne y Etienne Daho, convirtiéndola concretamente en He’s on the Phone, creando un tema que nos hizo bailar, incluso todavía lo puedes poner y la gente se vuelve loca. Luego le siguen Robert Palmer, Spice Girl, Gina G , Diana Ross, Maria Kiani, 2 in a Room, Pet Shop Boys, Kylie Minogue, Heaven 17, Nightcrawlers, Johnna, Dana Dawson, Sean Maguire, Michelle Gayle, Billie Piper , Erasure, Kristine W, Gala… y muchos más, incluidos discos sacados directamente como Motiv8.

Me he dejado fuera de esta lista dos temas que personalmente me entusiasmaron y los pinché y pinché, son esos temas que siempre están frescos para oírse y que agradan a todo el mundo: la canción Jellyhead de Crush y, la colaboración con Kim Mazelle, Searching For The Golden Eye . Aunque quizá lo que más le rentó fue componer para Gina G “Ooh Aah … Just A Little Bit “, canción que representó al Reino Unido en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1996 y que, aunque quedó en el 8º lugar consiguió a posteriori llegar al número 1 en Reino Unido y un notable éxito mundial.

Steve Rodway nació en Cambridgeshire en el Reino Unido. Se ha dedicado a producir música de baile, componer, hacer remixes y también ha trabajado como músico y técnico de sonido.

A la hora de elegir qué videos acompañar a esta relación de temazos de la música bailable creo que lo mejor para todos es poner los máximos posibles. Por tanto aparta los muebles de la habitación donde te encuentres porque nos vamos a pegar unos buenos bailoteos con estos temazos de los 90.













Azul Y Negro


Nuestros Kraftwerk Españoles.
Pioneros de Tecno Pop Español de los 80.
Un grupo más valorado fuera de España que dentro y ahora os cuento el por que.

Para mi su mejor producción/Tema como dúo Azul y Negro es:

Azul y Negro (1.981-1.988), se formaron en Madrid, aunque ambos: Carlos García-Vaso y Joaquín Montoya, son cartageneros. Fueron profetas indiscutibles de la música electrónica española, además de precursores y pioneros de muchas novedades tecnológicas y musicales que se implantaron en el panorama musical español a lo largo de aquella década dorada de los años 80. Gira – 1985

Su pretensión no era otra que la de hacer buena música tecno pop, es decir, aquella basada en sintetizadores, secuenciadores e instrumentos electrónicos sin desechar los acústicos, sobre una base preferentemente bailable. En la música de este dúo, la voz no era el elemento predominante, al uso, sino que se trataba como un instrumento más y a veces se robotizaba con el uso del vocoder (sintetizador de voz).

Carlos García-Vaso.
Nacido el 16 de enero de 1953 en Cartagena. Durante sus primeros años de existencia los únicos contactos que tuvo con la música fueron las viejas canciones de “Los Cincuenta”, que oía tocar a sus cinco hermanos mayores con una guitarra destartalada. A los catorce años ingresó en un grupo local: Los Atomos, con guitarras eléctricas prestadas hacían esfuerzos por imitar a Shadows, Beatles y Rollings.

Dracma En 1974 hizo otro grupo local: Dracma y se presentaron al IV Certamen de la Canción de San Pedro del Pinatar, donde consiguieron el segundo premio con un tema del propio Carlos: “Preludio en Mi menor”(Recientemente ha sido grabado para el segundo CD en solitario de Carlos Vaso/Simbiosis con el título “Ancha es Castilla”). Poco después y con Carlos en plena fiebre sinfónica, compuso Operas Rock: “Los Siete Dioses”, “Gloria in Excelsis Diablo” y “El Planeta de Cristal”. Precisamente en la segunda de ellas intervino como teclista en la maqueta Joaquín, el futuro miembro de nuestro dúo: Azul y Negro.

En julio de 1976 se trasladó a Madrid: enseguida formó un grupo: Cáñamo, por el que pasaron gente de Cucharada como: Manolo Tena y Antonio Molina (el guitarrista zurdo de Ramoncin), Granada y allí conoció a Julio Blasco que acababa de dejar Banana (Salvador) y entraba en Granada, el grupo de Carlos Cárcamo: lo invitaron a unirse a ellos y aceptó, justo para grabar el tercer LP de la Banda: “Valle del Pas”. Vaso aprendió mucho de ellos, el cambio fue brutal, pues sin darse cuenta, se vio dentro de una de las primeras bandas del rock con raíces españolas más puro, y que ya entonces incluía a un gaitero en sus filas.

En aquel grupo tuvo que trabajar duro, aprender solfeo, practicar guitarra durante horas y horas, se inició en jazz y flamenco; fue realmente una experiencia maravillosa.

Después de ocho meses de galas y Festivales en compañía de Triana, Compañía Electrica Dharma, Asfalto e Iceberg, como máximos exponentes del rock sinfónico español, abandonó el grupo y quiso experimentar una nueva faceta musical; formó un grupo: Greta, en donde cabe destacar sus actuaciones diarias en el Music Hall Top Less (más tarde conocido como “Rock Ola”, cuna de la “movida madrileña”).

Para los Greta, la música no era suficiente, necesitaban baile, mimo, vestuarios de music-hall, plumas, maquillajes, glamur y mucho rock, fue una aventura apasionante y muy divertida. Greta Tampoco podemos olvidar los quince días, tarde y noche, del Teatro ALFIL de Madrid con el cantante Freddy, más conocido como “Fama” (actor principal de la película La Muerte de Mikel).

Después de año y medio con Greta, vino la CBS con la “Nueva Ola” y un contrato discográfico. Los cuatro gretas en solitario con Carlos como cantante y guitarra, grabaron el LP “Gira Gira” Greta producido por Jorge Alvarez (productor de Mecano, Olé Olé, La Década Prodigiosa, entre otros). A partir de entonces su estilo “popero” de tocar la guitarra se hace popular y es requerido en bastantes grabaciones como músico de sesión en el estudio de Luís Cobos, algunas de ellas inolvidables: como el primer LP de Mecano (aquella guitarra de Hoy no me puedo levantar, Maquillaje, Me colé en una fiesta, Boda en Londres, etc.). Los dos primeros LP,s de Tino Casal (a destacar las guitarras eléctricas que metió en “Champú de huevo”, “Billy Boy”, “Embrujada”, etc.). Los primeros temas de Antonio Flores (Pongamos que hablo, No dudaría). Y fue precisamente en el LP póstumo a Nino Bravo (todas las guitarras eléctricas están tocadas por Carlos), donde conoció a Julián Ruiz (octubre 1.980), que se brindó a producir el próximo trabajo que hiciese.

Su nueva evolución musical derivó hacia los sintetizadores, la música futurista y muy tecnificada, compró instrumentos de teclado, practicó y comenzó a grabar maquetas con esas fórmulas.

Para potenciar al máximo las posibilidades de los teclados decidieron incluir a un segundo miembro, se barajaron varios nombres, entre ellos el de Carlos Berlanga, que ya se había comprometido en el proyecto Alaska, o el de Juanjo “Shock” (autor de la letra de La Torre de Madrid y No Controlo Nada), hasta que Carlos se acordó de Joaquín que, a pesar de vivir en Cartagena, aceptó la idea y decidieron llevarla adelante, naciendo así AZUL Y NEGRO.

Joaquín Montoya.
Inició sus estudios de Piano a la edad de 9 años.
Se graduó en el Conservatorio de Música de Cartagena en donde realizó sus estudios medios. Continuó los de Grado Superior en el Conservatorio Superior de Música de Murcia.
Una vez terminada su carrera superior, decidió ampliar los mismos en el Real Conservatorio de Música de Valencia, donde finalizó los correspondientes a su Doctorado en Música con Premio Extraordinario Fin De Carrera.

Joaquín Montoya como pianista en la Orquesta Sinfónica de Valencia.
Dedicó seis años al ejercicio de la docencia, actuando como Profesor Titular del Conservatorio de Murcia y posteriormente del de Valencia. Fue en esta época cuando ofreció numerosos conciertos de piano por toda la geografía española y Europa habiendo actuado también en Marruecos. En Valencia y junto a la Orquesta Sinfónica de la Ciudad estrenó mundialmente la obra para piano y orquesta del compositor Eduardo López-Chavarri bajo la batuta del titular de la Orquesta de la R.A.I. Massimo Pradella.

Ha recibido clases magistrales de los prestigiosos pianistas y directores Antonio Lauret (Cartagena), Rosa Sabater (Barcelona), Frieda Valenzi (Salzburgo), René Gorget-Chemin (Paris), Rodolfo Halffter (México), Herbert Von Karajan (Alemania) y Federico Mompou (Barcelona).

Tiene como pianista clásico los siguientes galardones:

Premio Nacional Juventudes Musicales de Sevilla.
Primer Premio Internacional “Taboada Steger”.
Primer Premio “Eduardo López-Chavarri”.
Primer Premio Nacional de Interpretación al Piano.

Ha sido becario de:

Ministerio de Cultura.
Fundación de Arte Castellblanc.

Ha realizado numerosas grabaciones para RNE Clásica.

Es Miembro del “Mozarteum Sommer Akademie” de Salzburg.
A los 16 años entró a formar parte de su primer grupo pop: “Los Rockets”. Grandes músicos y mejores voces para profundizar en el bossa nova, latin jazz y pop con arreglos a seis voces.

Joaquín Montoya (teclado) junto a Carlos G. Vaso (guitarra) en un concierto de AZUL Y NEGRO en los años 80

Después se dedicó a componer para otros artistas y a introducirse en el mundo de la electrónica musical. Conoció a Carlos García Vaso en Cartagena con quién colaboró en los teclados de algunas de sus operas sinfónicas. Fue con posterioridad cuando nació la idea de Julián Ruiz de crear un grupo tecno basado en sintetizadores. Julián y Carlos ya se conocían pero por aquel entonces Carlos era sólo guitarrista y se precisaba un teclista, así que ofrecieron a Joaquín Montoya la posibilidad de participar al 50 por ciento en el proyecto y aceptó. Así se fundó “AZUL Y NEGRO”. Evidentemente, Julián Ruiz, sería el productor y mentor.

La etapa de AZUL Y NEGRO estuvo llena de éxitos nacionales e internacionales.

Durante esta andadura y con posterioridad a la época de brillante trayectoria de AZUL Y NEGRO, Montoya intervino en numerosas grabaciones de discos entre los que caben destacar las realizadas para Rubi, Tino Casal, Cinemaspop, Helena Cross, Tennessee, Trúpita, Diana, Juan Bau, El Mecánico del Swing y Lani Hall, esposa de Herb Alpert. Creó junto a Eliseo Peris, que había su Manager, una Discográfica independiente y una Editorial Musical. Precisamente para éste último compuso 14 canciones de corte romántico que fueron grabadas con orquesta de cuerda y publicadas en Miami (Florida).
En compañía de Eliseo también dio forma a otro proyecto diametralmente opuesto: “PICCOLISSIMA ORQUESTA”, del que fue director musical e intérprete recreando temas famosos de los años 40, 50 y 60.
En el terreno de la composición tiene en su haber más de 300 temas publicados, siendo Miembro de la Sociedad General de Autores desde 1972.
En la actualidad compone para el homenaje al pintor de fama internacional Eustaquio Segrelles, trabaja en una Trilogía para el Valencia F.C. con letras del insigne escritor Evaristo Serrano y además pertenece a dos formaciones de pop que trabajan simultáneamente, uno en trío y otro en dúo: “Ipanema” con Salvador Pujol, que se dedica a música brasileña y de jazz y “Costa Este” que recrea arreglos propios sobre temas de George Benson, Michael Buble, Joe Cocker, etc. en la voz de Pedro Hidalgo.
Nacido en Cartagena en 1950. Sus primeros contactos con la música fueron a través de un piano de juguete, un regalo de los Reyes Magos. Así, sin pensárselo demasiado, empezó a los nueve años su carrera musical en el conservatorio.

A los quince años entró a formar parte del primer grupo musical de su historia, un grupo local: Los Rockets, que hacía música de rock al principio, jazz después y, finalmente, jazz-bossa. Joaquín compaginaba la música clásica del Conservatorio con la del grupo. No podía distinguir entre cual de ellas le llenaba más por aquel entonces.

Joaquín Montoya Andando el tiempo, terminó su carrera superior de piano, obtuvo ayudas con las que asistió a cursos internacionales en Santiago de Compostela, Bélgica, Austria, Suiza, y ya como músico más hecho, comenzó a dar algunos conciertos de piano por toda la geografía española.

A los veintiún años, era profesor en el Conservatorio de música de Murcia; después estuvo como tal unos meses en Valencia, hasta que de vuelta a su tierra. empezó la investigación en el mundo de los sintetizadores y dejó Los Rockets. Tocaba los teclados en solitario cuando surgió el contacto con Carlos, que le ofreció el proyecto electrónico que estaba preparando.

La Edad de los Colores (1981)
Carlos tenía sus ideas, sus experiencias en el mundo de la grabación y grandes conocimientos de la música pop, Joaquín sus teclados y su andadura por el mundo de la música clásica.

Así, sin más, nació AZUL Y NEGRO, nombre que proviene de los colores de la camiseta del Ínter de Milán. Julián Ruiz, que por aquel entonces trabajaba en el diario Marca como crítico de fútbol, llegó al estudio después de ver jugar al Ínter en Italia, con la idea de esos dos colores como nombre del dúo, (¡estaban grabando sin tener aún claro el nombre artístico!). Dio mucho juego este nombre que representa también los colores de los cables de la corriente eléctrica, colores fríos que marcaron esa década de explosión del color, la moda y el diseño… hasta los taxis cambiaron de color. Actualmente ese nombre es una marca registrada por Carlos García-Vaso en Patentes y Marcas y en Dominio de la web que ahora visitas.

Edad de los Colores Su primer trabajo se tituló genéricamente “La Edad de los Colores”, fue grabado en los estudios Escorpio -ya desaparecidos- y propiedad de Luís Cobos: un estudio emblemático de los primeros 80,s. Allí se grabaron éxitos como los de Orquesta Mondragón, Alaska, Mecano, Tino Casal, Olé Olé, etc.

Azul y Negro contaron en aquella ocasión con Tino Azores como ingeniero de sonido, mientras que la producción corrió a cargo de Julián Ruiz. El diseño de la portada fue realizado por Tino Casal, con el que Carlos Gª-Vaso colaboraría como guitarrista en sus LP,s “Neocasal” y “Etiqueta Negra”. Además, Joaquín y Carlos tocaron las guitarras y los teclados del disco de Rubi, si bien fue Carlos el encargado de todos los arreglos.

Escuchar Azul y Negro – La última estrella

“No controlo nada” y “La Torre de Madrid” (Tour Eiffel para la versión internacional) eran los temas elegidos de “La Edad de los Colores para formar parte del primer single del disco, y que se grabaron en inglés para su publicación en Holanda (Pol Fergurson-Thompson fue el encargado de las letras en inglés). Para su segundo single fueron escogidos: “La Catedral de Sal” y “La Ultima Estrella”, el primero está dedicado a Bogotá por su famosa Catedral y fue interpretada en TVE en aquel legendario programa llamado “300 Millones”.

“La Edad de los Colores” en su primera edición, publicada en noviembre de 1981, no contenía el tema estrella que lanzó a Azul y Negro: “Me Estoy Volviendo Loco”, utilizado como sintonía oficial de la Vuelta Ciclista a España en 1982. Después del rotundo éxito, fue incluido, en una reedición de este álbum y en versión maxisingle. Carlos Vaso – Edad de los Colores

Ver Video AZUL Y NEGRO: me estoy volviendo loco

“Me Estoy Volviendo Loco” fue la primera sintonía “española” asociada al reportaje televisivo de la Vuelta Ciclista a España (el año 1981 lo había sido Paul McCartney). Fue compuesta expresamente para dicha Vuelta dado que Polygram había tenido noticias del concurso que TVE había convocado y les propuso que preparasen algo adecuado. La compañía tuvo que pagar “un millón de pesetas” para presentar el tema a concurso, los Pegamoides también se presentaron, pero finalmente Azul y Negro fueron los ganadores.

El éxito y la repercusión de “Me Estoy Volviendo Loco” fue rápida e inesperada para todos. En el mes de mayo de 1.982, durante 15 días consecutivos, sonó en todos los hogares a través de la pequeña pantalla: “Me Estoy Volviendo Loco”; tal fue el éxito y la demanda de discos que la compañía, que acababa de lanzar el LP sin ese tema, tuvo que retirar rápidamente del mercado toda la edición y lanzar una segunda versión de La Edad de los Colores incluyendo la versión maxi de la famosa sintonía; lo que llevó algunas semanas, y se perdieron miles de posibles ventas, ya que mientras se estaba promocionando en Televisión no había discos en las tiendas. El éxito de “Me Estoy Volviendo Loco” hizo que la multinacional lo editara también, con el título “Going Crazy”, en diecisiete países entre Europa, Japón, América y Australia,.

A la hora de hacer la presentación en directo del disco, Carlos y Joaquín optaron por tocar solos en el escenario, sin el apoyo de ningún otro músico, algo muy novedoso, tan sólo llevaban a dos bailarines para dar Bailarín – Edad de los Colores visualización a los temas instrumentales, curiosamente el bajo era tocado con el pie. Además, en todas las entrevistas dejaban bien claro, que no utilizaban ningún tipo de cinta ni grabación alguna a modo de “play back”. Además de los temas del PL incluyeron para directo una fantástica versión “tecno” del tema Eleanor Rigby de los Beatles, que desgraciadamente nunca fue grabada.

El lugar elegido para su concierto de presentación fue la discoteca valenciana “Distrito 10”, con un éxito arrollador, hasta el punto que su directo sigue siendo recordado como uno de los mejores que se haya efectuado nunca por un artista español: su sonido nítido y cristalino como sus discos, los performances, las luces, los trucos de artificio, su sentido del humor…La repercusión de aquella actuación fue inmediata y pronto llovieron los contratos sobre la mesa del manager personal Eliseo Peris “Elite” (antiguo cantante valenciano de la escuela de Nino Bravo, que llegó a ser ganador del Festival de Benidorm).

La Noche (1982)
En 1982 se grabó el que muchos llaman su obra maestra, el segundo álbum: “La Noche”. Un disco que marca claramente una evolución conceptual en la música de Azul y Negro, o mejor dicho, un camino más directo hacia el “tecno”, diferente al disco anterior que tenía un aire más pop. La Noche

La Noche se grabó entre los meses de septiembre y octubre en los estudios Audiofilm de Madrid con Luís Fernández Soria como técnico de sonido, y publicado a comienzos de 1983. Durante los meses de verano anteriores, Carlos y Joaquín habían aprovechado para reunirse en un apartamento de la Manga del Mar Menor y componer juntos, lo cual era una situación anómala en su manera de trabajar, que habitualmente consistía en intercambiar cintas por correo, dado que Carlos Vaso reside en Madrid mientras que Joaquín Montoya lo hace en Cartagena, para reunirse finalmente en el estudio y plasmar las ideas en conjunto. Tras ensayar juntos durante varias semanas, grabaron las maquetas de temas tan conocidos como: Technovision, Isadora, Con los dedos de una mano… y por supuesto, The Night. Cargados de ilusión y con los temas en sus manos, visitaron al productor que se encontraba de vacaciones en Denia. Julián Ruiz, nada más escuchar The Night en el equipo de su viejo Ford Taunus, quedó prendado (lo llegó a oír 5 veces consecutivas), llegando a asegurar que era un auténtico número uno. El tiempo no hizo más que darle la razón.

Ya en los créditos de este álbum, destacar que fue “cortado” en Londres por Ian Cooper (que también hizo lo mismo para Genesis, por ejemplo). En cuanto a colaboraciones: Jim Kashishian con el equipamiento para las mezclas, Manolo Aguilar, que fue el encargado de meter toques funkys con el bajo, Javier de Juan con la batería electrónica. Ambos, tanto Aguilar como De Juan, se embarcarían, en un futuro no muy lejano, de gira con Azul y Negro antes de acometer Javier de Juan y Manolo Aguilar su propio proyecto llamado “La Década Prodigiosa”. Los coros corrieron a cargo del inglés Ollie Halshall y la sueca Zanna (ambos pertenecían al proyecto “Cinemaspop”), a fin de minimizar el acento español en la pronunciación, además de aportar a la voz solista esa agradable sensación de coro… En cuanto al concepto gráfico, la portada del disco “La Noche” fue diseñada por Oscar Mariné.

Al igual que su anterior trabajo, algunos cortes del disco fueron escogidos como sintonías de programas de televisión y radio. Tal es el caso del tema “Fu-Man-Chú”, que fue elegido para el programa de acción de Isabel Tenaille y Miguel de la Cuadra Salcedo: “En Busca del Tesoro”. “Fantasía de Piratas” que se utilizó como sintonía para la cabecera de deportes de TVE; “The Night”, sintonía de los Informativos de TV en Argentina; y como no, “No Tengo Tiempo” (Con los dedos de una mano), elegida como sintonía oficial de la Vuelta Ciclista a España 1983.
Ver Video Azul y negro – Fantasia de piratas
Este tema se convertiría en otro éxito del dúo en España y en otro de los himnos “ciclistas” más conocidos, pero fue sin duda “The Night” el que consiguió abrir definitivamente las puertas del mundo para AZUL Y NEGRO. “The Night” fue una de las canciones más bailadas de aquel año en las discotecas y clubes más elitistas de Londres y en el “Estudio 54” de Nueva York. Además, el maxi llegó a superventas sin la necesidad de apoyo televisivo, pero lo mejor de todo fue su entrada, casi sin querer, en las listas de venta británicas (25.000 copias): Presentación en Madrid, Sala Morasol – 1983 entraron como disco de importación procedente de Italia…!, todo ello fue debido a que sus discos salían de Barcelona, licenciados por el sello independiente Blanco y Negro, con dirección a Andorra, allí los adquiría un mayorista italiano que los exportaba al Reino Unido…y claro allí pensaban que eran italianos. De hecho, ha sido el tema español que más derechos de autor, procedentes de radio y televisión del extranjero, recaudó la SGAE durante el año 1987, desbancando al que tradicionalmente lo hace: el “Concierto de Aranjuez”.

Como buenos compositores, creadores y músicos de estudio que eran, Carlos y Joaquín no se quedaron únicamente con el proyecto de Azul y Negro, sino que además se embarcaron en proyectos de diversa índole. “Cinemaspop” fue uno de ellos, se trataba de grabar versiones tecno pop de los clásicos del cine; se hizo entre los meses de noviembre del 82 y marzo de 1983, publicado por WEA y producido por Julián Ruiz, incluía versiones de Casablanca, James Bond, El Tercer Hombre, Exodo, Los 7 Magníficos y Zorba el Griego, que fue el primer single que se extrajo del disco. “Cinemaspop” se grabó en los estudios Audiofilm, con la novísima Técnica de la Grabación Digital.

Carlos Gª-Vasó, tras haber colaborado en algunas otras producciones de Julián Ruiz, aunque incomprensiblemente no figura en los créditos como auxiliar de producción y arreglista, tales como: Rubi, Kevin Ayers, Guinea, etc., se estrenó como productor con un trío valenciano llamado “Platino”, con aquel número uno llamado: “Se Puede Decir” que dio título al Mini LP publicado en 1.983; todo un éxito. El LP se tituló “Esas Chicas”, fue grabado para EMI en los estudios Audiofilm y Track de Madrid por Luis Miguel González y Juan Ignacio Cuadrado respectivamente y publicado en 1.984. Antes , en 1982, Carlos había producido dos maxis para Polygram del tristemente desaparecido Nacho Dogan: la conocida versión española de “Da Da Da”, y “Aloa-Hee”. Toda una carrera de éxitos que siempre eran compaginados con los de Azul y Negro.

Digital (1983)
A mediados de 1983 se publicó a nivel mundial “Digital”: Digital una recopilación y remezcla de sus dos anteriores trabajos realizada mediante la ya mencionada técnica de masterización digital, innovadora por aquel entonces. El diseño gráfico corrió a cargo de J.I. Barea así como de Esther y Carlos Greus.

Esta recopilación contenía todos los éxitos cosechados hasta la fecha. Excelente trabajo en el que confluyeron la sorprendente acogida de sus dos primeros LP’s, el multitudinario éxito en sus conciertos y galas veraniegas, así como la magnífica acogida de sus discos cosechada en numerosos países europeos. Un buen ejemplo de ello fue Alemanía, donde un grupo tan mítico como “Kraftwerk” llegó a editar un maxisingle con la sintonía oficial para el “Tour de France” del año 1983, ¿coincidencia?. La anécdota es muy curiosa, pues la multinacional del grupo les mandó un video sobre La Vuelta Ciclista a España con la sintonía de fondo y los “papas del tecno” se quedaron encantados con “Me Estoy Volviendo Loco”. Disco de oro – Digital

Anécdotas aparte, el disco permaneció durante 22 semanas en la lista de superventas y “Digital” fue premiado como “L.P. más importante” del año. Llegó a disco de oro, cosa nada fácil de conseguir en una época en la que la industria discográfica estaba en grave crisis…

El primer single del disco fue la nueva mezcla que se hizo del tema “No Tengo Tiempo” (Con los dedos de una mano) que arrasó literalmente en las listas de superventas. Permaneció en ellas a lo largo de 21 semanas y durante cuatro consecutivas fue núm. 1 en singles. Azul y Negro fue el grupo nacional que más singles vendió en 1983.

El 15 de octubre de 1984 le fue entregado a los componentes de Azul y Negro el disco de oro perteneciente a su obra: “Digital”, el único en su extensa discografía, aunque hay que decir que Azul y Negro, llegó a vender cifras cercanas al medio millón de copias de toda su discografía.

Ver Video Azul y Negro – Fu Man Chu

Si 1983 fue un año crucial en la carrera de Azul y Negro, 1984 no lo fue menos; en el invierno de 1983 ya tenían perfilado y grabado el cuarto disco de su breve pero intensa trayectoria: “Suspense”, que se grabó, justamente después de finalizar el proyecto “Cinemaspop”, entre los meses de mayo y octubre de 1983 en los estudios Audiofilm de Madrid.

Suspense “Suspense” iba a representar un cambio considerable dentro de la línea habitual del dúo, esta es otra de las características de este curioso dúo que nunca quisieron encasillarse en una línea musical concreta, siempre buscando la innovación del pop, sonar diferente, huir de las repeticiones. Quizá esto hubiera sido lo fácil y deseable para la compañía, pero los habría quemado rápidamente y no hubieran aguantado esos 8 largos años en el candelero.

Polygram optó por retrasar la publicación del nuevo trabajo hasta la primavera de 1984. ¿Por qué?, todo fue debido al enorme éxito que cosecharon, tanto con “Digital” – su recopilación por excelencia -, como con su anterior disco “La Noche”. Por lo que había que digerir dos discos consecutivos en un corto espacio de tiempo, de hecho la aparición de Digital frenó las cifras de ventas de La Noche, que casi rozaban las 50.000 unidades, así que decidieron tomarse un pequeño respiro.

“Suspense” fue un trabajo más humano, se disimulaban sutilmente los secuenciadores y de paso rompían así con esa acusación de hacer “música de laboratorio”, música fría; algo que ellos negaban en sus entrevistas de manera rotunda y contundente. La realidad era que “mimaban” mucho sus grabaciones, hasta el punto de cuidar el más mínimo detalle en cada uno de sus temas para que no perdieran nunca ese toque humano.

El primer single que se extrajo de “Suspense” fue “El Hombre Lobo”, quizá el que más recordaba a su etapa anterior, por eso lo utilizó la discográfica como tema de transición, para no romper de golpe con todos los esquemas musicales que el dúo había mantenido. Suspense

La producción corrió a cargo de Julián Ruiz. El procesado digital en Tape One (Londres) lo llevó Geoffrey Resche, siendo Luís Fernández Soria el ingeniero de sonido.

Las letras de las canciones las hizo en inglés Marianne Forrest, escocesa y cuñada de Carlos Vaso. El diseño gráfico se le encargó a Castán/Barea y las magníficas ilustraciones del Hombre Lobo fueron realizadas por Orestis.

La instrumentación del disco era de lo más variada: las guitarras acústicas, eléctricas o sintetizadas volvían a tomar protagonismo, el uso de voz natural y sintes de nueva generación, contribuyeron a darle un sonido nuevo al disco, siempre con el objetivo de ser totalmente exportable fuera de nuestras fronteras. Foto inédita Suspense – 1984

Al igual que sucediera con temas de discos anteriores, “Suspense” también fue una cantera de sintonías para radio y televisión; El sencillo “Hitchcock Makes Me Happy” fue sintonía del archifamoso programa-concurso “Los Sabios” presentado por Miguel Angel Jenner e Isabel Gemio.

También lo fue otra de las joyas del disco: el tema jazzy “Agua de Luna” utilizado para ese mismo programa. Y como no, el remix de su single “Funky Punky Girl” que fue elegido como sintonía oficial en la “Volta Ciclista a Catalunya 1984”, mientras que la versión normal se utilizó para el anuncio de una famosa marca de Televisores (Philips K30). Como pequeña curiosidad: otro de los temas de “Suspense”, concretamente “Jíbaro”, estaba dedicado a la aventura “Largo Amazonas”, que José García-Vaso, el hermano de Carlos, llevó a cabo en 1983 descendiendo ese enorme río en balsa y sin motor desde el Machu Picchu al Atlántico durante 7.000 kilómetros.

“Suspense” permaneció más de 20 semanas en la lista de superventas de 1984 y además es imprescindible recordar, como dato relevante para la historia de la música española, que “Suspense” de Azul y Negro fue el primer disco español que se publico en formato digital, es decir, como disco compacto (CD).

Mercado Común (1985)
“Suspense” no terminó de conectar con la gente todo lo que se esperaba, por lo que Azul y Negro decidieron apostar muy fuerte, tirar la casa por la ventana y jugárselo todo con su siguiente trabajo: “Mercado Común”, un disco que se grabó en Londres y que vivió una historia muy curiosa.

1985 Alrededor de cuarenta canciones se escribieron para la selección del elepé. En la composición y armonía volvieron a una especie de mezcla entre “La Edad de los Colores” y “La Noche”. Hay que destacar que en “Mercado Común” hay temas muy popys, de guitarra fuerte y otros más marcadamente electrónicos, en la onda de “Isadora” o “Me Estoy Volviendo Loco”. Cuando quedaron las diez elegidas había que ponerlas un nombre y bautizarlas. Sólo una, “Miedo al teléfono”, era intocable del disco, ya que la amenaza del infernal medio de comunicación era lo suficientemente irritable y terrible para su condición de intocable.


Un frío día de diciembre, en el Café Comercial de Madrid, Julián Ruiz le sugirió a Eduardo Haro Ibars la idea de que un poeta urbano como él escribiera una letra cínica, hipócrita y seductora sobre el manido y oportunista tema del “Mercado Común”. Diez días después, el tristemente desaparecido Haro Ibars entregaba una letra en clave de humor y cinismo sobre el “Mercado Común”. Brillante, bella y poética, encajaba con la clave exacta del “reggae” a lo Mar Menor.

Paralelamente, productor y artistas habían estudiado una lista de ingenieros con créditos maravillosos. En la lista estaban John Hudson (Ultravox, Freur), Nigel Walker (Japan), Steve Tayler (The Fixx, Rupert Hine), Dave Jacob (McCartney, Bernard Edwards). Pol Ferguson, el amigo de Azul y Negro en Londres, tuvo esa lista a primeros de diciembre. Contestaba quince días después con el nombre de Jacob, En Advision con D.Jacob y J.Ruiz en el centrico estudio Advision, vieja casa de los éxitos de Roy Thomas Baker, Pink Floid, Emerson Lake & Palmer, Yes, Paul McCartney, etc.

Pero todavía quedaba más, mucho más. Un trabajo de reproducción que llevaría a productor y artistas a Barcelona, al nuevo estudio de José María Mainat (La Trinca, Crónicas Marcianas, etc.), que es el maestro en zen del CMI-Fairlight. Exactamente allí se eligieron unos ciento veinte sonidos diferentes que se irían a utilizar en el estudio de Londres.


Entre ellos, los coros del ejército ruso para “Semilla Glacial”, las flautas africanas para “Mercado Común”, los metales de “Mar Menor”, los ambientes orquestales de Wagner… Incluso se le había pedido a un especialista de efectos sonoros para el cine algunas cintas especiales. Por ejemplo, la máquina de escribir que se oye en “Números Rojos”, los portazos de “La Secta” o la industria sonora de “La Escapada”.

Todos ellos quedaron capturados en la computadora del Fairlight. Y algunos otros más, como el “Alló”, que les cedió gentilmente Rosa María Sardá, o los infinitos efectos sonoros que tomaron de los veinte discos sin estrenar de José Antonio Abellán (Presentador de “Tocata” Antiguo locutor de 40 Principales, y que actualmente es el director del famoso programa “La Jungla”). Entre ellos el sónar de submarino para “Mar Menor” o los cañonazos de la I Guerra Mundial para “Juego Criminal”.

Entre los meses de enero y febrero de 1985, por los estudios Advisión pasaron el Kurweill -escuchar la cuerda más real de “El arte que no se ve”-, synclavier II -maravillosos sonidos digitales-, la nueva Linn-9.000 -percusión de “Miedo al Teléfono”- y una lista larguísima de última tecnología que lograba su coronación con la magia de José María Mainat al programar el CMI II Fairlight. Magia que tenía incluso a los ingenieros ingleses asombrados por la rapidez y brillantez de la programación.

Portada Mercado Común Carlos y Joaquín, Azul y Negro, no quisieron que nadie más tocara en el álbum. Cuando el trabajo estaba terminado, el ingeniero Dave Jacob confesó su admiración por la calidad de los músicos. Sólo dos. Y bastaba. A los ocho días de grabación, Chris Morton, autor de las portadas de Dire Straits, Theatre of Hate, Tom Verlaine, etc., se había puesto en contacto con Julián Ruiz. Una vez más el productor explicó que la portada tenía que ser cínica hipócrita y seductora.

Durante los últimos días de las mezclas finales, Chris Morton se presentó con la portada de “Mercado Común” y con su flamante premio a la mejor portada del año por “Alchemy” de Dire Straits. Estaba doblemente contento y excitado. La satisfacción, por el premio y el entusiasmo que se reflejaba en los rostros de artistas, director artístico de la compañía y productor. El mapa de Europa había cambiado de colores, incluso de banderas. La ceremonia de la confusión del Mercado Común sólo acababa de comenzar y aún persistía cuando el disco vio la luz.

Pero Azul y Negro sí había hecho un Mercado Común Brillante. De este trabajo se extrajeron varios sencillos: “Números Rojos” fue el primer single, le siguió “Miedo al Teléfono” y por último “Semilla Glacial”.

Babel (1986)
“Babel” fue una vuelta al concepto tecno de Azul y Negro desarrollado en “La Noche”, es decir, canciones que se quedaban con facilidad, poca letra y muchos sintes, eso si. Además se vuelve a hacer un uso inteligente de toda la tecnología de vanguardia. La grabación y las mezclas también fueron digitales, como siempre la sónica fue una de sus principales preocupaciones.

Babel No era extraño que para este L.P. buscaran algo diferente. Como “Mercado Común” lo habían grabado en Inglaterra y bajar el listón era complicado, se enteraron que Jesús Gómez había montado un estudio formidable en Madrid, con una tecnología soberbia: Dowbletronics. Era el quinto estudio digital europeo, Azul y Negro lo estuvieron viendo y no lo dudaron, trabajarían allí. No era de grandes dimensiones pero tampoco las necesitaban, en cambio contarían con la inestimable ayuda y equipamiento que Jesús les ofrecía y esta vez sin los problemas que el no dominio del inglés conlleva.

El ingeniero de sonido fue, evidentemente, Jesús N. Gómez, y el concepto gráfico le fue encargado a Angel Ortíz. En cuanto a la producción Julián Ruiz cogería las riendas por última vez, ya que no volvería a producir a Azul y Negro.

Como primer sencillo, extrajeron “Vuelva usted mañana”, por cierto que los silbidos de este single, hechos por Carlos, fueron sampleados y utilizados en las actuaciones en directo con el primer sampler que como tal salió al mercado: el Akai 612. “Koto” fue su siguiente single, Otro tema: “El Descubrimiento”, fue utilizado por la cadena estatal de radio como sintonía para uno de sus programas deportivos.

Babel El nombre genérico “Babel” está dedicado al confusionismo de estilos que por aquellas fechas se estaba viviendo en el panorama musical español, por similitud a la confusión de las lenguas producida en la construcción de aquella bíblica torre, que además, servía perfectamente como concepto genérico para recoger algunos nombres de los temas incluidos en el álbum que hacían alusión a ciertas civilizaciones antiguas como Babilonia, Pompeya, Cartago, Alhambra…y que le imprimen ese aire épico que el disco despierta con tan solo mirarlo.

Y precisamente con esa mentalidad empezaron a hacer los temas, lo cual les llevó tiempo, además de jugarse mucho con el disco, pues en aquellos momentos se estaba tratando la consagración de Azul y Negro en Europa, y por supuesto, el mantenimiento en España, que era lo más importante. Se trató por todos los medios de hacer un disco de lujo, volviendo a la línea de melodías mantenidas en su segundo disco, o lo que es lo mismo, capturar la esencia de aquel y aplicarle la nueva tecnología.

1988: ¿El Final de Azul y Negro?
En 1.987 se produjo la marcha de Azul y Negro de su discográfica de siempre -Polygram- (ahora Universal). Por lo visto las cifras de venta de los dos últimos LP,s no habían alcanzado el objetivo estimado y la compañía pensó agotar el último cartucho apostando hacia algo más comercial, les propuso grabar versiones de música clásica en versión tecno. Tanto Carlos como Joaquín -creadores natos por naturaleza-, no querían realizar un disco de versiones, decidieron rechazar la oferta y ello trajo como consecuencia inmediata la carta de libertad de Polygram sin necesidad de grabar el último disco que aún tenían bajo contrato.

Es el Colmo Con esta “Carta de libertad” bajo el brazo y desvinculados de su discográfica de siempre, Carlos y Joaquín aún tenían cuerda para seguir tocando y componiendo juntos, los conciertos todavía se mantenían a buen nivel por lo que decidieron, con ayuda de su manager Eliseo Peris (“Eli”), probar suerte con la discográfica Blanco & Negro con los que grabaron un par de maxisingles, ya sin la producción de Julián Ruiz.

El primer maxi fue publicado en 1988 y titulado genéricamente “Es el Colmo!”. Producido por Azul y Negro para Elite Productions, se grabó en Circus, el nuevo estudio de Luís Cobos, por J.M. Sánchez. El diseño del maxi corrió a cargo de Llus Diaz y en cuanto a colaboraciones a destacar las de Jacky Jamison y Judy Clericuzio para los coros.

No Smoking El segundo se llamó “No Smoking” y se publicó en 1989, también para Blanco & Negro. Al igual que en el maxi anterior, Carlos y Joaquín se encargaron de la producción, pero hay que destacar un dato importante, en este maxisingle se contó con la colaboración para un remix que finalmente fue la cara A de uno de los discjockeys más importantes del país: Raúl Orellana. Otra vez Azul y Negro se volvían a anticipar al futuro. J.M. Sánchez se mantuvo como ingeniero de sonido, pero en esta ocasión el diseño corrió a cargo de Jordi García.

Las actuaciones fueron viniendo a menos cada vez por lo que, después de una actuación en Galicia durante el invierno de 1.988, decidieron tomarse un largo descanso para poner en claro sus ideas y recapitular sobre nuevos proyectos. Como consecuencia, tanto Carlos como Joaquín estuvieron distanciados casi cinco años; además sus preferencias musicales eran cada vez más opuestas, sin que existiera voluntad de acercamiento por ninguna parte.

Durante ese periodo de 5 años (89-93), Joaquín participó y colaboró en un disco que publicó Julián Ruiz como artista con el seudónimo de Norte Lambert, allá por 1989. En ese disco también hubo otra colaboración, la del malogrado Tino Casal.

Más adelante, Joaquín formó una orquesta llamada Piccolíssima Orchestra, hacían versiones de temas italianos de los años 50, grabaron e hicieron algunas actuaciones en televisión.

De Vuelta Al Futuro I (1993)
Tras ese largo paréntesis, y gracias a la mediación del manager de siempre “Eli”, Azul y Negro volvieron a reunirse para grabar y fue la última. En 1.993 publicaron el CD “De Vuelta al Futuro” para Sonorecord, el sello producto de la sociedad entre Eliseo Péris y Joaquín Montoya. Fue grabado en los Estudios Tabalet de Valencia, durante los meses de Marzo y Abril de ese año, con Fernando Brunet como técnico de sonido, mientras que la producción corrió a cargo del dúo. Del diseño y fotografía del disco se encargó Opción B.

El disco, recogía 4 temas originales bastante buenos al viejo estilo tecno y dos popurris de los antiguos éxitos sin demasiada magia. A pesar de ser nuevamente sintonía oficial de la Vuelta Ciclista a España 1993 con el tema “Two-Pa-Ká”, el disco no llegó a tener mucha repercusión, de hecho no llegaron a hacer actuaciones, aunque la excepción fue en la plaza de María Pita en La Coruña. La actuación fue retransmitida por TVE en el final de la etapa ciclistera, pero como casi siempre en televisión se utilizó el play back, por lo que no tiene mayor relevancia. El segundo single, “Torero”, sonó con profusión en la Cadena Dial sin embargo no fue suficiente para que el disco despegara.

Carlos Vaso jamás llegó a percibir cantidad alguna en concepto de royalty por las ventas de este CD, editado precisamente por sus compañeros y “amigos”, lo que le produjo una gran decepción y un progresivo aislamiento. De hecho, las relaciones entre Carlos García- Vaso y Joaquín Montoya se fueron enfriando progresivamente, hasta casi desaparecer. Durante la grabación ya se habían puesto de manifiesto sus enormes diferencias en cuanto a la concepción de la música se refiere. Por lo que terminada la Vuelta a España 93 nunca más han vuelto a reunirse para tocar juntos. Foto Prensa

En la actualidad se sabe que Joaquín ha vuelto a sus comienzos: tocar en los pubs como músico ambiental. Ha creado otra orquesta para amenizar verbenas en Cartagena y salvo alguna producción local y alguna composición para otros artistas de la antigua editorial no sabemos que haya vuelto a hacer nada realmente creativo.

En cuanto a la otra mitad de Azul y Negro, Carlos Vaso pasó una mala racha anímica después de la separación de Azul y Negro. Se recuperó gracias a su familia y a un hobby que practicaba desde pequeño: pintar al óleo. En cuanto a la música, siempre se mantuvo fiel al estilo musical que conoce y le gusta: el Electro-Pop. Durante varios años anduvo enseñando proyectos sin demasiada suerte. Compuso mucho material (más de 100 temas), de ahí partieron muchas de las ideas que ha recogido en sus últimos trabajos en solitario: “INNOVATE” y “SIMBIOSIS”. En 1.995 grabó un maxi-vinilo para Chrysalis, se trataba de un proyecto muy radical, otro dúo: Oculto, junto a Luís Astorga. Se grabó en los estudios Eurosonic e iba de tecno industrial y siniestro con el tema: “Brain´s too taboo”.

TEXTO JESUS GARRIDO
FUENTE:http://www.azulynegro.com/
http://www.joaquinmontoya.com/

USA FOR AFRICA

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USA FOR AFRICA

Hasta ahora siempre hemos hablado de cantantes o bandas, pero, en este caso, lo vamos a hacer de un proyecto musical ideado para recaudar dinero para una buena causa y que se vendió como churros. A parte, ayudó a abrir de par en par una nueva puerta para que los artistas se comprometieran con las Ong’s y, el público en general, apoyara masivamente este compromiso, por la causa en sí y por la calidad de los artistas.

A mediados de los 80, el veterano cantante Harry Belafonte concibe la idea, sorprendido por el éxito que había tenido el proyecto británico: Band Aid, promovido por Bob Geldof en beneficio del hambre en África. Belafonte habla con el productor de televisión Ken Kragen, quién le pone en contacto con Lionel Richie. Lionel se entusiasma y, a su vez, le trasmite la idea Quincy Jones que no duda en ayudarles.

Por tanto Quincy Jones y Ken Kregen se encargan de organizar la grabación. Tienen la magnífica idea de fijar la grabación para la noche de la entrega de los premios de la Academia de la Música, para contar con todos los intérpretes interesados. Cuando se hablaba con los diferentes cantantes y se les comentó que el nombre del proyecto se llamaría Usa For África (Estados Unidos para África), los intérpretes que no participaron en el mismo protestaron por el nombre; se decidió mantener la estructura de Usa For África pero las siglas USA se refirieron, hábilmente, a United Supports Artists y así se zanjaron discusiones.

El tema que se escogió para representar el proyecto fue “We are the World”, compuesto por Quincy Jones y Michael Jackson en menos de dos horas, y se graba en los estudios de A&M en Hollywood con estos 21 solistas que os enumero por orden de intervención: Lionel Richie, Stevie Wonder, Paul Simon, Kenny Rogers, James Ingram, Tina Turner, Billy Joel, Michael Jackson, Diana Ross, Dionne Warwick, Willie Nelson, Al Jarreau, Bruce Springsteen, Kenny Loggins, Steve Perry, Daryl Hall, Huey Lewis, Cindy Lauper, Kim Carnes, Bob Dylan y Ray Charles. La canción, de la noche a la mañana, produce ventas millonarias, llegando a ser número 1 en todos los países occidentales y vendiendo, sólo en Estados Unidos, 27 millones y medio de copias. Dentro del Lp hay magníficos temas de Springsteen, Prince, Huey Lewis and the News, Chicago, Tina Turner, The Pointer Sisters, Kenny Rogers, Steve Perry, Usa for Africa y Northem Lights (artistas canadienses agrupados). El Lp estuvo 3 semanas en el número 1 de las listas de Estados Unidos. Ahora quizá lo veas en una liquidación de cd’s y, desde este momento, después de haber leído este artículo, puede ser que te lo compres, yo desde luego te lo aconsejo, además consígueme una copia para mi ya que yo lo tengo en vinilo y el pobre está muy desgastado.



Frankie Goes To Hollywood

Frankie Goes to Hollywood 1

Frankie Goes to Hollywood 2

Frankie Goes to Hollywood 3

Frankie Goes to Hollywood 4
FRANKIE GOES TO HOLLYWOOD

No hay una biografía que se parezca a otra. Quien le iba a decir a unos cuantos chicos sin experiencia que iban a hacer historia en la música rápida y exitosamente. Estoy hablando de una banda de la que seguro te acuerdas de su mayor éxito, “Relax”, y de poco más. Yo te sumo a esta lista “Two tribes” y una maravilla de canción: “The power of love”. Tampoco hay muchísimo más de los Frankie Goes to Hollywood, tampoco necesitamos más para tenerlos como un grupo que nos dejó huella en los años 80.

El grupo, que adoptó su nombre de un titular de la revista “Variety” de los años cuarenta anunciando los planes de Frank Sinatra para asaltar Hollywood, estaba formado por: Holly Johnson voz (quizá el único con un poco de experiencia musical en ese momento), Paul Rutherford también voz, Mark O’Toole bajo, Peter Gill batería y Brian Nash a la guitarra.

En principio rodaron un video sadomasoquista del Relax, incluso se emitió el video en el programa “Tube”, quizá por eso el productor de moda, Trevor Horn, se fijó en ellos y preparó un sonado lanzamiento de los Frankie. En 1983 Volvieron a grabar “Relax” y lo lanzaron en medio de una gran polémica. Quizá la publicidad gratuita que rodeó el escándalo les favoreció les ayudó, pero el tema se merecía llegar al número 1, y allí estuvo 5 semanas, a pesar que lo intentó boicotear uno de los Dj más famosos del momento, hablamos de Mike Read de Radio 1 en el Reino Unido, que prohibió el tema en la emisora.

Unos pocos meses después, ya en 1984, plancharon un nuevo éxito, “Two tribes”, directo al número 1 en las listas británicas. Seguido otro single que también llegó a número 1, “The power of love” igualando así el record de Gerry & The Pacemakers al conseguir con los tres primeros singles tres números uno.

El esperadísimo primer LP del grupo salió a la luz, tras los singles, dentro del año 1984 y recibió un pedido, antes de estar publicado, por un valor superior a 1 millón de libras. Ningún grupo musical en el Reino Unido había conseguido despertar tal expectación desde los Sex Pistols.

Como se suele decir: cuando se sube muy rápido se cae desde más alto. Algo así pasó más tarde, cuando sacaron a la luz, en 1986, su siguiente álbum, llamado “Liverpool”, el cual pasó totalmente desapercibido por ni siquiera acercarse a la calidad de trabajos anteriores. Por ello el grupo llegó a su final y solamente Holly Johnson, después de un largo camino de pleitos e historias con los demás miembros del grupo, intentó mantenerse en la brecha con un trabajo en solitario en 1990, sin mucho éxito.

Yo te emplazo para que escuches su tres famosos singles ya que son verdaderas maravillas de nuestra juventud. Incluso te aconsejaría “The power of love” para esta navidad. Por cierto Feliz Navidad para todos vosotros y que la disfrutes con música.