90´s Top Euro Dance – Mixtape By Sesions Chus (First Part) And (Second Part)

Recupero de mi maleta de vinilos un montón de temazos de los 90´s.

Estos temazos los he vendido en vinilo, los he bailado, y sobre todo los he pinchado para que tod@s vostr@s los disfrutarais en su día en Estación 5.

bgE5

Deseando que las disfrutes mucho os dejo dos sesiones magnificas de los 90´s.

2013_0013 – 90´s Top Euro Dance – Mixtape By Sesions Chus (First Part)

2013_0014 – 90´s Top Euro Dance – Mixtape By Sesions Chus (Second Part)

New Order

new_ordernew orderNew+OrderNew-OrderHablamos de un grupo irrepetible e inigualable, grupo favorito de generaciones diferentes que se conocerá siempre en el ámbito musical como uno de las grandes bandas de toda la historia musical.
Cuando descubrí a este grupo allá por el año 1987 con su álbum “Substance”, una recopilación con sus grandes éxitos comprado en DiscoPlay, me dejo hipnotizado con sus harmoniosas y bellas melodías de sintetizador y sus ritmos contundentes y súper bailables. Llegaron tan profundo en mi que es esa época no podía escuchar otra cosa que no fuera hecha por New Order. Ya nada me sabia igual, ya tenia una medida de calidad que era difícil de igualar por ningún otro grupo, e imposible superar por nadie.
Mis O.M.D., mis Simple Minds, mis Talkin Heads y mi Prince habian sido desplazados de su lugar de privilegio en mi Walkman de Sony Auto reversible.
Estuvieron años y años sonando por donde yo pasaba, en la carpintería y en en la radio cassette de la furgoneta , en el coche de mi padre, en el coche de mi hermano, en el coche de mi hermana y en el GYM a toda pastilla.
Elegir un tema entre toda su brillante y longeva discografía es tarea imposible para mi, muchas canciones de ellos me traen recuerdos maravillosos e inolvidables de mi vida.
Por poner una canción primero, pondré la mas conocida y la que todavía podrás escuchar donde vayas a bailar, si el Dj tiene alguna cultura musical claro.

New Order es un grupo británico de rock, formado en 1980 por los miembros del disuelto grupo Joy Division.

La versión temprana de New Order era fácilmente relacionable con el grupo anterior, pero enseguida encontraron un sonido característico, descrito como una fusión entre la música electrónica y el new wave o post-punk.

Miembros

Estaban compuestos inicialmente por Bernard Sumner (guitarra, teclados y voz), Peter Hook (bajo) y Stephen Morris (batería). En 1981 se integró Gillian Gilbert (teclados; actualmente esposa de Morris), quien abandonó el grupo en 2001, para cuidar el hijo de ambos, el cual padece una grave enfermedad. En su lugar se incorporó Phil Cunningham, para hacerse cargo de los teclados y de la guitarra. En 2007 Hook abandonó la agrupación y no participó del regresó de la banda en 2011, Gilbert regresó a New Order ese mismo año.

Orígenes y Movement (1980-1982)

Son una de las bandas más importantes de la historia musical moderna e influyentes en la música popular de las dos últimas décadas. La historia comienza en Mánchester, en el año 1976, cuando Bernard Sumner (guitarra), Peter Hook (bajo), Stephen Morris (batería), e Ian Curtis (cantante), se reúnen con el nombre de Warsaw. Después cambian su nombre a Joy Division, evolucionando la música punk heredada por los Sex Pistols, creando lo que se llamaría post-punk. En 1980 Ian Curtis se suicidó, lo que significó el fin de Joy Division. Sus miembros vivientes deciden seguir haciendo música bajo el nombre de New Order, esta vez con la teclista Gillian Gilbert (esposa de Stephen Morris). New Order perteneció al sello discográfico Factory Records, propiedad de su amigo Tony Wilson. Cuando el sello cerró, la banda hallaría acomodo en London Records, discográfica con la que editarían sus discos restantes.

La banda realizaría un calentamiento que incluyó algunos conciertos en EE.UU. tocando canciones de Joy Division y algunas canciones incluidas en su álbum debut, además de hacer su primera Peel Session en enero de 1981. Así, en noviembre de 1981 editaron su primer álbum discográfico bajo el nombre de New Order, titulado Movement, que incluía todavía un sonido similar al de Joy Division, cercano al post-punk, teniendo como sencillos «Dreams Never End» y «Doubts Even Here». Esta última canción tendría como lado-b a «Ceremony», que fue compuesta originalmente en Joy Division y fue tocada solamente en el último concierto del grupo antes del suicidio de Curtis, así que fue retocada para la ocasión, notándose con claridad ciertos toques de electrónica que irían desarrollando en sus siguientes discos. Movement alcanzó el puesto 30 en los charts del Reino Unido, aprovechando la publicidad que daba ser Joy Division sin Ian Curtis. Aun así la crítica recibió bien este trabajo.

Hacia 1982 lanzan 1981 – Factus 8 – 1982, un EP que incluía dos sencillos que serían clásicos de la banda como son «Temptation» y «Everything’s Gone Green», además de otras canciones como «Procession», también un tema destacado de este lanzamiento. 1981 – Factus 8 – 1982, sería un preámbulo de lo que sería New Order de ahí en adelante: un grupo de electrónica inspirado en la energía del post-punk, llevando la música de baile hacia un terreno más introspectivo.

Power, Corruption & Lies y el éxito (1982-1985)

Hacia 1982 la música pop estaba sufriendo una revolución con la inclusión cada vez mayor del sintetizador, elemento introducido por los alemanes Kraftwerk. Depeche Mode desde una postura netamente electrónica, y New Order partiendo desde la energía del post-punk serían los principales protagonistas de este cambio en un primer momento. Luego del lanzamiento del EP, la banda se dedicó a trabajar en su segundo álbum de estudio, aunque aún tuvieron tiempo de hacer su segunda Peel Session en junio de 1982. El resultado se vería el 7 de marzo de 1983 con el lanzamiento del primer sencillo del álbum Power, Corruption & Lies: «Blue Monday», que no sería incluido en el disco. La canción alcanzó éxito a nivel mundial, ya que se convirtió en el sencillo de doble cara (la otra canción era «The Beach»), lanzado por una discográfica independiente más vendido en la historia de la música, además de mostrar la mezcla de post-punk y electrónica que los haría tan famosos alrededor del globo. «Blue Monday» alcanzó el ­­puesto n.º 1 en las listas de indie del Reino Unido, el n.º 9 en las listas generales del mismo país, y llegó al n.º 5 en el U.S. Billboard Hot Dance Club Play, arrasando en las pistas de baile de todo el planeta. New Order apareció en el programa de la BBC Top of the Pops, el 31 de marzo de 1983, para promover la canción. Desde hacía mucho tiempo la política del programa consistía en que los artistas se limitaban a tocar con una pista de fondo, pero New Order insistió en tocar «Blue Monday» en vivo. El rendimiento de la presentación se vio afectado por problemas técnicos, y no era representativa de la grabación. En palabras del baterista Stephen Morris, Blue Monday «nunca fue la canción más sencilla para tocar en escena de todos modos, así que todo salió mal. Los sintetizadores estuvieron mal. Sonaba horrible».

El segundo sencillo (que tampoco fue incluido en el disco), «Confusion», también resultó un rotundo éxito, igualando lo que hizo «Blue Monday» en EE.UU., y de paso estableciendo a la banda en el terreno de la música bailable, ya que llegó al n.º 5 en el U.S. Billboard Hot Dance Club Play también. Por su parte el álbum Power, Corruption & Liess llegaría al puesto n.º 4 en las listas del Reino Unido y al n.º 35 en las australianas, destacando la canción «Age of Consent». Durante la gira de soporte para este disco, se lanzó un nuevo sencillo en 1984: «Thieves Like Us», que lograría otro n.º1 en las listas de indie en Inglaterra y se ubicaría en el n.º 18 en las listas mainstream del mismo país. En mayo del mismo año se lanzó otro sencillo «Murder», que no lograría romper tanto como los sencillos anteriores, ya que llegó al segundo puesto en las listas indie, pero llegó al puesto 92 en las listas mainstream del Reino Unido.

Low-Life, Brotherhood y Substance, se completa la transformación (1985-1987)

Casi un año después del lanzamiento de «Murder», New Order lanza «The Perfect Kiss» (que haría una posible referencia a la masturbación), logrando un nuevo n.º 1 en las listas indie, el n.º 35 en las listas mainstream de Inglaterra, y un nuevo n.º 5 en las listas de música bailable en EE.UU. Este sencillo serviría como preámbulo para el lanzamiento de Low-Life, el tercer disco del grupo, que fue lanzado en 1985 e involucra una incorporación aún mayor de sintetizadores y samplers por parte de la banda, aunque todavía conservando elementos rock en su propuesta musical. De todos modos generó cierta polémica por sus letras con referencias sexuales presentes en todo el disco, también presentes en el otro sencillo del álbum, que sería «Sub-culture». En 1986 se lanzaría «Shellshock», que estaría presente en la banda sonora de la película Pretty in Pink, y State of the Nation, que llegaría al n.º 30 en el Reino Unido y al n.º 4 en las listas de dance de Estados Unidos. Ese mismo año se produce el lanzamiento de Brotherhood, su cuarto álbum, desprendiéndose otro clásico de la banda: «Bizarre Love Triangle». El disco alcanzaría el puesto n.º 9 en Inglaterra y el n.º 15 en Australia, pero en Estados Unidos no logra entrar a los 100 primeros.

Brotherhood sigue mostrando la mezcla entre post-punk y electrónica de todos los discos de la banda hasta ese momento, sin embargo la guitarra no volvería a adquirir un papel tan prominente en sus siguientes discos. Esto cambiaría hasta las grabaciones de New Order para su álbum Get Ready en 2001. En 1987 se publica Substance, una recopilación con sus grandes éxitos, y una nueva canción que se vería en el próximo álbum: «True Faith», la cual entrar en las 100 mejores canciones del Billboard estadounidense en el puesto n.º 32, mostrando claramente que su sonido se estaba volviendo cada vez más accesible al público. Ese mismo año lanzan otro sencillo «Touched By the Hand of God», con un éxito similar al de «True Faith». Durante 1987 giraron por Estados Unidos junto con Echo & the Bunnymen.

Technique, «World in Motion», cambio de discográfica y descanso (1989-1992)

«Fine Time» sería el primer sencillo de su quinto álbum de estudio. Llegaría al n.º 2 en el Hot Dance Club Play Chart, al n.º 3 en el Modern Rock Chart en Estados Unidos, y al n.º 11 en el Reino Unido. En enero de 1989 lanzaron uno de sus mejores discos, Technique, donde encuentran un sonido tecno con una ligera mezcla del new wave y es considerado, junto al Happiness de The Beloved, el disco que marca el cambio de la música de baile enfocada al hedonismo a la música de baile enfocada a la introspección. Influidos por el estilo acid house imperante en Mánchester por esa época (tenían como compañeros de discográfica a Happy Mondays), el álbum mezcla el post-punk de sus primeros años, la electrónica que comenzó a mostrarse desde «Blue Monday», y el sonido Madchester que habían puesto de moda The Stone Roses y los mismos Happy Mondays. El álbum llegó al n.º 1 en el Reino Unido, y entró con fuerza en el Billboard norteamericano, en el puesto n.º 32. Su siguiente sencillo «Round & Round» lograría el n.º 6 en el Modern Rock Chart y el n.º34 en el Billboard Hot 100. El tercer sencillo, «Run», se lanzaría de forma limitada. New Order giraría por Estados Unidos y Canadá junto con Public Image Ltd y The Sugarcubes.

Para 1990 grabarían un tema que se convertiría en el himno de la selección de Inglaterra durante el mundial de Italia de ese año. Esa canción seria «World in Motion» y en ella participarían Paul Gascoigne y Peter Beardsley, llegando al n.º 1 en el Reino Unido. Un año más tarde la banda deja Factory Records, luego de que la discográfica se declarara en bancarrota, debido a las deudas que generó su discoteca The Hacienda y los altos costos de las grabaciones de los últimos discos de New Order y Happy Mondays. Luego de esta decisión, la banda decide tomarse un descanso de dos años para emprender proyectos en solitario en 1991.

Proyectos paralelos, Republic, grandes éxitos e hiato (1992-1998)

Durante finales de los 80, Bernard Sumner formó una nueva agrupación paralela a su trabajo con New Order, el grupo Electronic, que junto con Johnny Marr de The Smiths y algunas colaboraciones de los Pet Shop Boys y Karl Bartos de Kraftwerk editaron un álbum homónimo en 1991. Por otro lado, Peter Hook formó una nueva agrupación llamada Revenge y mientras tanto, la pareja de Gillian y Stephen Morris formaron el dúo The Other Two, que también lanzó un disco.

En 1993 publicaron Republic, compuesto y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos su disco más accesible. El disco seria un éxito rotundo en gran parte gracias a su primer sencillo, «Regret», que se convirtió en la canción más exitosa de New Order en los charts estadounidenses, llegando al puesto 28 del Billboard y al primero en las listas de baile y de rock de forma simultánea. A «Regret» le seguirían «Ruined In A Day»; «World (The Price Of Love)», que fue acompañado de un hermoso video filmado en Cannes, Francia, y «Spooky».

En 1994 la banda lanza un par de compilaciones: (The Best Of) New Order, la cual incluía versiones de 7″ de sus singles, y poco después (The Rest Of) New Order, una compilación con remezclas clásicas y alguna que otra novedad. Un tema de (The Best Of) New Order, «Vanishing Point» (que originalmente fue incluida en el disco Technique), fue incluida para ser lanzada como single, sin embargo al final London Records cambió de opinión al último momento y decidió relanzar «True Faith» como single nuevamente.

Poco tiempo después de presentarse en el Festival de Reading de 1994, los integrantes se separaron para continuar con sus proyectos en solitario: Sumner se reunió con Johnny Marr para editar un par de discos más con Electronic. Peter Hook disolvió Revenge tras un disco y un par de EP, para luego fundar Monaco junto a David Potts, publicando dos discos. Ambos miembros restantes, Stephen Morris y Gillian Gilbert reformarían The Other Two para lanzar un nuevo disco en 1999 titulado Superhighways.

Regreso a los escenarios, siguientes álbumes y nueva separación (1998-2007)

Tras una reunión en 1998, el grupo decidió acordar tocar nuevamente juntos cuando se reunieron para el Festival de Reading de 1998, donde curiosamente comenzaron a tocar canciones de Joy División de nuevo -refiriéndose a ellas como «el legado perdido»-, y volviendo al estudio poco después para lanzar Get Ready en el 2001, incluyendo el éxito «Crystal». Más tarde colaborarían en la banda sonora de 24 Hour Party People con una nueva canción: «Here to stay». En 2005, ya sin Gillian Gilbert y con la inclusión de Phil Cunningham, editaron su más reciente trabajo titulado Waiting For The Sirens’ Call.

En 2007 Peter Hook anuncia la separación del grupo, marcado por una batalla de dimes y diretes sobre el futuro de la banda. En un principio la separación fue negada por Sumner, argumentando que Hook solo saldría de la banda, pero él no podía decidir si el grupo terminaba y si seguirían sin él, tras lo cual Peter se molestó y amenazó con demandar a la banda si continuaban sin él, ya que «¡El grupo se acabó! Ustedes no son más New Order de lo que soy yo, ustedes tendrán dos tercios del grupo, pero no asuman que tienen los derechos para hacer cualquier cosa bajo el nombre de New Order, por que no pueden. ¡Yo sigo teniendo un tercio!. Pero estoy abierto a negociar». Tiempo después, en una entrevista, Sumner aseguró que «En estos días cuando hago música quiero que sea divertida, agradable, que sea disfrutable y encontré todas esas condiciones con esta nueva banda -refiriéndose a Bad Lieutenant-. Ya no quiero hacer música como parte de New Order, de todas formas, ya no podíamos ni siquiera utilizar ese nombre».

Después de la separación (2007-2011)

A finales de 2008 Warner Records re-editó los primeros álbumes de la banda (el catálogo con Factory Records) en ediciones especiales incluyendo en cada uno un disco extra con lados b, remixes y singles. En tanto, se cree que pronto habrá más material por lanzar de la banda, como los temas inéditos de las sesiones del Waiting For The Sirens’ Call.

Hook ahora se concentra en un proyecto junto a Mani de los Stone Roses y Andy Rourke de The Smiths llamado Freebass, con los que ya publicó un álbum de estudio y un EP, además de que ocasionalmente hace presentaciones como DJ. Escribió un libro titulado The Hacienda, How Not To Run A Club contando detalles y la historia desde su punto de vista sobre ese mítico lugar. Además recientemente ha abierto un bar llamado FAC251: The Factory, el cual tiene de tema el legado de Factory Records y el famoso club The Hacienda, del cual la banda solía ser co-propietaria.

En tanto, Morris regresó al estudio junto con su esposa Gillian para remezclar un par de canciones para el disco Year Zero Remixed de Nine Inch Nails. Recientemente se ha creado un nuevo sitio web para The Other Two, además hay rumores de un nuevo disco del dúo. Morris actualmente está de gira con Bad Lieutenant.

Bernard Sumner anunció en 2008 un nuevo proyecto llamado Bad Lieutenant, banda que en 2009 lanzó su álbum debut Never Cry Another Tear, la cual cuenta con Phil Cunningham y Jake Evans, además de colaboraciones de Stephen Morris, quien tocó la batería en algunas canciones del disco (sin embargo Sumner recientemente lo llamó un miembro oficial de la banda), y Alex James, bajista de Blur. El grupo es considerado por los medios como «el nuevo New Order», a pesar de que esta banda tiene un sonido un poco más rock alternativo con ciertos toques un poco más acústicos. Recientemente, Sumner colaboró con Hot Chip y Hot City en la canción «Didn’t know what love was» que se utlizaría como sencillo promocional para los zapatos Converse.

Phil Cunningham, por su parte, estuvo involucrado en un proyecto llamado Run Run Run, el cual tuvo que dejar para formar Lieutenant con Bernard Bad.

Reunión sin Hook (2011-actualidad)

En octubre de 2011 la banda anunció su regreso para varias presentaciones en Bélgica y Francia de carácter benéfico sin Peter Hook, quien rechazó la invitación y de paso criticó la reunión, ya que según él se hizo solo por motivos económicos, «Si esperan que después de eso me retire a las montañas, están completamente equivocados».

Unas semanas después de dichas presentaciones, la banda confirmó una presentación en Argentina y Chile. La mini gira sudamericana tuvo como fechas el 1 de diciembre en Buenos Aires, Argentina, en el Estadio Obras; el 3 de diciembre en Sao Paulo, Brasil, en el Ultra Music Festival.

En octubre del 2012 se presentaron por primera vez en Ciudad de México, dentro del Festival Corona Capital. En Bogotá, Colombia se presentaron por primera vez en el país el 7 de abril de 2013 en el Festival Estéreo Picnic al lado de bandas como The Killers y Café Tacuba y en el Perú se presentaron por primera vez el 5 de abril del 2013 en la Explanada del Estadio Monumental.

Álbumes

1981 – Movement.
1983 – Power, Corruption & Lies.
1985 – Low-Life.
1986 – Brotherhood.
1989 – Technique.
1993 – Republic.
2001 – Get Ready.
2005 – Waiting for the Sirens’ Call.

Recopilaciones

1987 – Substance (Primera compilación de singles. Un disco extra incluye lados b y remixes).
1994 – The Best of (Lanzado en 1994 incluyendo en su mayoría versiones 7″).
1995 – The Rest of (Compilado de Remixes).
2002 – International (Lanzado solo en algunos partes del mundo, pero no en Reino Unido).
2002 – Retro (Box Set de 4 discos con lo mejor de su material recopilado por amigos de la banda).
2005 – Singles (Compilación de dos discos con todos los singles de la banda, preferentemente versiones 7″).
2006 – 12×12 (Compilado de vinilos).
2012 – The Lost Sirens (Compilado de inéditos).

Sencillos y Ep

1981 – Ceremony.
1981 – Procession / Everything’s Gone Green.
1981 – 1981-1982 New Order.
1982 – Temptation.
1983 – Blue Monday.
1983 – Confusion.
1984 – Thieves Like Us.
1985 – The Perfect Kiss.
1985 – Sub-culture.
1986 – Shellshock.
1986 – State of the Nation.
1986 – Bizarre Love Triangle.
1987 – True Faith.
1987 – Touched by the Hand of God.
1988 – Blue Monday ‘88.
1989 – Fine Time.
1989 – Round & Round.
1989 – Run 2.
1990 – World in Motion.
1993 – Regret.
1993 – Ruined in a Day.
1993 – World (The Price of Love).
1993 – Spooky.
1994 – True Faith ‘94.
1995 – 1963.
1995 – Blue Monday ‘95.
1995 – Bizarre Love Triangle.
1997 – Video 5 8 6.
2001 – Crystal.
2001 – 60 Miles an Hour.
2002 – Someone Like You.
2002 – Here to Stay.
2003 – The Peter Saville Show Soundtrack EP.
2005 – Krafty.
2005 – Jetstream.
2005 – Waiting for the Sirens’ Call.
2006 – Turn.
2006 – Guilt Is a Useless Emotion.

Comentarios. Jesús Garrido
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/New_Order

Azul Y Negro


Nuestros Kraftwerk Españoles.
Pioneros de Tecno Pop Español de los 80.
Un grupo más valorado fuera de España que dentro y ahora os cuento el por que.

Para mi su mejor producción/Tema como dúo Azul y Negro es:

Azul y Negro (1.981-1.988), se formaron en Madrid, aunque ambos: Carlos García-Vaso y Joaquín Montoya, son cartageneros. Fueron profetas indiscutibles de la música electrónica española, además de precursores y pioneros de muchas novedades tecnológicas y musicales que se implantaron en el panorama musical español a lo largo de aquella década dorada de los años 80. Gira – 1985

Su pretensión no era otra que la de hacer buena música tecno pop, es decir, aquella basada en sintetizadores, secuenciadores e instrumentos electrónicos sin desechar los acústicos, sobre una base preferentemente bailable. En la música de este dúo, la voz no era el elemento predominante, al uso, sino que se trataba como un instrumento más y a veces se robotizaba con el uso del vocoder (sintetizador de voz).

Carlos García-Vaso.
Nacido el 16 de enero de 1953 en Cartagena. Durante sus primeros años de existencia los únicos contactos que tuvo con la música fueron las viejas canciones de “Los Cincuenta”, que oía tocar a sus cinco hermanos mayores con una guitarra destartalada. A los catorce años ingresó en un grupo local: Los Atomos, con guitarras eléctricas prestadas hacían esfuerzos por imitar a Shadows, Beatles y Rollings.

Dracma En 1974 hizo otro grupo local: Dracma y se presentaron al IV Certamen de la Canción de San Pedro del Pinatar, donde consiguieron el segundo premio con un tema del propio Carlos: “Preludio en Mi menor”(Recientemente ha sido grabado para el segundo CD en solitario de Carlos Vaso/Simbiosis con el título “Ancha es Castilla”). Poco después y con Carlos en plena fiebre sinfónica, compuso Operas Rock: “Los Siete Dioses”, “Gloria in Excelsis Diablo” y “El Planeta de Cristal”. Precisamente en la segunda de ellas intervino como teclista en la maqueta Joaquín, el futuro miembro de nuestro dúo: Azul y Negro.

En julio de 1976 se trasladó a Madrid: enseguida formó un grupo: Cáñamo, por el que pasaron gente de Cucharada como: Manolo Tena y Antonio Molina (el guitarrista zurdo de Ramoncin), Granada y allí conoció a Julio Blasco que acababa de dejar Banana (Salvador) y entraba en Granada, el grupo de Carlos Cárcamo: lo invitaron a unirse a ellos y aceptó, justo para grabar el tercer LP de la Banda: “Valle del Pas”. Vaso aprendió mucho de ellos, el cambio fue brutal, pues sin darse cuenta, se vio dentro de una de las primeras bandas del rock con raíces españolas más puro, y que ya entonces incluía a un gaitero en sus filas.

En aquel grupo tuvo que trabajar duro, aprender solfeo, practicar guitarra durante horas y horas, se inició en jazz y flamenco; fue realmente una experiencia maravillosa.

Después de ocho meses de galas y Festivales en compañía de Triana, Compañía Electrica Dharma, Asfalto e Iceberg, como máximos exponentes del rock sinfónico español, abandonó el grupo y quiso experimentar una nueva faceta musical; formó un grupo: Greta, en donde cabe destacar sus actuaciones diarias en el Music Hall Top Less (más tarde conocido como “Rock Ola”, cuna de la “movida madrileña”).

Para los Greta, la música no era suficiente, necesitaban baile, mimo, vestuarios de music-hall, plumas, maquillajes, glamur y mucho rock, fue una aventura apasionante y muy divertida. Greta Tampoco podemos olvidar los quince días, tarde y noche, del Teatro ALFIL de Madrid con el cantante Freddy, más conocido como “Fama” (actor principal de la película La Muerte de Mikel).

Después de año y medio con Greta, vino la CBS con la “Nueva Ola” y un contrato discográfico. Los cuatro gretas en solitario con Carlos como cantante y guitarra, grabaron el LP “Gira Gira” Greta producido por Jorge Alvarez (productor de Mecano, Olé Olé, La Década Prodigiosa, entre otros). A partir de entonces su estilo “popero” de tocar la guitarra se hace popular y es requerido en bastantes grabaciones como músico de sesión en el estudio de Luís Cobos, algunas de ellas inolvidables: como el primer LP de Mecano (aquella guitarra de Hoy no me puedo levantar, Maquillaje, Me colé en una fiesta, Boda en Londres, etc.). Los dos primeros LP,s de Tino Casal (a destacar las guitarras eléctricas que metió en “Champú de huevo”, “Billy Boy”, “Embrujada”, etc.). Los primeros temas de Antonio Flores (Pongamos que hablo, No dudaría). Y fue precisamente en el LP póstumo a Nino Bravo (todas las guitarras eléctricas están tocadas por Carlos), donde conoció a Julián Ruiz (octubre 1.980), que se brindó a producir el próximo trabajo que hiciese.

Su nueva evolución musical derivó hacia los sintetizadores, la música futurista y muy tecnificada, compró instrumentos de teclado, practicó y comenzó a grabar maquetas con esas fórmulas.

Para potenciar al máximo las posibilidades de los teclados decidieron incluir a un segundo miembro, se barajaron varios nombres, entre ellos el de Carlos Berlanga, que ya se había comprometido en el proyecto Alaska, o el de Juanjo “Shock” (autor de la letra de La Torre de Madrid y No Controlo Nada), hasta que Carlos se acordó de Joaquín que, a pesar de vivir en Cartagena, aceptó la idea y decidieron llevarla adelante, naciendo así AZUL Y NEGRO.

Joaquín Montoya.
Inició sus estudios de Piano a la edad de 9 años.
Se graduó en el Conservatorio de Música de Cartagena en donde realizó sus estudios medios. Continuó los de Grado Superior en el Conservatorio Superior de Música de Murcia.
Una vez terminada su carrera superior, decidió ampliar los mismos en el Real Conservatorio de Música de Valencia, donde finalizó los correspondientes a su Doctorado en Música con Premio Extraordinario Fin De Carrera.

Joaquín Montoya como pianista en la Orquesta Sinfónica de Valencia.
Dedicó seis años al ejercicio de la docencia, actuando como Profesor Titular del Conservatorio de Murcia y posteriormente del de Valencia. Fue en esta época cuando ofreció numerosos conciertos de piano por toda la geografía española y Europa habiendo actuado también en Marruecos. En Valencia y junto a la Orquesta Sinfónica de la Ciudad estrenó mundialmente la obra para piano y orquesta del compositor Eduardo López-Chavarri bajo la batuta del titular de la Orquesta de la R.A.I. Massimo Pradella.

Ha recibido clases magistrales de los prestigiosos pianistas y directores Antonio Lauret (Cartagena), Rosa Sabater (Barcelona), Frieda Valenzi (Salzburgo), René Gorget-Chemin (Paris), Rodolfo Halffter (México), Herbert Von Karajan (Alemania) y Federico Mompou (Barcelona).

Tiene como pianista clásico los siguientes galardones:

Premio Nacional Juventudes Musicales de Sevilla.
Primer Premio Internacional “Taboada Steger”.
Primer Premio “Eduardo López-Chavarri”.
Primer Premio Nacional de Interpretación al Piano.

Ha sido becario de:

Ministerio de Cultura.
Fundación de Arte Castellblanc.

Ha realizado numerosas grabaciones para RNE Clásica.

Es Miembro del “Mozarteum Sommer Akademie” de Salzburg.
A los 16 años entró a formar parte de su primer grupo pop: “Los Rockets”. Grandes músicos y mejores voces para profundizar en el bossa nova, latin jazz y pop con arreglos a seis voces.

Joaquín Montoya (teclado) junto a Carlos G. Vaso (guitarra) en un concierto de AZUL Y NEGRO en los años 80

Después se dedicó a componer para otros artistas y a introducirse en el mundo de la electrónica musical. Conoció a Carlos García Vaso en Cartagena con quién colaboró en los teclados de algunas de sus operas sinfónicas. Fue con posterioridad cuando nació la idea de Julián Ruiz de crear un grupo tecno basado en sintetizadores. Julián y Carlos ya se conocían pero por aquel entonces Carlos era sólo guitarrista y se precisaba un teclista, así que ofrecieron a Joaquín Montoya la posibilidad de participar al 50 por ciento en el proyecto y aceptó. Así se fundó “AZUL Y NEGRO”. Evidentemente, Julián Ruiz, sería el productor y mentor.

La etapa de AZUL Y NEGRO estuvo llena de éxitos nacionales e internacionales.

Durante esta andadura y con posterioridad a la época de brillante trayectoria de AZUL Y NEGRO, Montoya intervino en numerosas grabaciones de discos entre los que caben destacar las realizadas para Rubi, Tino Casal, Cinemaspop, Helena Cross, Tennessee, Trúpita, Diana, Juan Bau, El Mecánico del Swing y Lani Hall, esposa de Herb Alpert. Creó junto a Eliseo Peris, que había su Manager, una Discográfica independiente y una Editorial Musical. Precisamente para éste último compuso 14 canciones de corte romántico que fueron grabadas con orquesta de cuerda y publicadas en Miami (Florida).
En compañía de Eliseo también dio forma a otro proyecto diametralmente opuesto: “PICCOLISSIMA ORQUESTA”, del que fue director musical e intérprete recreando temas famosos de los años 40, 50 y 60.
En el terreno de la composición tiene en su haber más de 300 temas publicados, siendo Miembro de la Sociedad General de Autores desde 1972.
En la actualidad compone para el homenaje al pintor de fama internacional Eustaquio Segrelles, trabaja en una Trilogía para el Valencia F.C. con letras del insigne escritor Evaristo Serrano y además pertenece a dos formaciones de pop que trabajan simultáneamente, uno en trío y otro en dúo: “Ipanema” con Salvador Pujol, que se dedica a música brasileña y de jazz y “Costa Este” que recrea arreglos propios sobre temas de George Benson, Michael Buble, Joe Cocker, etc. en la voz de Pedro Hidalgo.
Nacido en Cartagena en 1950. Sus primeros contactos con la música fueron a través de un piano de juguete, un regalo de los Reyes Magos. Así, sin pensárselo demasiado, empezó a los nueve años su carrera musical en el conservatorio.

A los quince años entró a formar parte del primer grupo musical de su historia, un grupo local: Los Rockets, que hacía música de rock al principio, jazz después y, finalmente, jazz-bossa. Joaquín compaginaba la música clásica del Conservatorio con la del grupo. No podía distinguir entre cual de ellas le llenaba más por aquel entonces.

Joaquín Montoya Andando el tiempo, terminó su carrera superior de piano, obtuvo ayudas con las que asistió a cursos internacionales en Santiago de Compostela, Bélgica, Austria, Suiza, y ya como músico más hecho, comenzó a dar algunos conciertos de piano por toda la geografía española.

A los veintiún años, era profesor en el Conservatorio de música de Murcia; después estuvo como tal unos meses en Valencia, hasta que de vuelta a su tierra. empezó la investigación en el mundo de los sintetizadores y dejó Los Rockets. Tocaba los teclados en solitario cuando surgió el contacto con Carlos, que le ofreció el proyecto electrónico que estaba preparando.

La Edad de los Colores (1981)
Carlos tenía sus ideas, sus experiencias en el mundo de la grabación y grandes conocimientos de la música pop, Joaquín sus teclados y su andadura por el mundo de la música clásica.

Así, sin más, nació AZUL Y NEGRO, nombre que proviene de los colores de la camiseta del Ínter de Milán. Julián Ruiz, que por aquel entonces trabajaba en el diario Marca como crítico de fútbol, llegó al estudio después de ver jugar al Ínter en Italia, con la idea de esos dos colores como nombre del dúo, (¡estaban grabando sin tener aún claro el nombre artístico!). Dio mucho juego este nombre que representa también los colores de los cables de la corriente eléctrica, colores fríos que marcaron esa década de explosión del color, la moda y el diseño… hasta los taxis cambiaron de color. Actualmente ese nombre es una marca registrada por Carlos García-Vaso en Patentes y Marcas y en Dominio de la web que ahora visitas.

Edad de los Colores Su primer trabajo se tituló genéricamente “La Edad de los Colores”, fue grabado en los estudios Escorpio -ya desaparecidos- y propiedad de Luís Cobos: un estudio emblemático de los primeros 80,s. Allí se grabaron éxitos como los de Orquesta Mondragón, Alaska, Mecano, Tino Casal, Olé Olé, etc.

Azul y Negro contaron en aquella ocasión con Tino Azores como ingeniero de sonido, mientras que la producción corrió a cargo de Julián Ruiz. El diseño de la portada fue realizado por Tino Casal, con el que Carlos Gª-Vaso colaboraría como guitarrista en sus LP,s “Neocasal” y “Etiqueta Negra”. Además, Joaquín y Carlos tocaron las guitarras y los teclados del disco de Rubi, si bien fue Carlos el encargado de todos los arreglos.

Escuchar Azul y Negro – La última estrella

“No controlo nada” y “La Torre de Madrid” (Tour Eiffel para la versión internacional) eran los temas elegidos de “La Edad de los Colores para formar parte del primer single del disco, y que se grabaron en inglés para su publicación en Holanda (Pol Fergurson-Thompson fue el encargado de las letras en inglés). Para su segundo single fueron escogidos: “La Catedral de Sal” y “La Ultima Estrella”, el primero está dedicado a Bogotá por su famosa Catedral y fue interpretada en TVE en aquel legendario programa llamado “300 Millones”.

“La Edad de los Colores” en su primera edición, publicada en noviembre de 1981, no contenía el tema estrella que lanzó a Azul y Negro: “Me Estoy Volviendo Loco”, utilizado como sintonía oficial de la Vuelta Ciclista a España en 1982. Después del rotundo éxito, fue incluido, en una reedición de este álbum y en versión maxisingle. Carlos Vaso – Edad de los Colores

Ver Video AZUL Y NEGRO: me estoy volviendo loco

“Me Estoy Volviendo Loco” fue la primera sintonía “española” asociada al reportaje televisivo de la Vuelta Ciclista a España (el año 1981 lo había sido Paul McCartney). Fue compuesta expresamente para dicha Vuelta dado que Polygram había tenido noticias del concurso que TVE había convocado y les propuso que preparasen algo adecuado. La compañía tuvo que pagar “un millón de pesetas” para presentar el tema a concurso, los Pegamoides también se presentaron, pero finalmente Azul y Negro fueron los ganadores.

El éxito y la repercusión de “Me Estoy Volviendo Loco” fue rápida e inesperada para todos. En el mes de mayo de 1.982, durante 15 días consecutivos, sonó en todos los hogares a través de la pequeña pantalla: “Me Estoy Volviendo Loco”; tal fue el éxito y la demanda de discos que la compañía, que acababa de lanzar el LP sin ese tema, tuvo que retirar rápidamente del mercado toda la edición y lanzar una segunda versión de La Edad de los Colores incluyendo la versión maxi de la famosa sintonía; lo que llevó algunas semanas, y se perdieron miles de posibles ventas, ya que mientras se estaba promocionando en Televisión no había discos en las tiendas. El éxito de “Me Estoy Volviendo Loco” hizo que la multinacional lo editara también, con el título “Going Crazy”, en diecisiete países entre Europa, Japón, América y Australia,.

A la hora de hacer la presentación en directo del disco, Carlos y Joaquín optaron por tocar solos en el escenario, sin el apoyo de ningún otro músico, algo muy novedoso, tan sólo llevaban a dos bailarines para dar Bailarín – Edad de los Colores visualización a los temas instrumentales, curiosamente el bajo era tocado con el pie. Además, en todas las entrevistas dejaban bien claro, que no utilizaban ningún tipo de cinta ni grabación alguna a modo de “play back”. Además de los temas del PL incluyeron para directo una fantástica versión “tecno” del tema Eleanor Rigby de los Beatles, que desgraciadamente nunca fue grabada.

El lugar elegido para su concierto de presentación fue la discoteca valenciana “Distrito 10”, con un éxito arrollador, hasta el punto que su directo sigue siendo recordado como uno de los mejores que se haya efectuado nunca por un artista español: su sonido nítido y cristalino como sus discos, los performances, las luces, los trucos de artificio, su sentido del humor…La repercusión de aquella actuación fue inmediata y pronto llovieron los contratos sobre la mesa del manager personal Eliseo Peris “Elite” (antiguo cantante valenciano de la escuela de Nino Bravo, que llegó a ser ganador del Festival de Benidorm).

La Noche (1982)
En 1982 se grabó el que muchos llaman su obra maestra, el segundo álbum: “La Noche”. Un disco que marca claramente una evolución conceptual en la música de Azul y Negro, o mejor dicho, un camino más directo hacia el “tecno”, diferente al disco anterior que tenía un aire más pop. La Noche

La Noche se grabó entre los meses de septiembre y octubre en los estudios Audiofilm de Madrid con Luís Fernández Soria como técnico de sonido, y publicado a comienzos de 1983. Durante los meses de verano anteriores, Carlos y Joaquín habían aprovechado para reunirse en un apartamento de la Manga del Mar Menor y componer juntos, lo cual era una situación anómala en su manera de trabajar, que habitualmente consistía en intercambiar cintas por correo, dado que Carlos Vaso reside en Madrid mientras que Joaquín Montoya lo hace en Cartagena, para reunirse finalmente en el estudio y plasmar las ideas en conjunto. Tras ensayar juntos durante varias semanas, grabaron las maquetas de temas tan conocidos como: Technovision, Isadora, Con los dedos de una mano… y por supuesto, The Night. Cargados de ilusión y con los temas en sus manos, visitaron al productor que se encontraba de vacaciones en Denia. Julián Ruiz, nada más escuchar The Night en el equipo de su viejo Ford Taunus, quedó prendado (lo llegó a oír 5 veces consecutivas), llegando a asegurar que era un auténtico número uno. El tiempo no hizo más que darle la razón.

Ya en los créditos de este álbum, destacar que fue “cortado” en Londres por Ian Cooper (que también hizo lo mismo para Genesis, por ejemplo). En cuanto a colaboraciones: Jim Kashishian con el equipamiento para las mezclas, Manolo Aguilar, que fue el encargado de meter toques funkys con el bajo, Javier de Juan con la batería electrónica. Ambos, tanto Aguilar como De Juan, se embarcarían, en un futuro no muy lejano, de gira con Azul y Negro antes de acometer Javier de Juan y Manolo Aguilar su propio proyecto llamado “La Década Prodigiosa”. Los coros corrieron a cargo del inglés Ollie Halshall y la sueca Zanna (ambos pertenecían al proyecto “Cinemaspop”), a fin de minimizar el acento español en la pronunciación, además de aportar a la voz solista esa agradable sensación de coro… En cuanto al concepto gráfico, la portada del disco “La Noche” fue diseñada por Oscar Mariné.

Al igual que su anterior trabajo, algunos cortes del disco fueron escogidos como sintonías de programas de televisión y radio. Tal es el caso del tema “Fu-Man-Chú”, que fue elegido para el programa de acción de Isabel Tenaille y Miguel de la Cuadra Salcedo: “En Busca del Tesoro”. “Fantasía de Piratas” que se utilizó como sintonía para la cabecera de deportes de TVE; “The Night”, sintonía de los Informativos de TV en Argentina; y como no, “No Tengo Tiempo” (Con los dedos de una mano), elegida como sintonía oficial de la Vuelta Ciclista a España 1983.
Ver Video Azul y negro – Fantasia de piratas
Este tema se convertiría en otro éxito del dúo en España y en otro de los himnos “ciclistas” más conocidos, pero fue sin duda “The Night” el que consiguió abrir definitivamente las puertas del mundo para AZUL Y NEGRO. “The Night” fue una de las canciones más bailadas de aquel año en las discotecas y clubes más elitistas de Londres y en el “Estudio 54” de Nueva York. Además, el maxi llegó a superventas sin la necesidad de apoyo televisivo, pero lo mejor de todo fue su entrada, casi sin querer, en las listas de venta británicas (25.000 copias): Presentación en Madrid, Sala Morasol – 1983 entraron como disco de importación procedente de Italia…!, todo ello fue debido a que sus discos salían de Barcelona, licenciados por el sello independiente Blanco y Negro, con dirección a Andorra, allí los adquiría un mayorista italiano que los exportaba al Reino Unido…y claro allí pensaban que eran italianos. De hecho, ha sido el tema español que más derechos de autor, procedentes de radio y televisión del extranjero, recaudó la SGAE durante el año 1987, desbancando al que tradicionalmente lo hace: el “Concierto de Aranjuez”.

Como buenos compositores, creadores y músicos de estudio que eran, Carlos y Joaquín no se quedaron únicamente con el proyecto de Azul y Negro, sino que además se embarcaron en proyectos de diversa índole. “Cinemaspop” fue uno de ellos, se trataba de grabar versiones tecno pop de los clásicos del cine; se hizo entre los meses de noviembre del 82 y marzo de 1983, publicado por WEA y producido por Julián Ruiz, incluía versiones de Casablanca, James Bond, El Tercer Hombre, Exodo, Los 7 Magníficos y Zorba el Griego, que fue el primer single que se extrajo del disco. “Cinemaspop” se grabó en los estudios Audiofilm, con la novísima Técnica de la Grabación Digital.

Carlos Gª-Vasó, tras haber colaborado en algunas otras producciones de Julián Ruiz, aunque incomprensiblemente no figura en los créditos como auxiliar de producción y arreglista, tales como: Rubi, Kevin Ayers, Guinea, etc., se estrenó como productor con un trío valenciano llamado “Platino”, con aquel número uno llamado: “Se Puede Decir” que dio título al Mini LP publicado en 1.983; todo un éxito. El LP se tituló “Esas Chicas”, fue grabado para EMI en los estudios Audiofilm y Track de Madrid por Luis Miguel González y Juan Ignacio Cuadrado respectivamente y publicado en 1.984. Antes , en 1982, Carlos había producido dos maxis para Polygram del tristemente desaparecido Nacho Dogan: la conocida versión española de “Da Da Da”, y “Aloa-Hee”. Toda una carrera de éxitos que siempre eran compaginados con los de Azul y Negro.

Digital (1983)
A mediados de 1983 se publicó a nivel mundial “Digital”: Digital una recopilación y remezcla de sus dos anteriores trabajos realizada mediante la ya mencionada técnica de masterización digital, innovadora por aquel entonces. El diseño gráfico corrió a cargo de J.I. Barea así como de Esther y Carlos Greus.

Esta recopilación contenía todos los éxitos cosechados hasta la fecha. Excelente trabajo en el que confluyeron la sorprendente acogida de sus dos primeros LP’s, el multitudinario éxito en sus conciertos y galas veraniegas, así como la magnífica acogida de sus discos cosechada en numerosos países europeos. Un buen ejemplo de ello fue Alemanía, donde un grupo tan mítico como “Kraftwerk” llegó a editar un maxisingle con la sintonía oficial para el “Tour de France” del año 1983, ¿coincidencia?. La anécdota es muy curiosa, pues la multinacional del grupo les mandó un video sobre La Vuelta Ciclista a España con la sintonía de fondo y los “papas del tecno” se quedaron encantados con “Me Estoy Volviendo Loco”. Disco de oro – Digital

Anécdotas aparte, el disco permaneció durante 22 semanas en la lista de superventas y “Digital” fue premiado como “L.P. más importante” del año. Llegó a disco de oro, cosa nada fácil de conseguir en una época en la que la industria discográfica estaba en grave crisis…

El primer single del disco fue la nueva mezcla que se hizo del tema “No Tengo Tiempo” (Con los dedos de una mano) que arrasó literalmente en las listas de superventas. Permaneció en ellas a lo largo de 21 semanas y durante cuatro consecutivas fue núm. 1 en singles. Azul y Negro fue el grupo nacional que más singles vendió en 1983.

El 15 de octubre de 1984 le fue entregado a los componentes de Azul y Negro el disco de oro perteneciente a su obra: “Digital”, el único en su extensa discografía, aunque hay que decir que Azul y Negro, llegó a vender cifras cercanas al medio millón de copias de toda su discografía.

Ver Video Azul y Negro – Fu Man Chu

Si 1983 fue un año crucial en la carrera de Azul y Negro, 1984 no lo fue menos; en el invierno de 1983 ya tenían perfilado y grabado el cuarto disco de su breve pero intensa trayectoria: “Suspense”, que se grabó, justamente después de finalizar el proyecto “Cinemaspop”, entre los meses de mayo y octubre de 1983 en los estudios Audiofilm de Madrid.

Suspense “Suspense” iba a representar un cambio considerable dentro de la línea habitual del dúo, esta es otra de las características de este curioso dúo que nunca quisieron encasillarse en una línea musical concreta, siempre buscando la innovación del pop, sonar diferente, huir de las repeticiones. Quizá esto hubiera sido lo fácil y deseable para la compañía, pero los habría quemado rápidamente y no hubieran aguantado esos 8 largos años en el candelero.

Polygram optó por retrasar la publicación del nuevo trabajo hasta la primavera de 1984. ¿Por qué?, todo fue debido al enorme éxito que cosecharon, tanto con “Digital” – su recopilación por excelencia -, como con su anterior disco “La Noche”. Por lo que había que digerir dos discos consecutivos en un corto espacio de tiempo, de hecho la aparición de Digital frenó las cifras de ventas de La Noche, que casi rozaban las 50.000 unidades, así que decidieron tomarse un pequeño respiro.

“Suspense” fue un trabajo más humano, se disimulaban sutilmente los secuenciadores y de paso rompían así con esa acusación de hacer “música de laboratorio”, música fría; algo que ellos negaban en sus entrevistas de manera rotunda y contundente. La realidad era que “mimaban” mucho sus grabaciones, hasta el punto de cuidar el más mínimo detalle en cada uno de sus temas para que no perdieran nunca ese toque humano.

El primer single que se extrajo de “Suspense” fue “El Hombre Lobo”, quizá el que más recordaba a su etapa anterior, por eso lo utilizó la discográfica como tema de transición, para no romper de golpe con todos los esquemas musicales que el dúo había mantenido. Suspense

La producción corrió a cargo de Julián Ruiz. El procesado digital en Tape One (Londres) lo llevó Geoffrey Resche, siendo Luís Fernández Soria el ingeniero de sonido.

Las letras de las canciones las hizo en inglés Marianne Forrest, escocesa y cuñada de Carlos Vaso. El diseño gráfico se le encargó a Castán/Barea y las magníficas ilustraciones del Hombre Lobo fueron realizadas por Orestis.

La instrumentación del disco era de lo más variada: las guitarras acústicas, eléctricas o sintetizadas volvían a tomar protagonismo, el uso de voz natural y sintes de nueva generación, contribuyeron a darle un sonido nuevo al disco, siempre con el objetivo de ser totalmente exportable fuera de nuestras fronteras. Foto inédita Suspense – 1984

Al igual que sucediera con temas de discos anteriores, “Suspense” también fue una cantera de sintonías para radio y televisión; El sencillo “Hitchcock Makes Me Happy” fue sintonía del archifamoso programa-concurso “Los Sabios” presentado por Miguel Angel Jenner e Isabel Gemio.

También lo fue otra de las joyas del disco: el tema jazzy “Agua de Luna” utilizado para ese mismo programa. Y como no, el remix de su single “Funky Punky Girl” que fue elegido como sintonía oficial en la “Volta Ciclista a Catalunya 1984”, mientras que la versión normal se utilizó para el anuncio de una famosa marca de Televisores (Philips K30). Como pequeña curiosidad: otro de los temas de “Suspense”, concretamente “Jíbaro”, estaba dedicado a la aventura “Largo Amazonas”, que José García-Vaso, el hermano de Carlos, llevó a cabo en 1983 descendiendo ese enorme río en balsa y sin motor desde el Machu Picchu al Atlántico durante 7.000 kilómetros.

“Suspense” permaneció más de 20 semanas en la lista de superventas de 1984 y además es imprescindible recordar, como dato relevante para la historia de la música española, que “Suspense” de Azul y Negro fue el primer disco español que se publico en formato digital, es decir, como disco compacto (CD).

Mercado Común (1985)
“Suspense” no terminó de conectar con la gente todo lo que se esperaba, por lo que Azul y Negro decidieron apostar muy fuerte, tirar la casa por la ventana y jugárselo todo con su siguiente trabajo: “Mercado Común”, un disco que se grabó en Londres y que vivió una historia muy curiosa.

1985 Alrededor de cuarenta canciones se escribieron para la selección del elepé. En la composición y armonía volvieron a una especie de mezcla entre “La Edad de los Colores” y “La Noche”. Hay que destacar que en “Mercado Común” hay temas muy popys, de guitarra fuerte y otros más marcadamente electrónicos, en la onda de “Isadora” o “Me Estoy Volviendo Loco”. Cuando quedaron las diez elegidas había que ponerlas un nombre y bautizarlas. Sólo una, “Miedo al teléfono”, era intocable del disco, ya que la amenaza del infernal medio de comunicación era lo suficientemente irritable y terrible para su condición de intocable.


Un frío día de diciembre, en el Café Comercial de Madrid, Julián Ruiz le sugirió a Eduardo Haro Ibars la idea de que un poeta urbano como él escribiera una letra cínica, hipócrita y seductora sobre el manido y oportunista tema del “Mercado Común”. Diez días después, el tristemente desaparecido Haro Ibars entregaba una letra en clave de humor y cinismo sobre el “Mercado Común”. Brillante, bella y poética, encajaba con la clave exacta del “reggae” a lo Mar Menor.

Paralelamente, productor y artistas habían estudiado una lista de ingenieros con créditos maravillosos. En la lista estaban John Hudson (Ultravox, Freur), Nigel Walker (Japan), Steve Tayler (The Fixx, Rupert Hine), Dave Jacob (McCartney, Bernard Edwards). Pol Ferguson, el amigo de Azul y Negro en Londres, tuvo esa lista a primeros de diciembre. Contestaba quince días después con el nombre de Jacob, En Advision con D.Jacob y J.Ruiz en el centrico estudio Advision, vieja casa de los éxitos de Roy Thomas Baker, Pink Floid, Emerson Lake & Palmer, Yes, Paul McCartney, etc.

Pero todavía quedaba más, mucho más. Un trabajo de reproducción que llevaría a productor y artistas a Barcelona, al nuevo estudio de José María Mainat (La Trinca, Crónicas Marcianas, etc.), que es el maestro en zen del CMI-Fairlight. Exactamente allí se eligieron unos ciento veinte sonidos diferentes que se irían a utilizar en el estudio de Londres.


Entre ellos, los coros del ejército ruso para “Semilla Glacial”, las flautas africanas para “Mercado Común”, los metales de “Mar Menor”, los ambientes orquestales de Wagner… Incluso se le había pedido a un especialista de efectos sonoros para el cine algunas cintas especiales. Por ejemplo, la máquina de escribir que se oye en “Números Rojos”, los portazos de “La Secta” o la industria sonora de “La Escapada”.

Todos ellos quedaron capturados en la computadora del Fairlight. Y algunos otros más, como el “Alló”, que les cedió gentilmente Rosa María Sardá, o los infinitos efectos sonoros que tomaron de los veinte discos sin estrenar de José Antonio Abellán (Presentador de “Tocata” Antiguo locutor de 40 Principales, y que actualmente es el director del famoso programa “La Jungla”). Entre ellos el sónar de submarino para “Mar Menor” o los cañonazos de la I Guerra Mundial para “Juego Criminal”.

Entre los meses de enero y febrero de 1985, por los estudios Advisión pasaron el Kurweill -escuchar la cuerda más real de “El arte que no se ve”-, synclavier II -maravillosos sonidos digitales-, la nueva Linn-9.000 -percusión de “Miedo al Teléfono”- y una lista larguísima de última tecnología que lograba su coronación con la magia de José María Mainat al programar el CMI II Fairlight. Magia que tenía incluso a los ingenieros ingleses asombrados por la rapidez y brillantez de la programación.

Portada Mercado Común Carlos y Joaquín, Azul y Negro, no quisieron que nadie más tocara en el álbum. Cuando el trabajo estaba terminado, el ingeniero Dave Jacob confesó su admiración por la calidad de los músicos. Sólo dos. Y bastaba. A los ocho días de grabación, Chris Morton, autor de las portadas de Dire Straits, Theatre of Hate, Tom Verlaine, etc., se había puesto en contacto con Julián Ruiz. Una vez más el productor explicó que la portada tenía que ser cínica hipócrita y seductora.

Durante los últimos días de las mezclas finales, Chris Morton se presentó con la portada de “Mercado Común” y con su flamante premio a la mejor portada del año por “Alchemy” de Dire Straits. Estaba doblemente contento y excitado. La satisfacción, por el premio y el entusiasmo que se reflejaba en los rostros de artistas, director artístico de la compañía y productor. El mapa de Europa había cambiado de colores, incluso de banderas. La ceremonia de la confusión del Mercado Común sólo acababa de comenzar y aún persistía cuando el disco vio la luz.

Pero Azul y Negro sí había hecho un Mercado Común Brillante. De este trabajo se extrajeron varios sencillos: “Números Rojos” fue el primer single, le siguió “Miedo al Teléfono” y por último “Semilla Glacial”.

Babel (1986)
“Babel” fue una vuelta al concepto tecno de Azul y Negro desarrollado en “La Noche”, es decir, canciones que se quedaban con facilidad, poca letra y muchos sintes, eso si. Además se vuelve a hacer un uso inteligente de toda la tecnología de vanguardia. La grabación y las mezclas también fueron digitales, como siempre la sónica fue una de sus principales preocupaciones.

Babel No era extraño que para este L.P. buscaran algo diferente. Como “Mercado Común” lo habían grabado en Inglaterra y bajar el listón era complicado, se enteraron que Jesús Gómez había montado un estudio formidable en Madrid, con una tecnología soberbia: Dowbletronics. Era el quinto estudio digital europeo, Azul y Negro lo estuvieron viendo y no lo dudaron, trabajarían allí. No era de grandes dimensiones pero tampoco las necesitaban, en cambio contarían con la inestimable ayuda y equipamiento que Jesús les ofrecía y esta vez sin los problemas que el no dominio del inglés conlleva.

El ingeniero de sonido fue, evidentemente, Jesús N. Gómez, y el concepto gráfico le fue encargado a Angel Ortíz. En cuanto a la producción Julián Ruiz cogería las riendas por última vez, ya que no volvería a producir a Azul y Negro.

Como primer sencillo, extrajeron “Vuelva usted mañana”, por cierto que los silbidos de este single, hechos por Carlos, fueron sampleados y utilizados en las actuaciones en directo con el primer sampler que como tal salió al mercado: el Akai 612. “Koto” fue su siguiente single, Otro tema: “El Descubrimiento”, fue utilizado por la cadena estatal de radio como sintonía para uno de sus programas deportivos.

Babel El nombre genérico “Babel” está dedicado al confusionismo de estilos que por aquellas fechas se estaba viviendo en el panorama musical español, por similitud a la confusión de las lenguas producida en la construcción de aquella bíblica torre, que además, servía perfectamente como concepto genérico para recoger algunos nombres de los temas incluidos en el álbum que hacían alusión a ciertas civilizaciones antiguas como Babilonia, Pompeya, Cartago, Alhambra…y que le imprimen ese aire épico que el disco despierta con tan solo mirarlo.

Y precisamente con esa mentalidad empezaron a hacer los temas, lo cual les llevó tiempo, además de jugarse mucho con el disco, pues en aquellos momentos se estaba tratando la consagración de Azul y Negro en Europa, y por supuesto, el mantenimiento en España, que era lo más importante. Se trató por todos los medios de hacer un disco de lujo, volviendo a la línea de melodías mantenidas en su segundo disco, o lo que es lo mismo, capturar la esencia de aquel y aplicarle la nueva tecnología.

1988: ¿El Final de Azul y Negro?
En 1.987 se produjo la marcha de Azul y Negro de su discográfica de siempre -Polygram- (ahora Universal). Por lo visto las cifras de venta de los dos últimos LP,s no habían alcanzado el objetivo estimado y la compañía pensó agotar el último cartucho apostando hacia algo más comercial, les propuso grabar versiones de música clásica en versión tecno. Tanto Carlos como Joaquín -creadores natos por naturaleza-, no querían realizar un disco de versiones, decidieron rechazar la oferta y ello trajo como consecuencia inmediata la carta de libertad de Polygram sin necesidad de grabar el último disco que aún tenían bajo contrato.

Es el Colmo Con esta “Carta de libertad” bajo el brazo y desvinculados de su discográfica de siempre, Carlos y Joaquín aún tenían cuerda para seguir tocando y componiendo juntos, los conciertos todavía se mantenían a buen nivel por lo que decidieron, con ayuda de su manager Eliseo Peris (“Eli”), probar suerte con la discográfica Blanco & Negro con los que grabaron un par de maxisingles, ya sin la producción de Julián Ruiz.

El primer maxi fue publicado en 1988 y titulado genéricamente “Es el Colmo!”. Producido por Azul y Negro para Elite Productions, se grabó en Circus, el nuevo estudio de Luís Cobos, por J.M. Sánchez. El diseño del maxi corrió a cargo de Llus Diaz y en cuanto a colaboraciones a destacar las de Jacky Jamison y Judy Clericuzio para los coros.

No Smoking El segundo se llamó “No Smoking” y se publicó en 1989, también para Blanco & Negro. Al igual que en el maxi anterior, Carlos y Joaquín se encargaron de la producción, pero hay que destacar un dato importante, en este maxisingle se contó con la colaboración para un remix que finalmente fue la cara A de uno de los discjockeys más importantes del país: Raúl Orellana. Otra vez Azul y Negro se volvían a anticipar al futuro. J.M. Sánchez se mantuvo como ingeniero de sonido, pero en esta ocasión el diseño corrió a cargo de Jordi García.

Las actuaciones fueron viniendo a menos cada vez por lo que, después de una actuación en Galicia durante el invierno de 1.988, decidieron tomarse un largo descanso para poner en claro sus ideas y recapitular sobre nuevos proyectos. Como consecuencia, tanto Carlos como Joaquín estuvieron distanciados casi cinco años; además sus preferencias musicales eran cada vez más opuestas, sin que existiera voluntad de acercamiento por ninguna parte.

Durante ese periodo de 5 años (89-93), Joaquín participó y colaboró en un disco que publicó Julián Ruiz como artista con el seudónimo de Norte Lambert, allá por 1989. En ese disco también hubo otra colaboración, la del malogrado Tino Casal.

Más adelante, Joaquín formó una orquesta llamada Piccolíssima Orchestra, hacían versiones de temas italianos de los años 50, grabaron e hicieron algunas actuaciones en televisión.

De Vuelta Al Futuro I (1993)
Tras ese largo paréntesis, y gracias a la mediación del manager de siempre “Eli”, Azul y Negro volvieron a reunirse para grabar y fue la última. En 1.993 publicaron el CD “De Vuelta al Futuro” para Sonorecord, el sello producto de la sociedad entre Eliseo Péris y Joaquín Montoya. Fue grabado en los Estudios Tabalet de Valencia, durante los meses de Marzo y Abril de ese año, con Fernando Brunet como técnico de sonido, mientras que la producción corrió a cargo del dúo. Del diseño y fotografía del disco se encargó Opción B.

El disco, recogía 4 temas originales bastante buenos al viejo estilo tecno y dos popurris de los antiguos éxitos sin demasiada magia. A pesar de ser nuevamente sintonía oficial de la Vuelta Ciclista a España 1993 con el tema “Two-Pa-Ká”, el disco no llegó a tener mucha repercusión, de hecho no llegaron a hacer actuaciones, aunque la excepción fue en la plaza de María Pita en La Coruña. La actuación fue retransmitida por TVE en el final de la etapa ciclistera, pero como casi siempre en televisión se utilizó el play back, por lo que no tiene mayor relevancia. El segundo single, “Torero”, sonó con profusión en la Cadena Dial sin embargo no fue suficiente para que el disco despegara.

Carlos Vaso jamás llegó a percibir cantidad alguna en concepto de royalty por las ventas de este CD, editado precisamente por sus compañeros y “amigos”, lo que le produjo una gran decepción y un progresivo aislamiento. De hecho, las relaciones entre Carlos García- Vaso y Joaquín Montoya se fueron enfriando progresivamente, hasta casi desaparecer. Durante la grabación ya se habían puesto de manifiesto sus enormes diferencias en cuanto a la concepción de la música se refiere. Por lo que terminada la Vuelta a España 93 nunca más han vuelto a reunirse para tocar juntos. Foto Prensa

En la actualidad se sabe que Joaquín ha vuelto a sus comienzos: tocar en los pubs como músico ambiental. Ha creado otra orquesta para amenizar verbenas en Cartagena y salvo alguna producción local y alguna composición para otros artistas de la antigua editorial no sabemos que haya vuelto a hacer nada realmente creativo.

En cuanto a la otra mitad de Azul y Negro, Carlos Vaso pasó una mala racha anímica después de la separación de Azul y Negro. Se recuperó gracias a su familia y a un hobby que practicaba desde pequeño: pintar al óleo. En cuanto a la música, siempre se mantuvo fiel al estilo musical que conoce y le gusta: el Electro-Pop. Durante varios años anduvo enseñando proyectos sin demasiada suerte. Compuso mucho material (más de 100 temas), de ahí partieron muchas de las ideas que ha recogido en sus últimos trabajos en solitario: “INNOVATE” y “SIMBIOSIS”. En 1.995 grabó un maxi-vinilo para Chrysalis, se trataba de un proyecto muy radical, otro dúo: Oculto, junto a Luís Astorga. Se grabó en los estudios Eurosonic e iba de tecno industrial y siniestro con el tema: “Brain´s too taboo”.

TEXTO JESUS GARRIDO
FUENTE:http://www.azulynegro.com/
http://www.joaquinmontoya.com/

Simple Minds

Cuando hablaba de gustos musicales de joven, hablar de Simple Minds era sinónimo de buen gusto musical. Creo que 20 y hasta 30 mas tarde todavia sigue significando ser poseedor de un buen gusto y una gran cultura musical.
Un banda con treinta años de edad que se mueve entre éxitos pop como “Don’t You (Forget About Me)”, e himnos generacionales como “Alive And Kicking”
Yo considero a este como un grupo con muy buenas creaciones musicales y también otras muchas canciones olvidables facilmente.

Mención especial a “THEME FOR GREAT CITIES”, “Someone Somewhere In Summertime”, “New Gold Dream”, “Sanctify Yourself”, “LOVE SONG” y “Waterfront” que me parecen super espectaculares.






Simple Minds es una banda de rock británica formada a finales de los años 70 en Glasgow (Escocia), con vigencia hasta la actualidad. A lo largo del tiempo han ido expresando géneros como Post-Punk, New Wave, New Romantic, Experimentalismo, Electrónica, Rock Sinfónico, etc. Conquistaron el mercado americano y de todo el mundo, posicionándose en el primer puesto de los rankings, gracias al hit Don’t You (Forget About Me), parte de la banda sonora del film de John Hughes The Breakfast Club, como también con las canciones Alive and Kicking, Sanctify Yourself, Hypnotised, Waterfront, Let There be Love y la magnífica Belfast Child.

Sin embargo, la carrera de la banda no comenzó de manera exitosa comercialmente a pesar de los estilos experimentales tan elogiados por los críticos que desarrollaron en sus primeras creaciones, las cuales se han transformado en la principal influencia para la música alternativa y electrónica actual.(Moby, The Horrors, Manic Street Preachers, Primal Scream, David Guetta han declarado su admiración por esos trabajos). Posteriormente, junto con U2 populizarían el “anthemic rock” (rock de himnos o épico) lo que le valió un enorme éxito mundial en la segunda mitad de la década 80, igualando en popularidad a U2.

Simple Minds a lo largo de su historia ha vendido más de 60 millones de discos, fueron nominados dos veces a los Brit Awards, una vez a los American Music Awards, dos veces a los MTV Video Music Awards y ganaron el premio “Q Music Awards” como Mejor Banda en Vivo, su álbum New Gold Dream de 1982 es considerado uno de los discos esenciales de la música contemporánea y su hit Don’t You (Forget About Me) de 1985 la canción más representativa de la década 80. Además, lograron que 5 de sus Álbumes llegaran al N° 1 de los charts, que 22 Singles ingresaran al Top #20 y también han obtenido 22 Discos de Platino sólo en el Reino Unido.

Nadie pone en duda la gran influencia que ha tenido Simple Minds sobre la música moderna, su búsqueda permanente de la vanguardia y nuevos estilos con una clásica elegancia, les ha valido un sitial de honor dentro de los músicos más influyentes del pop y el rock, de esta forma bandas y solistas tan disímiles como: U2, Tears for Fears, Depeche Mode, The Mission UK, Peter Gabriel, Gary Numan, INXS, Duran Duran, Ice House, Frankie Goes to Hollywood, Cocteau Twins, James, Smashing Pumpkins, Stereophonic, Manic Street Preachers, Blur, Keane, Travis, Coldplay, Primal Scream, The Horrors, M83, The Killers, Radiohead, Groove Armada, Muse, Moby, David Guetta, Chemical Brothers, James and Spoon, Union Jack, Raven Maize, Utah Saints, Fila Brazilia, USURA; los argentinos Soda Stereo y Virus; los españoles Danza Invisible; han mencionado su admiración o influencia por la banda.

Simple Minds a lo largo de toda su carrera ha logrado éxito, fama, fortuna, reconocimiento e influencia, pero a pesar de ello, han mantenido siempre un bajo perfil alejados de los excesos de la fama y de la parefernalia musical, lo que sin duda valoriza aún más su notable catálogo musical. Sus miembros permanentes desde su formación en 1978 son Jim Kerr y Charlie Burchill, cantante y guitarrista de la banda, respectivamente.



Historia
Comienzos

En 1977, Jim Kerr (voz), Charlie Burchill (guitarra, violín y saxofón) y Brian McGee (batería), tres amigos del Holyrood R.C., una local escuela católica de secundaria, junto a otros pertenecían a Johnny and the Self-Abusers, uno de los primeros grupos punk que surgieron en Escocia. Poco tiempo después, este trío de amigos desintegraría esta agrupación para formar Simple Minds. El grupo sacó el nombre de la letra de una canción de David Bowie llamada “Jean Genie”. El grupo utiliza un símbolo celta como logotipo. Consta de un corazón sostenido por una mano a cada lado y con una corona encima. El símbolo significa amor, amistad y lealtad.

Jim Kerr y Charlie Burchill, hasta ahora los únicos miembros permanentes en la banda desde sus comienzos, se conocieron a los 8 años de edad, en una escuela de Glasgow (Escocia). El futuro les depararía convertirse en unas de las parejas musicales más sólidas de la historia del rock. Cantante principal y guitarrista en completa simbiosis sobre el escenario.

Tony Donald se integró en el bajo, y Brian McGee en la batería, así como Mick McNeil en los sintetizadores. Tony Donald fue remplazado ese mismo año por Derek Forbes.



Primeros años

Sus primeros discos se caracterizan por cambios de música, desde el euro-disco hasta el pop. El primero, en 1979, Life in a Day característico del new wave que surgía del punk, cuya boga estaba acabando. Canciones como Chelsea Girl y Life In A Day fueron sacadas en sencillo en ese año y lograron puestos regulares. Por ese tiempo el sonido de la banda comprendían punk, sicodélico e influencias como David Bowie en su etapa en Berlín y el Genesis de Peter Gabriel (cuya carrera solista también admiran, quedando demostrado años más tarde).

En ese mismo año, sin embargo, un disco más oscuro y maduro salió a la luz para favorecer a la crítica: Real to Real Cacophony, ya con claros síntomas del New Wave con canciones como Premonition. Lamentablemente este disco fue desfavorecido con las ventas y el ranking.

Le seguiría en 1980 Empires & Dance, con su música experimental, con grandes composiciones como I Travel. El grupo perfilaba el sonido que poco después les hacía ser populares en Norteamérica. Uno de los sonidos protagonistas, el del teclista Mick MacNeil, miembro de Simple Minds que también ha trabajado con Trevor Horn y Rod Stewart. Simple Minds en sus inicios fueron influenciados por el sonido del sintetizador de sus bandas alemanas favoritas. Esto hará que se les catalogue más como grupo europeo que británico. El afamado Peter Gabriel se fijó en ellos y fueron invitados para telonear su gira. La primera vez que el grupo visitó España fue en la gira de Gabriel de 1980 en Badalona. John Leckie, que trabajó con George Harrison o Pink Floyd, fue el productor de sus 3 primeros trabajos.

Posteriormente, en 1981, ya con la discográfica Virgin Records y con otro productor llamado Steve Hillage, grabarían discos con un toque cercano al Rock Progresivo como Sons And Fascination, con Love Song como gran éxito, y Sister Feelings Call que incluía The American, cuya caraterística fue que salieron en formato de combo, y que posteriormente fueron separados para su venta individual. Love Song fue durante muchos años sintonía del famoso programa deportivo radiofónico de Jose María García. El 20 y 21 de diciembre de 1981 Simple Minds tocaría en el desaparecido “Rockola” de Madrid. A principios de 1982 salió a la venta un recopilatorio con el título de Celebration, que sólo incluiría una canción nueva. En este disco se hacía un repaso a los primeros 3 álbumes de la banda. Sus discos iniciales reflejaban el gusto por la técnica electrónica. No eran álbumes fáciles, sino muy experimentales, llenos de ritmos duros y textos fríos pero expresados con apasionamiento.



Éxito

Terminada la grabación del álbum Sister Feelings Call, Brian McGee se separa de la banda y se dirige a Endgames. Lo reemplaza Kenny Hyslop, con quien hacen la gira completa del disco.

Y después de esperar el éxito de una forma más palpable, el álbum New Gold Dream (81-82-83-84), también del año 1982, con Peter Walsh como productor, logró entrar en las listas comerciales estadounidenses con éxitos como “Promised You A Miracle”, “Someone Somewhere In Summertime” y “Glittering Prize”. Fue una derivación del New Wave al New Romantic. La música es más accesible pero sin perder fuerza ni originalidad. Para la grabación de ese disco, Mel Gaynor entra a la batería en reemplazo de Kenny Hyslop, quien se va a formar una banda disco escocesa llamada Set The Tone y de ahí se va a tocar para Midge Ure.

Parecía que el grupo pasaba por un buen momento, Steve Lillywhite, en 1984, producía el disco Sparkle in the Rain, con otro gran cambio de dirección musical, el cual tenía buena acogida en el público con varios números uno como “Waterfront” y “Up On The Catwalk”. La temática tecno original da paso a canciones-himno arropadas por un sonido mucho más grandilocuente y en ocasiones emocionante. Al mismo tiempo Jim Kerr, contraía matrimonio con Chrissie Hynde, vocalista del grupo The Pretenders. Posteriormente, ambos grupos hacían presentaciones en común.



En el año 1985, le llegó el éxito a Simple Minds con la canción “Don’t You (Forget About Me)”, que antes fue ofrecida a Bryan Ferry para interpretarla pero fue rechazada por éste. Accedió al gran público llegando al número 1 de Billboard en EE. UU. y teniendo un espectacular éxito en el Reino Unido, donde permaneció en los charts por 3 años(1985-1987), siendo el single de mayor permanencia en la historia de la música británica. Se convirtió en banda sonora de la película “The Breakfast Club” y en un himno para el grupo.

El 13 de julio de 1985, la banda participaba en el multitudinario concierto de Live Aid, ante 2.000 millones de espectadores en más de 60 países. Ellos lo hicieron en Filadelfia, en el JFK Stadium. Tocaron “Don´t You Forget About Me” y otra canción aún desconocida llamada “Ghostdancing”. Más tarde, en ese mismo año, apareció el disco Once upon a time, quizá su trabajo más comercial, que llegó al número 1 en el Reino Unido y entre los 10 más vendidos en EE. UU. Producido por Jimmy Iovine y Bob Clearmountain. 4 éxitos mundiales como “Alive & Kicking”, “Sanctify Yourself”, “Ghostdancing” y “All The Things She Said” terminaron por consolidarles en lo más alto del panorama musical.

Live In The City Of Light fue un disco en directo, editado en 1987, en donde se plasmaba la extensa gira del grupo por aquel entonces, grabado durante la actuación de 2 noches en París en 1986. El disco tuvo un gran éxito comercial pero no fue capaz de demostrar el gran directo de la banda. Tras la extenuante gira, el grupo decide tomarse un descanso. Después de 10 años sin pausa se necesitaba buscar un poco de calma. La banda estaba colocada entre las más grandes pero la presión llegó a ser terrible por lo que no tuvieron más remedio que parar antes de que el éxito les desbordara y sobrepasara. Durante estos años, Simple Minds fue un gran colaborador y divulgador de Amnistía Internacional.

En el año 1989 sacaron el disco Streets Fighting Years, producido por Trevor Horn y Stephen Lipson. Era un álbum comprometido políticamente y los Simple Minds militaron en causas humanitarias como la liberación del líder sudafricano Nelson Mandela, a quien le dedicaron el himno “Mandela Day”, además el álbum fue dedicado al canta autor chileno Victor Jara. El álbum alcanzó el número 1 en las listas del Reino Unido, al igual que su primer single “Belfast Child”. Para componerla se utilizó como base una melodía tradicional celta. Eran momentos de graves incidentes en Irlanda y Jim Kerr escribió una nueva letra. En 1995 en un programa de televisión francés llamado Taratata, Simple Minds junto con el músico bretón Alan Stivell, tocó la versión original del tema, llamado “She Moves Through The Fair”.

En 1991 el disco Real Life significará otro punto de inflexión en la carrera del grupo. Repite Stephen Lipson como productor y aunque contenía alguna canción excepcional, como See The Lights, había muchos síntomas de decadencia como fue la baja definitiva de Mick Macneil. Con esta ausencia se perdía un pieza fundamental en el proceso de crear canciones.

En 1992 se sacó a la venta un recopilatorio llamado Glittering Prize 81/92 que logró récords de ventas en varios países del mundo. El grupo termina por desintegrarse, pero en 1995, Simple Minds, regresará a la música gracias al vocalista Jim Kerr y al guitarrista Charlie Burchill que se juntarán de nuevo para recorrer un nuevo camino. Será con el disco Good News The Next World. Un disco pop arreglado y perfeccionista, producido por Keith Forsey y por el propio grupo, que tuvo buenas críticas y un aceptable número de ventas por Europa, con canciones como “She’s A River” e “Hypnotised”.

Mel Gaynor y Derek Forbes, antiguos batería y bajista respectivamente del grupo, se unirán 3 años más tarde a la banda para realizar en 1998 Neapolis. Se intentó una reinvención musical y se contó con Pete Walsh para producir el disco junto con el propio Charlie Burchill. Pete Walsh ya les produjo el New Gold Dream de 1982, aunque esta vez los planes no funcionaron tan bien como en el pasado. El primer sencillo del disco se llamó “Glitterball” y el video promocional fue rodado en el Museo Guggenheim de Bilbao. Esta canción fue tocada en una aparición televisiva en el popular programa Crónicas Marcianas. El disco contaba también con “War Babies”, merecedora de ser mencionada.

Casi al mismo tiempo se lanzó un disco llamado The Early Years 1977-78, que incluía una colección de demos de los inicios de la banda. En el año 2001, Simple Minds publica un disco de versiones, Neon Lights, en donde se da un homenaje a unas canciones, que han sido especiales para la banda, y a unos artistas como Kraftwerk, David Bowie, Velvet Underground, Van Morrison y Roxy Music, entre otros. The Best Of Simple Minds aparece en ese mismo año, siendo el recopilatorio más completo editado hasta la fecha ya que quedan representados la mayoría de los éxitos de todas las épocas del grupo.



En 2002 sale a la luz Cry, un disco con nuevas esperanzas y renacimientos creativos. Contenía canciones como “One Step Closer”, “New Sunshine Morning” o la propia “Cry”, que daba título al álbum. Producido por el propio Jim Kerr, Charlie Burchill, Gordon Goudie y Planet Funk, el álbum contenía una de las mejores composiciones de la banda el tema “Spaceface” . Se volvió a realizar una gira mundial.

En el año 2004, se publicó una caja, con ediciones limitadas, llamada Silver Box, que contenía 4 CDs con versiones inéditas en directo, sesiones para la BBC, ensayos y maquetas. Además se incluía un quinto CD: Our Secrets Are The Same, producido por Burchill y por Kevin Hunter, que consistía en un disco de Simple Minds realizado a finales del año 1999 y nunca publicado hasta entonces por problemas con disputas legales. En el disco destaca la canción “Space”.

En 2005, su disco Black & White 050505, producido por Jez Coad y por el propio grupo, ha dejado en claro que nunca es tarde para regresar a los senderos de la fama. Su primer sencillo “Home” fue premiado como mejor canción de Rock Alternativo por las radios estadoudinenses. En palabras de Jim Kerr, “necesitábamos un disco que demostrara, tanto a nosotros mismos como al resto de la gente, que el latido de Simple Minds está más presente que nunca”. La gira recorrió toda Europa y llegó hasta Australia y Nueva Zelanda.En junio de 2006, Simple Minds fue uno de los grupos invitados para tocar en Berlín, por la inauguración del Mundial De Fútbol que se disputó en Alemania ese verano.

A finales de 2007 se conmemoró el 30º aniversario de la banda, y se volvió a realizar una breve pero exitosa gira por Australia y Nueva Zelanda, como invitados de INXS. Esto hizo que se pospusiera la creación del nuevo álbum y no pudo coincidir con el trigésimo cumpleaños de la banda.

Jim Kerr reside en Taormina (Sicilia), siendo coopropietario de un hotel llamado Villa Angela. Charlie Burchill tampoco reside en Escocia, sino en Dublín (República de Irlanda), en una zona a las afueras de la capital, siendo vecino de Bono, el cantante de U2.

El 27 de junio de 2008 se celebró en Hyde Park (Londres) un macroconcierto por el 90 cumpleaños de Nelson Mandela. Simple Minds fue uno de los grupos invitados al homenaje. Sonó el himno “Mandela Day”, dedicado al gran líder sudafricano, y el clásico “Don’t You (Forget About Me)”.

Para fin de año se está preparando una gira por el 30º aniversario de la banda. Se ha anunciado la reunión, después de 27 años, de los miembros originales de Simple Minds (Brian McGee, Derek Forbes, Mick McNeil, Jim Kerr y Charlie Burchill) para grabar un par de canciones que podrían ver la luz al final de este año en los conciertos de celebración del 30º aniversario de la banda.

Se ha confirmado que en agosto de 2008 se va a grabar el nuevo disco de Simple Minds. Será en Rockfield Studios, en Gales. Real to Real Cacophony y Empires & Dance también fueron grabados allí. Se contará con Jez Coad, que también participó en Black & White 050505, como coproductor y a Bob Clearmountain como mezclador. Los integrantes del grupo serán: los miembros fundadores Jim Kerr (cantante) y Charlie Burchill (guitarrista). Completarán la banda Mel Gaynor (batería), Eddy Duffy(bajista) y Andy Gillespie (teclados). El álbum tiene prevista su salida para principios del 2009. Exactamente la fecha de la publicación es la del 25 de mayo de 2009. Había prevista una gira mundial. Las primeras fechas confirmadas son para el mes de junio por Alemania. Su título es Graffiti Soul y donde volvieron con gran éxito comercial y de crítica, este disco llegó al Top 10 del chart británico en mayo del 2009.

[http://youtu.be/tytPcvyJASc]


En febrero del año 2012, Simple Minds, a través del sello EMI lanzó un BOX SET llamado 5X5 que incluye sus cincos primeros álbumes realizados entre 1979-1982 y que coincide con el periodo experimental y más prolífico del grupo, que va desde el post punk hasta la new wave alternativa (pasando por sonidos tecno –industriales y la música disco). Este lanzamiento fue ovacionado por los críticos y consolidó a Simple Minds como una de las bandas más influyentes de la música contemporánea. Simple Minds , se embarcó por una pequeña gira para promocionar el BOX SET tocando 5 temas de sus 5 primeros discos (Life in a Day, Real to Real Cacophony, Empires & Dance, Sons and Fascination – Sister Felling Call y New Gold Dream), los conciertos realizados en las principales capitales europeas fueron Sold Out y muy bien criticados y permitieron además conquistar a un segmento juvenil que no conocía este impresionante catálogo musical.

Bajo este favorable panorama, la banda ha sido invitada a los principales festivales europeos del verano 2012, destacando su reciente participación en T in Park el pasado 7 de julio. Para fines de año, se tiene programada una gran gira por Australia y Nueva Zelanda junto a Devo. Se ha anunciado el día 12 de noviembre de 2012, la participación de Simple Minds como el número principal en la celebración de la Fiesta de Año Nuevo(Hogmanay) en Edimburgo, Escocia, considerada unas de las más importantes del mundo.

Durante el año 2013, la carrera de Simple Minds no se detiene, para marzo se tiene previsto el lanzamiento del compilado Celebrate que incluiría dos temas nuevos. Además , la banda ha programado una gira de 28 fechas por el Reino Unido en ciudades pequeñas donde Simple Minds nunca había tocado y que viene a pagar una deuda con los fans más provincianos que siempre le otorgaron una lealtad a toda prueba.
Miembros

Jim Kerr – vocales.(fundador, 1978- actualidad)
Charlie Burchill – guitarras.(fundador, 1978- actualidad)
Mel Gaynor – batería, percusión.(1982- actualidad)
Ged Grimes – bajo, coros.
Andy Gillespie – teclados




Miembros pasados

Tony Donald – bajo.
Brian McGee – batería.(fundador, 1978-1982)
Kenny Hyslop – batería
Michael MacNeil – teclados, piano y acordeón.(fundador,1978-1990)
John Giblin – bajo.
Derek Forbes – bajo.(fundador,1978-1985;1997-1999)
Malcolm Foster – bajo.
Eddy Duffy -bajo, coros.
Robin Clark – coros.
Lisa Germano – violín

Discografía

Life in a Day – 10 de marzo de 1979 (sello Arista, Chart # 30)
Real to Real Cacophony – 1 de noviembre de 1979 (sello Arista, Chart # ?)
Empires & Dance – 1 de septiembre de 1980 (sello Arista, Chart # 41)
Sisters Feelings Call – 1 de septiembre de 1981(sello Virgin Records, Chart # 11)
Sons & Fascination – 1 de septiembre de 1981(sello Virgin Records, Chart # 11)
Celebration – 1 de febrero de 1982
New Gold Dream (81, 82, 83, 84) – 1 de septiembre de 1982(sello Virgin Records, Chart # 3)
Sparkle Through the Years – 30 de enero de 1984
Sparkle in the Rain – 6 de febrero de 1984(sello Virgin Records, Chart # 1)
Once upon a Time – 21 de octubre de 1985(sello Virgin Records, Chart # 1)
Alive and Kicking (84, 85, 86) – 6 de octubre de 1986
Live in the City of Light – 11 de mayo de 1987(sello Virgin Records, Chart # 1)
Street Fighting Years – 8 de mayo de 1989(sello Virgin Records, Chart # 1)
Real Life – 8 de abril de 1991(sello Virgin Records, Chart # 2)
Glittering Prize 1981-1992 – 8 de octubre de 1992(sello Virgin Records, Chart # 1)
Good News from the Next World – 30 de enero de 1995(sello Virgin Records, Chart # 2)
The Promised – 29 de septiembre de 1997
Neapolis – 16 de marzo de 1998(sello Chrysalis Records, Chart # 18)
Real Live 91 – 1 de mayo de 1988
Neon Lights – 8 de octubre de 2001(sello Eagle Records, Chart # 141)
Cry – 1 de abril de 2002(sello Eagle Records, Chart # 80)
Our Secrets are the Same – 30 de junio de 2003
Live & Rare – 5 de diciembre de 2003
Black & White 050505 – 12 de septiembre de 2005(sello Sanctuary Records, Chart # 37)
Graffiti Soul – 25 de mayo de 2009(sello Sanctuary Records, Chart # 10)

Compilatorios

Themes for Great Cities – Definitive Collection 79-81 – 1 de noviembre de 1981
Glittering Prize 81/92 – 5 de octubre de 1992
81-95 – 16 de enero de 1995
The Early Years 1977-78 – 25 de marzo de 1998
The Best of Simple Minds – 5 de noviembre de 2001
The best of Simple Minds [Proms Edition] – 1 de octubre de 2002
Early Gold – 30 de junio de 2003
Silver Box – 18 de octubre de 2004
5X5 box – 13 de febrero de 2012

DVD

SEEN THE LIGHTS: A VISUAL HISTORY – 3 de noviembre de 2003

Singles
Año Título Hit Position Álbum
US US MSR UK CAN
1979 “Life in a Day” – – #62 – Life in a Day
1979 “Chelsea Girl” – – – – Life in a Day
1980 “Changeling” – – – – Real to Real Cacophony
1980 “I Travel” – – – – Empires and Dance
1981 “Celebrate” – – – – Empires and Dance
1981 “The American” – – #59 – Sister Feelings Call
1981 “Love Song” – – #47 #38 Sons and Fascination
1981 “Sweat in Bullet” – – #52 – Sons and Fascination
1982 “I Travel” (Reissue) – – – – Celebration
1982 “Promised You a Miracle” – – #13 – New Gold Dream (81,82,83,84)
1982 “Glittering Prize” – – #16 – New Gold Dream (81,82,83,84)
1982 “Someone, Somewhere in Summertime” – – #36 – New Gold Dream (81,82,83,84)
1983 “I Travel” (2nd Reissue) – – – – Non-Album Single
1983 “Waterfront” – – #13 – Sparkle in the Rain
1984 “Speed Your Love to Me” – – #20 – Sparkle in the Rain
1984 “Up on the Catwalk” – – #27 – Sparkle in the Rain
1985 “Don’t You (Forget About Me)” #1 – #7 #1 The Breakfast Club:
Original Motion Picture Soundtrack
1985 “Alive and Kicking” #3 – #7 #3 Once Upon a Time
1986 “Sanctify Yourself” #14 – #10 #17 Once Upon a Time
1986 “All the Things She Said” #28 – #9 #65 Once Upon a Time
1986 “Ghost Dancing” – – #13 – Once Upon a Time
1987 “Promised You a Miracle” – – #19 – Live in the City of Light
1989 “Belfast Child” – – #1 – Street Fighting Years
1989 “Mandela Day” – #17 – – Street Fighting Years
1989 “This Is Your Land” – #12 #13 #40 Street Fighting Years
1989 “Take A Step Back” – #14 – – Street Fighting Years
1989 “Kick It In” – – #15 – Street Fighting Years
1989 “Let It All Come Down” – – #18 – Street Fighting Years
1991 “Let There Be Love” – – #6 – Real Life
1991 “See The Lights” #40 #1 #20 #10 Real Life
1991 “Stand By Love” – #4 #13 – Real Life
1991 “Real Life” – – #34 – Real Life
1992 “Love Song/Alive & Kicking” – – #6 – Glittering Prize 81/92
1995 “She’s a River” #54 – #9 #3 Good News from the Next World
1995 “Hypnotised” – – #18 #34 Good News from the Next World
1998 “Glitterball” – – #18 – Neapolis
1998 “War Babies” – – #43 – Neapolis
2001 “Dancing Barefoot” – – – – Neon Lights
2001 “Homosapien” – – #134 – Neon Lights
2002 “Cry” – – #47 – Cry
2002 “Spaceface” – – – – Cry
2002 “New Sunshine Morning” – – – – Cry
2002 “Cry” (Remix) – – – – Cry
2002 “One Step Closer” – – – – Cry
2003 “Don’t You Forget About Me” (Remixes) – – – – Live & Rare
2005 “Too Much Television” – – – – iTunes Download
2005 “Home” – – #41 – Black & White 050505
2006 “Stranger (London Mix)” – – – – Black & White 050505
2006 “Different World (TAORMINA. ME)” – – – – Black & White 050505
2006 “The Jeweller (Part 2)” – – – – Black & White 050505

Fuente Wikipedia
Comentarios Jesús Garrido

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Reunete con antiguos amigos o compañeros en un ambiente divertido y desenfadado.
A los mandos de la nave Valentin Aragonés Roda y Jesús Garrido.

14 de Diciembre del 2012.

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THE CURE


Se me amontonan las emociones para el siguiente post.
He tenido el placer de poder verlos dos veces en directo, las dos el Fib de Benicassim. Las dos veces experiencias musicalmente vitales en mi memoria emocional.
Una banda legendaria, prolífica en su dilatada existencia, admirada e idolatrada a partes proporcionales.
Un banda auténticamente multi-polar, oscura, gótica, seria, y maravillosamente lucida, alegre, nítida y brillante por otra parte mas positivista.
Este post es totalmente parcial, no puedo separar las emociones creadas por sus canciones en mi, toda la culpa es de ellos por ser como son y componer himnos generacionales que se van legando generación tras generación.
En la variedad esta el autentico buen gusto musical y The Cure es por excelencia mi primera referencia en cuanto a variedad musical dentro de un mismo grupo.
Es tal la grandiosidad, profundidad y belleza y esplendor de sus composiciones que si tuviera que elegir solo una canción entre los mas de 7000 vinilos, 5400 cds y cientos de miles de mp3 que tengo, Just Like Heaven seria la única canción elegida para poder llevarme a una isla desierta.
Creo que es la canción mas corta en tiempo y mas intensa que he escuchado jamas.

The Cure es una banda de rock británica formada en 1976 en Crawley, West Sussex (Inglaterra). Es muy difícil categorizar a The Cure en un sólo estilo musical pues en su dilatada carrera ha pasado por estilos muy distintos, desde depresivos sonidos góticos, hasta alegres éxitos pop. La banda comenzó con un estilo post punk junto a bandas como Joy Division y Siouxsie & the Banshees (con canciones como Plastic Passion o A Play For Today), este estilo de música evoluciono claramente en un sonido gótico o dark wave (música sentimental y depresiva con canciones como Prayers For Rain o One Hundred Years), la banda tambien tiene estilos diferentes como música new wave alegre u optimista (Mint car o Close to me) y hasta ciertos toques de electrónica (“Wrong number” o “The Walk”) No obstante, la apariencia estética característica del líder de la banda, Robert Smith, frecuentemente vestido con ropa negra y mostrando un rostro pálido y un lápiz de labios borroneado en la boca, sumado a letras que con frecuencia son introspectivas y existenciales, han hecho que la banda sea asociada generalmente con el rock gótico. Smith rechaza esta categorización y se niega a enmarcar a la banda dentro de un único género: “Es tan triste que a The Cure se le siga llamando gótico […] No somos categorizables. Supongo que eramos post punk cuando salimos, pero globalmente es imposible categorizarnos. […] Yo toco música de The Cure, sea lo que sea que esto signifique.

Entre el año de su formación, 1976, y 2004, The Cure había logrado vender alrededor de 31 millones de discos en todo el mundo.
Hasta 2008, The Cure ha editado 13 álbumes de estudio, treinta y cuatro singles y numerosos recopilatorios y reediciones.





Historia
Experiencias previas: de The Obelisk a Easy Cure

La primera banda antecesora de The Cure se llamó The Obelisk, banda formada en 1973, en el Notre Dame Middle School en Crawley, Sussex, y compuesta por Robert Smith (voz y piano), Michael Dempsey (guitarra), Lol Tolhurst (batería), Marc Ceccagno (guitarra solista) y Alan Hill (Bajo eléctrico). Tres años más tarde, en enero de 1976, Marc Ceccagno formaba una nueva banda, Malice junto a Robert Smith (ya a la guitarra) y Michael Dempsey (cambiando al bajo) y Paul Stephen Thompson otros dos estudiantes del St. Wilfrid’s Catholic Comprehensive School. Ceccagno dejó pronto el grupo, para formar una banda de fusión Jazz-Rock llamada Amulet. Los miembros restantes de Malice, Smith y Dempsey cambiaron su nombre por Easy Cure en enero de 1977. En este momento, la influencia del omnipresente punk rock se comenzaba a hacer patente en el estilo musical del grupo. La entrada de Lol Tolhurst como baterista, y el fichaje de Porl Thompson a la guitarra solista terminaron de configurar el primer plantel de Easy Cure. La banda probó durante estos meses a distintos vocalistas sin tener mucho éxito, hasta que Smith asumió finalmente el papel de vocalista y de líder del grupo en septiembre de 1977.

Ese mismo año de 1977, Easy Cure ganaba una competición de talentos con el sello alemán Hansa Records, recibiendo como premio un contrato de grabación. El resultado de esta colaboración fueron algunas canciones de Easy Cure que nunca han sido editadas. En marzo de 1978, tras desencuentros con el sello acerca de la dirección que el grupo debía tomar, Easy Cure decidía romper su contrato con Hansa. Según Smith, el sello quería convertirlos en una banda para adolescentes, realizando versiones de otros grupos, lo que iba en contra del espíritu de la banda.




Comienzos de The Cure

En mayo de ese mismo año, Thompson dejaba la banda. El trío restante, (Smith/Tolhurst/Dempsey) era rebautizado por Smith en ese momento, para asumir ya su nombre definitivo, The Cure. A finales de mayo, la banda realizaba sus primeras sesiones de estudio en los estudios Chestnut de Sussex. La maqueta resultante de estas sesiones sería enviada a una docena de sellos importantes. Chris Parry, por entonces buscador de talento de Polydor, se puso en contacto con la banda tras escucharla. Se despidió de Polydor, formando el sello Fiction, y contratando a The Cure en septiembre de 1978. Entre septiembre y diciembre de ese mismo año, Parry negoció con Polydor un acuerdo de distribución para Fiction, acuerdo que se materializaba el 22 de diciembre con la edición del sencillo de debut de la banda Killing an Arab, inspirada en El extranjero, de Albert Camus. Tras las acusaciones de racismo recibidas por el sencillo desde algunos medios poco informados, motivadas por el título del mismo, la banda ponía una pegatina en la reedición de 1979 del sencillo negando connotación racista alguna. Días antes de la edición del sencillo, la banda recibía una de sus primeras críticas. NME escribía que “The Cure son como una bocanada de aire fresco suburbano en el circuito contaminado de pubs y clubs de la capital […] Con una sesión de John Peel y la continuación de su gira por Londres en su agenda más inmediata, falta por ver si The Cure puede mantener su refrescante joie de vivre.




Época oscura: de Seventeen Seconds a Pornography

En su primera etapa musical, The Cure desarrolló un estilo propio dentro de la corriente del post punk, siendo considerados un grupo del culto en la primera mitad de los años 80. Alcanzaron altas cuotas de popularidad en Inglaterra con sus singles “A Forest”, perteneciente a su segundo trabajo Seventeen Seconds de 1980 y en EE. UU. con “Boys Don’t Cry”, perteneciente a su primer LP (edición americana) Boys Don’t Cry (1980). En 1981, la banda se reunió de nuevo con Mike Hedges, productor de Seventeen Seconds, para grabar su siguiente álbum, Faith, que reincidía en la instropeccion y la atmósfera contenidos en Seventeen Seconds. El álbum alcanzaría el decimocuarto puesto en las listas británicas en 1981.5 A finales de 1981, The Cure lanzó el sencillo Charlotte Sometimes, basado en la novela homónima de Penelope Farmer, que insólitamente no está incluido en ningún álbum de estudio de la banda.

En este momento, la música y la actitud de la banda se habían vuelto extremadamente introspectiva, de manera que, durante las actuaciones, no se atendían las peticiones de temas más antiguos y alegres y, en ocasiones, Robert Smith se veía tan absorbido por el personaje que había de proyectar sobre el escenario que abandonaba los conciertos llorando.

The Cure alcanzó su punto álgido en la consecución de un sonido atmosférico en 1982, con la publicación de Pornography. Después de la publicación de este disco, y la consecuente gira promocional Fourteen Explicit Moments el grupo quedó inactivo por un periodo, por problemas internos, que llevaron a Robert Smith a plantearse seriamente la separación. La salida de Simon Gallup de la formación tras los incidentes que protagonizó junto a Smith durante la gira de Pornography había dejado al grupo como un dúo, compuesto solamente por el propio Smith y Lol Tolhurst.






Época de transición: de Japanese Whispers a The Head on the Door

El punto de inflexión de esta tendencia destructiva llegaría a finales de ese mismo año 1982, con la publicación del sencillo Let’s go to bed, una canción de carácter jovial y cierto aroma electrónico, que rompería con el carácter musical de la banda en sus primeros trabajos. A Let’s go to bed le seguirían, en 1983 dos sencillos de carácter electrónico más acusado que el anterior, The Walk y The Lovecats, tema jazzístico basado en la película Los aristogatos, que se convertirían en los primeros éxitos comerciales de importancia (#12 y #7 en el Reino Unido, respectivamente), y que relanzarían la carrera del grupo. Todos los sencillos y las caras-b de este período se compilarían en el álbum de 1983, Japanese Whispers.

Tras varios festivales con la nueva banda (que incluía al productor de Pornography Phil Thornalley, y al percusionista Andy Anderson), y la posterior incorporación del viejo componente de la misma Porl Thompson, el grupo volvió a grabar en estudio nuevo material compuesto por Robert Smith, en este caso se trató del LP The Top (1984), disco difícil en su elaboración al asumir Smith casi todas las tareas relativas al mismo (músico, compositor, productor) y además compatir su tiempo con el grupo Siouxsie and the Banshees, para el álbum y el dvd live Nocturne y el álbum estudio Hyæna con quienes se había reunido en 1982, como un medio de huir de la atmósfera opresiva de los Cure. Durante la gira mundial de The Top, el grupo vuelve a sufrir cambios en su formación: Andy Anderson es sacado del grupo por sus problemas con el alcohol y entra Boris Williams. Al final de la gira, el bajista Phil Thornalley deja el grupo y vuelve Simon Gallup. En estos momentos, ya eran reconocidos por la crítica musical y al publicar su álbum The Head On The Door en 1985 volvieron a recuperar el reconocimiento de sus adeptos con singles como “A Night Like This”, “In Between Days” y “Close to Me”, tema éste último que les proporcionó su primer #1 en el Reino Unido.

En 1986, coincidiendo con el décimo aniversario de la formación de la banda, se publica Standing on a Beach: the Singles 1978-1986, también titulado Staring at the Sea en su versión de Vinilo. En este recopilatorio se recogen todos los Singles de la banda entre 1978 y 1986.





Época de éxito internacional: de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me a Wish

Un año más tarde, en 1987, The Cure lanza el doble álbum Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me. Gracias a la ascendente popularidad del grupo en ese momento, el trabajo alcanza el número 6 en las listas del Reino Unido, entra entre los 5 más vendidos en muchos otros países europeos y asciende hasta el puesto 35 en Estados Unidos, donde recibiría el Disco de platino. El primer sencillo del disco es Why Can’t I Be You? (Top 30 en el Reino Unido, España, Francia, Alemania, Italia y otros países), que fue seguido por Catch. El tercer sencillo, Just Like Heaven se convirtió en el de mayor éxito hasta ese momento, además fue el primero en entrar en el Billboard Top 40. Tras el lanzamiento del álbum, la banda se embarca en el Kiss Tour, que se convierte en un rotundo éxito de público. No obstante, durante la gira, Lol Tolhurst encuentra problemas para tocar por su excesivo consumo de alcohol. Para solventar el problema, la banda acude con frecuencia a Roger O’Donnell, teclista de los Psychedelic Furs para sustituirle.

Terminada la gira en 1988 el grupo se toma un paréntesis de un año. Tras este paréntesis, en 1989, The Cure lanza Disintegration, en el que se retoma la estética oscura de trabajos anteriores. Se convierte inmediatamente en su mayor éxito hasta ese momento, entrando en las listas británicas en el tercer puesto. Tres de los sencillos del disco, Lullaby, Lovesong y Pictures of You entran entre los treinta más vendidos en varios países, incluyendo el Reino Unido. Disintegration alcanza el puesto número 12 en las listas de Estados Unidos. Fascination Street, el primer sencillo en ser editado en este país, alcanza el primer puesto en la “American Modern Rock Chart”. El tercero, Lovesong, alcanza el segundo puesto en las listas absolutas. Tan sólo 3 años después de su edición, en 1992, Disintegration había vendido tres millones de copias en todo el mundo.

Durante las sesiones de grabación de Disintegration, la banda se enfrentó abiertamente con Lol Tolhurst. Estos hechos desembocaron en la salida de Tolhurst en febrero de 1989. Como resultado, Roger O’Donnell se convirtió en miembro permanente del grupo. Smith se quedaba de este modo como único miembro fundacional en la banda. A pesar de su salida, Tolhurst aparece en los créditos del álbum, tocando “otros instrumentos”. No obstante, algunos opinan que no contribuyó en absoluto a la grabación del disco. El tour subsiguiente se denominó Prayer Tour. Su popularidad en Estados Unidos era ya de tal calibre por aquel momento que el grupo dejó de tocar en salas de conciertos para tocar en estadios en muchas ciudades de aquel país.

En mayo de 1990, Roger O’Donnell deja la banda. Le sustituye Perry Bamonte, técnico de guitarras del grupo. En noviembre, The Cure edita una colección de remixes titulada Mixed Up. De este álbum se extrae una canción nueva, Never Enough, editada posteriormente como sencillo. La compilación no alcanzaría el éxito de ventas del disco precedente, ni mucho menos del posterior.

En enero del año 1991 el grupo actúa dentro de la serie de conciertos MTV Unplugged, cabe destacar la escenografía empleada con velas y ambiente apesadumbrado característico de la banda. En ese mismo año The Cure recibe el BRIT Award para la mejor banda británica del año. También en 1991, Lol Tolhurst demanda a Robert Smith y a Fiction por el pago de los derechos de autor. En la demanda se incluye también la aspiración de Tolhurst a compartir la propiedad del nombre “The Cure” con Smith. La demanda se resolvería en 1994 a favor de Smith.

Dos años después de editar Mixed Up, en 1992, la banda lanza Wish, su disco más vendido hasta el momento. Wish fue número uno en el Reino Unido, y número dos en los Estados Unidos. Los sencillos High y Friday I’m in Love se convirtieron en éxitos internacionales. En dicho disco, el nombre de la banda se transformaría de “The Cure” a simplemente “Cure”. No obstante, dicha denominación no duraría, ya que se retomaría el tradicional “The Cure” en Wild Mood Swings.

De la gira que acompañó al álbum, el Wish Tour, la banda extraería dos álbumes en directo, Show y Paris, editados en septiembre y octubre de 1993, respectivamente.




Últimas épocas: de Wild Mood Swings a la actualidad

Entre 1994 y 1995 se producen varios cambios en la formación. Boris Williams sale y es sustituido a la batería por Jason Cooper. Porl Thompson abandona de nuevo el grupo, y Roger O’Donnell vuelve a integrarse como teclista. En 1996, con esta nueva alineación, la banda edita Wild Mood Swings, disco de irregular contenido y en el que se parece advertir una pérdida de sentido musical en el seno de la banda. El disco fue acogido con frialdad por la crítica, pero sobre todo por los tradicionales seguidores del grupo.

En 1997, la banda publica un recopilatorio de singles Galore, de algún modo continuador de Standing on a Beach, publicado once años después de éste, y en el que se recogen los sencillos publicados entre 1987 y 1997.
The Cure en directo, 2007.

El limitado éxito artístico y comercial de Wild Mood Swings, unido al hecho de que sólo tenían un disco más por publicar bajo su contrato con Fiction, hicieron que Smith se plantease, una vez más, terminar con la banda. En 1998, en este contexto, el grupo decide posponer el lanzamiento de un álbum previsto para ese mismo año, de cara a componer un disco que, a modo de despedida, recogiera la cara más seria de The Cure. Fruto de este esfuerzo es el álbum Bloodflowers, publicado dos años después, en 2000, con el que el grupo recupera sus esencias. En palabras de Smith, el álbum cierra la trilogía oscura del grupo, iniciada con Pornography y seguida por Disintegration.

La publicación de este álbum vendría acompañada de una extensa gira mundial bajo el título de Dream Tour. La gira obtuvo un gran reconocimiento, tanto mediático como de público, con más de un millón de asistentes. El éxito de álbum y gira motivaron a Smith a reconsiderar su decisión de disolver la banda.

En 2001, The Cure, aprovechando el fin de su contrato, abandona su tradicional sello discográfico Fiction Records para firmar con Geffen Records. Como despedida de Fiction, Smith accede a la publicación de un grandes éxitos, a condición de que el repertorio de canciones fuese elegido por él. Resultado de este acuerdo es el recopilatorio Greatest Hits, que incluye singles y otras canciones de toda la carrera de la banda, desde 1978 hasta 2000.

En 2003, Fiction publica el DVD “Trilogy”, que incluye dos conciertos en Berlín en los que The Cure interpretan en directo y en el mismo orden que en los discos, todas las canciones de Pornography, Disintegration y Bloodflowers, esa trilogía oscura mencionada por Robert Smith.

En 2004, ya en Geffen, tras varios proyectos menores del grupo, The Cure lanza su álbum homónimo. De carácter variado como Wild Mood Swings, no fue recibido positivamente por crítica y público. Ese mismo año, en paralelo, Fiction lanza un recopilatorio llamado Join the Dots, en el que publica mucho del material inédito que la discográfica histórica de la banda aún posee en sus archivos.

Tras una gira mundial en el ámbito de los festivales, a mediados de 2005 Robert Smith decide prescindir del teclista Roger O’Donnell y del guitarrista Perry Bamonte, poco antes del inicio de la extensa gira que debería llevarles por Europa en su habitual encuentro con los diferentes festivales de importancia.

Ese mismo año, el grupo recluta de nuevo a Porl Thompson, convirtiéndose otra vez en un cuarteto, hecho que no ocurría desde 1994.

Durante la gira europea de 2008, la banda comienza a enseñar retazos de su, hasta el momento, último disco en estudio, 4:13 Dream. El disco, que había estado previsto inicialmente para noviembre de 2006, fue lanzado el 28 de octubre. El lanzamiento del álbum fue precedido por los sencillos The Only One, lanzado el 13 de mayo, Freakshow, el 13 de junio, Sleep When I’m Dead, el 13 de julio y por último The Perfect Boy, el 13 de agosto.

En marzo de 2010, Robert Smith graba un soundtrack para la película Alice in Wonderland (Very Good Advice).

Entre junio y noviembre del 2011, The Cure realizó una serie de conciertos llamados Reflections (que estuvo conformada por una especia de linea de tiempo) en donde Robert Smith iniciaba el espectáculo con la frase: “Bienvenidos a 1979” y tocaba integramente su primer disco (Three Imaginary Boys) despues seguía el año 1980, en donde toca el album Seventeen Seconds), proseguía con 1981 (toca el album Faith) y terminaba con algunas canciones de esa época como “Charlotte Sometimes” que había salido como single en 1982 pero sin ser incluida en ningún disco de estudio. En esta serie de conciertos se dio a conocer que Roger O’Donnell regresaba a la banda.

En septiembre de 2011, The Cure fue nominado para ingresar al Salon de la Fama del Rock and Roll como parte de la clase del 2012.




Discografía

Álbumes de estudio

1979: Three Imaginary Boys
1980: Seventeen Seconds
1981: Faith
1982: Pornography
1984: The Top
1985: The Head on the Door
1987: Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me
1989: Disintegration
1992: Wish
1996: Wild Mood Swings
2000: Bloodflowers
2004: The Cure
2008: 4:13 Dream

Álbumes recopilatorios

1980: Boys Don’t Cry
1981: Happily Ever After
1983: Japanese Whispers
1986: Standing on a Beach
1990: Mixed Up
1997: Galore
2001: Greatest Hits
2004: Join the Dots (caras B)
2006: 4play

Álbumes en vivo

1984: Concert – The Cure Live
1991: Entreat
1993: Show
1993: Paris
2011: Bestival Live 2011

Sencillos

1979: Killing an Arab
1979: Boys Don’t Cry
1979: Jumping Someone Else’s Train
1980: A Forest
1981: Primary
1981: Charlotte Sometimes
1982: A Single
1982: Let’s Go to Bed
1983: The Walk
1983: The Lovecats
1984: The Caterpillar
1985: In Between Days
1985: Close to Me
1986: Boys Don’t Cry (remezcla)
1987: Why Can’t I Be You
1987: Catch
1987: Just Like Heaven
1988: Hot Hot Hot!!!
1989: Lullaby
1989: Fascination Street
1989: Lovesong
1990: Pictures of You
1990: Never Enough
1990: Close to Me (remezcla)
1992: High
1992: Friday I’m in Love
1992: A Letter to Elise
1996: The 13th
1996: Mint Car
1996: Strange Attraction
1996: Gone!
1997: Wrong Number
2000: Out of This World
2000: Maybe Someday
2001: Cut Here
2001: Just Say Yes
2004: The End of the World
2004: Taking Off
2004: alt.end
2008: The Only One
2008: Freakshow
2008: Sleep When I’m Dead
2008: The Perfect Boy


Videografía

Vídeos recopilatorios

1986: Staring At The Sea – The Images
1991: Picture Show
1997: Galore – The Videos 1987-1997
2001: Greatest Hits

Vídeos de directo

1987: The Cure In Orange
1991: The Cure Play Out
1991: The Cure: MTV Unplugged
1993: Show
2003: The Cure: Trilogy
2006: The Cure: Festival 2005


Giras

1979 Tour de Three Imaginary Boys sin nombre
1979 Tour con los Banshees
1979 The Future Pastimes
1980 Seventeen Seconds Tour
1980 The Primary Tour
1981 The Picture Tour
1981 Tour de ocho apariciones
1982 Fourteen Explicits Moments
1983 Tour de festivales en USA
1984 The Top Tour
1985 The Head Tour
1986 The Beach Party Tour
1987 Tour por sur América
1987 The Kissing Tour
1989 The Prayer Tour
1990 The Pleasure Trips
1991 Tour por Londres
1992 Tour veraniego del Wish por UK
1992 The Wish Tour
1993 Great Xpectations
1995 Team Cure Festival Tour
1996 The Swing Tour
1997 Festivales de USA y Radios Tour
1998 Summer Festivals
1999 Hard Rock Live NYC
2000 Promo shows y The Dream Tour
2001 Roskilde & Paris
2002 Summer Festivals
2002 Concierto del Trilogy
2003 Flashback to the Future y charity
2004 Summer festivals / Curiosa y Mexico
2005 Summer Festivals
2006 Teenage Cancer Trust
2007 Festivales y 4Tour
2008 4Tour
2009 NME Awards Big Gig y Coachella
2011 Reflections y Bestival
2012 SummerCure


Miembros actuales

Robert Smith — voz y guitarra principal
Simon Gallup — bajo
Jason Cooper — batería
Roger O’Donnell — teclados
Reeves Gabrels — guitarra


Ex-integrantes

Michael Dempsey

período de actividad: 1976 – 1979
alineación en la banda: bajista
álbumes: Three Imaginary Boys, Boys Don’t Cry, Standing on a Beach, Greatest Hits, Join the Dots, 4play

Matthieu Hartley

período de actividad: 1979 – 1980
alineación en la banda: teclista
álbumes: Seventeen Seconds, Standing on a Beach, Greatest Hits, Join the Dots, 4play

Andy Anderson

período de actividad: 1983 – 1984
alineación en la banda: baterista
álbumes: Japanese Whispers, The Top, Concert, Standing on a Beach, Greatest Hits, Join the Dots

Phil Thornalley

período de actividad: 1983 – 1984
alineación en la banda: bajista
álbumes: Japanese Whispers, The Top, Concert, Standing on a Beach, Greatest Hits, Join the Dots

Laurence Tolhurst

período de actividad: 1976 – 1989 / 2011
alineación en la banda: baterista, percusionista y teclista
álbumes: Three Imaginary Boys, Seventeen Seconds, Boys Don’t Cry, Faith, Pornography, Japanese Whispers, The Top, Concert, The Head on the Door, Standing on a Beach, Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, Disintegration, Galore, Greatest Hits, Join the Dots, 4play

Boris Williams

período de actividad: 1984 – 1994
alineación en la banda: baterista
álbumes: The Head on the Door, Standing on a Beach, Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, Disintegration, Entreat, Wish, Mixed Up, Show, Paris, Galore, Greatest Hits, Join the Dots

Perry Bamonte

período de actividad: 1990 – 2005
alineación en la banda: guitarrista
álbumes: Wish, Show, Paris, Wild Mood Swings, Bloodflowers, The Cure (álbum), Galore, Greatest Hits, Join the Dots

Porl Thompson

período de actividad: 1984 – 1993 / 2005 – 2011
alineación en la banda: guitarrista
álbumes: The Top, Concert, The Head on the Door, Standing on a Beach, Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, Disintegration, Entreat, Mixed Up, Wish, Show, Paris, Galore, Greatest Hits, Join the Dots, 4:13 Dream, Bestival Live 2011


http://www.thecure.com/

Fuente Wikipedia
Comentarios Jesús Garrido

The Sisters of Mercy

Una banda rockera super autentica tanto en su sonido oscuro e inquietante, como en su vestuario que parece sacado de una película de Tim Burton, que por cierto me encanta la estética de ambos.
Es muy fácil adivinar el talento del grupo desde los primeros acordes de cada una de sus canciones.
Para mi su sonido oscuro es de los mas brillantes en el panorama musical de los 80 y 90.
Todos tenemos una o más canciones favoritas de estos chicos malos a rabiar.
Yo me quedo con la que creo que el tiempo ha tratado con más justicia.
Los pelos de punta para recibir una descarga de energía oscura muy positiva.

The Sisters of Mercy es una de las bandas más importantes y quizás la que más destacada por encima de la segunda oleada de rock gótico, nacida en la epoca del post punk ingles.

Han grabado tres álbumes de estudio, First and Last and Always (1985), Floodland (1987) y Vision Thing (1990); un recopilatorio, Some Girls Wander by Mistake (1992), y un grandes éxitos, A Slight Case of Overbombing (1993).

Influencias

La banda ha citado como influencias a Leonard Cohen, Motörhead, The Stooges y Suicide entre otras; el propio Cohen escribió e interpretó una canción titulada “Sisters of Mercy” en su álbum de debut, Songs of Leonard Cohen. Los otros grupos son considerados respectivamente como protopunk y punk. Sisters of Mercy comparten estas influencias con otros grupos de la que fue denominada primera ola de la música gótica.

A pesar de que la banda posee una considerable base de seguidores relacionados con la llamada subcultura gótica, The Sisters of Mercy se consideran a sí mismos ante todo y principalmente como una banda de rock. Aun así, no ha impedido que actúen con asiduidad en festivales centrados en este estilo. Además, The Sisters of Mercy fueron una importante influencia para los grupos pertenecientes a la segunda ola del rock gótico ya que fue la que más repercusión tuvo en esta generación. En un primer momento, al igual que los pioneros, rechazaban la etiqueta o estilo que les definían pero al poco fue aceptado comunmente en la época tanto por ellos como por las demás formaciones.

Historia
Fundación (1980)

La banda fue formada por Gary Marx y Andrew Eldritch, ambos asiduos del F-club de Leeds, Inglaterra. El motivo era el deseo de ambos de escucharse a sí mismos en la radio. Durante esa época se estamparon camisetas de la banda, se formó el sello Merciful Release, se grabó y publicó un sencillo, “The Damage Done”, con Gary Marx a la guitarra y Eldritch como batería.

El nombre de la banda fue inspirado por la película de Robert Altman “McCabe & Mrs. Miller” (1971), que incluía la canción de Leonard Cohen del mismo nombre, y su logotipo está inspirado en un libro clásico de anatomía, Anatomía de Gray.

Historia (1981-2008)

La banda se reorganizó, incluyendo a Craig Adams al bajo, mientras que Eldritch fue sustituido en la batería por una caja de ritmos, permitiéndole centrarse en las tareas vocales. Esta caja de ritmos fue bautizada como Doktor Avalanche, pero su nombre completo era en realidad Doktor Avalanche y el Coro de la Venganza. Todos sus numerosos sucesores mantuvieron este mismo nombre. Eldritch se encargaba de escribir las letras, programar la caja de ritmos y de las labores de producción, mientras que compartía con Marx, y ocasionalmente con Adams, la composición de la música.

Esta formación es generalmente reconocida como la primera encarnación de The Sisters of Mercy. Sus inicios están teñidos de oscura mitología: según la leyenda, la alineación Doktor/Eldritch/Marx/Adams actuaron en Leeds, Inglaterra, a comienzos de 1981. A pesar de esto, no puede asegurarse de que esto realmente ocurriese ya que en notas de la revista Melody Maker, citan a un tal Jon Langford como bajista del grupo. Con motivos históricos, sus seguidores han celebrado tradicionalmente el aniversario del concierto del 16 de febrero de 1981 en el Vanbrugh College, York, Inglaterra, la cual fue la segunda actuación de la banda con esta alineación.

Más tarde en 1981, Ben Gunn pasó a ser el segundo guitarrista después de que varios otros ocuparan este puesto. El tono de baritono de Eldritch, el bajo vibrante de Adam, el ritmo de Doktor Avalanche y la fluida guitarra de Gary Marx condujeron a la banda al éxito en los círculos “underground”.

Los singles de la banda aparecían de forma regular en las listas independientes del Reino Unido, algunos llegaron a ser single de la semana en varias revistas independientes del Reino Unido. John Ashton, de Psychedelic Furs, produjo el temprano clásico “Alice”. The Reptile House EP es otro ejemplo de los primeros trabajos de The Sisters of Mercy, mostrando a Eldritch como un letrista maduro, quien escribió, produjo y, supuestamente, tocó todos los instrumentos en esta grabación. Se rumorea que Richard Butler de Psychedelic Furs, un amigo de Eldritch, animó a éste a publicar el primero de los singles de los Sisters, “The Damage One”.

Sus actuaciones en directo incluían muchas versiones, entre otras, una mezcla consistente en el “Sister Ray” de The Velvet Underground, “Ghostrider” de Suicide y “Louie Louie” de Richard Berry que se convirtió en un obligado en sus actuaciones en directo. Tan sólo tres de estar versiones, “1969” de The Stooges, “Gimme Shelter” de Rolling Stones y “Emma” de Hot Chocolate fueron lanzados en las grabaciones de los Sisters, todos incluidos en caras B.

Después de varios singles, los Sisters of Mercy firmaron un contrato con la discográfica Warner Music Group, conocida como WEA(sólo para la distribución) y que ha producido a grupos como AC/DC, 10,000 Maniacs, The B-52’s, The Cure, Ramones y The Smiths, entre otros. De ahí en adelante los discos llevarían el número de la Merciful Release y el de WEA.

En esta misma época, Ben Gunn deja la banda en medio de una atmósfera de unánime descontento. Gunn afirmaba que no estaba de acuerdo con la dirección por la que Eldritch conducía a la banda, la cual, según Gunn, empezó como una broma disfrazada de rock’n’roll serio, pero que, eventualmente llegó a convertirse en tal. Gunn también mencionó conflictos personales con Andrew Eldritch como uno de los motivos para su partida de la banda.

A comienzos de 1984 se une a la banda el ex Dead Or Alive, Wayne Hussey y graban el ep “body and soul”, regrabando para éste el tema “Body electric”. Aparecen los singles “walk away” y “no time to cry”, adelantos de su primer lp pronto a salir en 1985. Por estos momentos el clima de la banda era insostenible ya que el álbum se grabó casi sin dirigirse la palabra entre los integrantes.

En febrero se edita su primer lp llamado “First and last and always”, que lleva la marca registrada del sonido de los Sisters. En marzo deja la banda Gary marx (quién luego formaría Ghost Dance), según el porque con Eldritch ya no miraban para el mismo lado. El 18 de junio filman el recital en el Royal Albert Hall, que luego sería editado en video como “Wake (choruses from under the rock)” que también será el último recital con esta formación de la banda. Cabe destacar que al final de este show, Eldritch en vez de despedirse con su usual “buenas noches”, lo hace con un “adiós”.

Durante las sesiones de grabación de lo que sería el segundo lp, Hussey y Adams dejan el grupo…

Más tarde Hussey y Adams forman un grupo y le ponen como nombre The Sisterhood, haciendo una gira con The Cult. Eldritch al enterarse de esto (y del posible uso del nombre para asemejarse a los sisters) registra el nombre y con ayuda de amigos como Alan Vega de Suicide y Patricia Morrison, graban en un tiempo increíble el ep “Gift” (regalo, pero que también en alemán significa, veneno).Al registrar el nombre, Hussey y cia. debieron pagarle a Eldritch la suma de 25000 libras esterlinas y cambiarle el nombre a su grupo por el de The Mission, aunque en Estados Unidos deben llamarse The Mission UK, porque allí ya existe una banda con ese nombre. El álbum “gift” empieza con la voz de Morrison diciendo: “two, five, zero, zero, zero” (dos, cinco, cero, cero, cero) en alusión al monto pagado por Hussey. En el run-out groove inscription del vinilo, del lado A, dice: “un regalo del rico frambuesita” y del lado B: “ahora quizás podremos dormir, no?”. Todo esto en burla hacia Hussey y cia.

En 1986, para la époce de “Gift”, Eldritch llama por teléfono a Patricia Morrison diciéndole: “- se me fue la banda…-“. Morrison se une a Eldritch y así empieza la segunda edad de Sisters Of Mercy. En 1987 sale el primer simple “This corrosion” un hit que hizo que hasta editen el álbum en Argentina. Más tarde sale el álbum llamado “Floodland” con un sonido más oscuro y muchas máquinas en el medio. Eldritch y Morrison participan de muchos programas de televisión, pero en esa época Sisters no tocaría en vivo. A “Floodland” le siguen dos simples más: “Dominion” (filmado en Jordania en el templo donde se filmó también “Indiana Jones y la última cruzada”) y “Lucretia my reflection” (filmado en la India). Los problemas empiezan denuevo cuando en 1989 Morrison deja a Eldritch y le inicia acciones legales reclamando que Eldritch le debía dinero por haber grabado “Floodland” (que se nota que lo hizo), porque no figura en los créditos y otros pagos por apariciones en tv. Eldritch a todo esto declaró que:”-ella nunca hizo nada ni grabó el álbum, sólo estaba para darle a los Sisters la imagen de “grupo”, jamás enchufó su bajo…-“. La resolución de la corte dio como ganador otra vez a Eldritch. Alguien dijo una vez:”-hay dos cosas que Andrew Eldritch nunca hace, una es grabar el mismo disco dos veces, y la otra es que nunca paga…-”

Todavía en 1989, y con Morrison, Eldritch recluta al joven guitarrista Andreas Bruhn y al guitarrista Tim Bricheno (ex All About Eve). Al irse Morrison, se recluta a Tony James (ex Sigue Sigue Sputnik). En 1990 sale a la luz el disco “Vision thing”. Vision… tiene un sonido más hard rock por la presencia de James y Bruhn. Sisters empieza a tocar en vivo otra vez y llegan hasta Brasil. Hacia 1992 la banda se empieza a ir de al lado de Eldritch. Sobre la relación Eldritch-James el primero declaró una vez: -” nuestra relación es como una bomba de tiempo, en cualquier momento puede estallar, y eso lo hace más emocionante…”- . Ese mismo año para promocionar la reedición de todos sus simples independientes en un sólo álbum llamado “Some girls wander by mistake”, se regraba el tema “temple of love” con la participación de la cantante judío-yemenita Ofra Haza. Ya para 1993 el resto de la banda se había ido…sólo quedó Bruhn para completar la gira, pero éste ya no era considerado parte de los Sisters. Ese mismo año para promocionar lo que sería un álbum de grandes éxitos a llamarse “A slight case of overbombing-greatest hits volume one”, con la participación especial de la cantante de Berlín, Terri Nunn, se graba un nuevo tema llamado “Under the gun”. En el simple de “under the gun” se incluye como lado B una reversión del tema “Alice”, que fuera grabado en 1983.

Años más tarde Eldritch se desvincularía de WEA, pero antes la discográfica le pidió que grabara un disco más porque era lo que faltaba del contrato. Eldritch grabó un disco, le puso de nombre “SSV” y le pidó a los fans que no le compren el disco a esos idiotas de la Warner. Pero Eldritch se encargó de que eso nunca pasara ya que grabó un álbum malísimo que la Warner no se atrevió a editar, pero que hoy en día se consigue en forma pirata.

Entra a la banda el guitarrista Adam Pearson, además de una guitarra más y una “enfermera” para el Doktor (Nurse to the Doktor, para que no tuviera problemas de programación en vivo), ya que el Doktor aprendió a tocar también el bajo.

En el 2006 salen de gira mundial y otra vez llegan hasta Brasil, además de editarse una caja simplemente llamada “Merciful Release” conteniendo los tres álbumes remasterizados, con temas extras y en digipack. A finales del 2008 comenzó una gira que los tendrá ocupados todo el 2009. En Marzo de 2012, inician su nueva gira latinoamericana por Brasil y Argentina.

Versiones

“No Time to Cry” ha sido interpretada por el grupo Cradle of Filth.
“Walk Away” ha sido interpretada por el grupo Paradise Lost.
“Temple of Love” ha sido interpretada por el grupo Crematory y Deadlock en su álbum Manifesto.
“This Corrosion” ha sido interpretada por los grupos: unheilig, In Extremo , Maryslim junto al cantante de The 69 Eyes y por el grupo japones SPEED-iD.
“More” ha sido versionada por el grupo Shaaman, en su álbum Reason, y por los Cycle
“Amphetamine Logic” ha sido interpretada por el grupo alemán ASP
“Lucretia (My reflection) ha sido interpretada por Kreator y Mekrokiev
“Marian” ha sido versioneada por el grupo francés de bossa nova Nouvelle Vague
“Alice” interpretada por el grupo Aleman Samsas Traum.

Integrantes

Andrew Eldritch
Ben Christo
Chris May

Ex Integrantes

Gary Marx (1980-1985)
Craig Adams (1981-1985)
Ben Gunn (1981-1983)
Wayne Hussey (1984-1985)
Patricia Morrison (1985-1989)
Andreas Bruhn (1989-1993)
Tony James (1989-1991)
Tim Bricheno (1990-1992)
Adam Pearson (1993-2005)
Chris Sheehan (1996,2000-2003)
Mike Varjak (1997-1999)
Dan Donovan (1990-1991)

Discografía
Albums
Título Fecha de grabación
First and Last and Always 1985
Floodland 1987
Vision Thing 1990
Some Girls Wander By Mistake
(Recopilatorio) 1992
A Slight Case of Overbombing
(Recopilatorio, Best of) 1993

Sencillos y EP
Año Título
1980 “The Damage Done”
1981 “Floorshow”
1982 “Body Electric”
1983 “Anaconda”
1983 “Alice”
1983 “Alice 12″”
1983 “The Reptile House EP”
1983 “Temple of Love”
1984 “Body and Soul”
1984 “Walk Away”
1984 “No Time to Cry”
1987 “This Corrosion”
1988 “Dominion”
1988 “Lucretia My Reflection”
1990 “More”
1990 “Doctor Jeep”
1991 “When You Don’t See Me”
1992 “Temple of Love (1992)”
1993 “Under the Gun”

Página de la banda.
Sister Of Mercy

Wiki no oficial de la banda

Fuente Wikipedia
Comentarios Jesús Garrido

I Am A Storm Of Musical Adrenaline (Junio) Ebm & Old Sckool By Sesions Chus (Jesús Garrido)


Quiero compartir con todos vosotros algo que marco en mi la manera de entender música y amplió en mi un necesidad de busqueda en post de un sonido contundente, preciosista, repetitivo, agresor y desenfrenado.
Esas visitas a Mana-Mana, Terapia, Theklas, Central-Rock, Límite y demás que ya ni recuerdo, de mi adolescencia, no eran tan solo de fiesta, amigos, drogas, alcohol.
También eran la única manera de aprender y disfrutar de la música muy minoritaria por aquellos tiempos la década de finales de los 80 inicio de los 90.
Todos tenemos cintas de alguna discoteca puntera de la zona levantina. Pocos las retuvimos en nuestra memoria.
En un ejercicio de memoria y la ayuda de facebook y youtube, he conseguido unir las que creo que son mis preferidas de la época. Son producciones techno, ebm, y old sckool.

Las guitarras chillonas las dejo para un próximo ejercicio de memoria ;.-))

Dos sesionazas que son continuación la una de la otra.
Deseando coincidir con la mayoría de mis elecciones musicales y excusándose por las que olvide.

Roxy Music


Creo que me perdonareis que el post sea de un grupo que se creo a mediados de los 70´s, ya que su música impregno y encauzo la música de los 70´s 80´s 90´s hasta nuestros días.
Un grupo que me gusta especialmente, tanto por sus grandes composiciones, como por los brillantes creadores surgidos de esta banda de sonido espectacular.
En inicio una mezcla de punk y música bailable tipo Disco de los 70´s, y en su climax un orgasmo sonoro lleno de sensualidad y adorabilidad por su música.
Bryan Ferry y Brian Eno son dos figuras enormes en la música del siglo XX. Seria de esperar que estas dos mentes lucidas y privilegiadas se anularan la una a la otra en una guerra por ser yo más que tú.
Pero la suma de sus talentos crearon una estrella musical capaz de iluminarlo todo con sensualidad, irreverencia e ironía.

Roxy Music es un grupo de glam rock y art rock del Reino Unido surgido en la primera mitad de los años setenta. La música de Roxy Music constituye una bizarra mezcla entre un pop irónico y la rebeldía tradicional del rock ‘n’ roll que se vio enriquecida por la teatral actividad de su vocalista Bryan Ferry, así como por las originales texturas del sintetizador de quien sería uno de los más rigurosos e innovadores pilares de la música actual: Brian Eno.

La combinación de experimentación, energía rockera, elementos futuristas y la personalidad de Ferry hizo que Roxy Music fuera muy influyente en una gran cantidad de artistas y géneros, especialmente el Disco, punk, New wave, New Romantic, synth pop y uno de los pioneros indiscutibles del Dance con la canción “Angel Eyes” del año 1979.

En el año 2004 la revista Rolling Stone los colocó en el puesto 98 de su lista 100 Greatest Artists of All Time











Historia
Primeros años

En el invierno entre 1970 y 1971, Bryan Ferry puso un aviso solicitando un teclista para colaborar con él y con Graham Simpson, un bajista que conocía de su banda The Gas Board, con la que interpretaba versiones de música soul. Andy Mackay respondió al aviso, aunque no era teclista sino saxofonista y clarinetista, pero tenía un sintetizador VCS3. Andy había conocido a Brian Eno en la universidad (ambos estaban interesados en la música avantgarde y electrónica). Al poco tiempo ambos se encontraron, y como Eno sabía tocar el sintetizador, Andy lo convenció para que se uniera a la banda. Luego de que Dexter Lloyd (un timpanista) dejara la banda, se unió a la banda el baterista Paul Thompson (en junio de 1971), y un tiempo más tarde Phil Manzanera se convirtió en el guitarrista, a través del acostumbrado anuncio en Melody Maker (Ferry llamó la atención de Manzanera por el texto del anuncio, en el que pedía “un guitarrista a lo Dick Tracy”).

El primer single de la banda fue «Virgina Plain/The Numberer» (1972), que llegó al cuarto puesto en las listas británicas. La banda logró mucha popularidad en su país y en el resto de Europa, pero en Estados Unidos sólo obtuvo buenas críticas y se convirtió en un grupo de culto. Su primer álbum, Roxy Music (1972), introdujo un sonido original y cercano al glam. Luego de la grabación del mismo, Simpson deja la banda y es reemplazado por John Gustafson. Tras grabar el segundo álbum, For Your Pleasure (1973), Eno deja la banda por diferencias creativas con Ferry (tras lo cual comienza una extensa e importante carrera solista y como productor) y es reemplazado por Eddie Jobson (teclista y violinista).
Sin Brian Eno

La partida de Eno consolidó el liderazgo de Ferry, aunque la banda perdió gran parte de su aspecto experimental (sin embargo el mismo Eno reconoció que el siguiente álbum de la banda, “Stranded”, fue el mejor de la misma), por lo que sonido de la banda se concentró en el aspecto más “elegante” y más “decadente”, y en las baladas y la voz de Ferry, de aquí saldría el single “Street Life” y un tema musicalmente muy novedoso para la época “Amazona”.

El siguiente álbum fue “Country Life” 1974 un disco con mucha más energía de cuerdas que el anterior, de aquí se desprenderían dos singles “All I want is You” y “The thrill of it all”. “Siren” salió en 1975 y produjo el primer hit de Roxy Music en Estados Unidos, “Love Is The Drug”; este álbum introdujo elementos más bailables y cercanos a la música disco. Tras la gira del mismo, la banda se disolvió temporalmente.

Pop y música de baile: 1979 – 1983

El grupo se reunió de nuevo para grabar Manifesto (1979) más convencional que los anteriores. De él se extrajeron dos sencillos: “Angel Eyes”, una de las canciones precursoras de la Dance Music, y “Dance Away”, que mostraba el nuevo pop que ofrecía la banda.

Flesh And Blood (1980) fue un álbum muy sensitivo marcado por su diversidad musical, con unas canciones que señalarían el derrotero de ciertas corrientes musicales de los 80, este álbum contenía los singles “Over You”, “The Same Old Scene” y “Oh Yeah”. En 1981 grabarían una versión del tema de John Lennon «Jealous Guy» a raíz del asesinato del mismo a fines del año anterior.

El álbum Avalon salió en 1982 y fue el último disco del grupo. Se basó en texturas atmosféricas de sintetizadores, en este disco están contenidos los singles “More than this” y la balada “Avalon”. La banda se separó en 1983.

Década de 2000

El grupo se reunió (sin Eno) en el año 2001 para salir de gira. Roxy Music apareció en el Live 8 y en el Festival de la Isla de Wight de 2005. Según un anuncio en la página oficial de Phil Manzanera, el grupo estaría grabando un nuevo álbum con la presencia de Brian Eno.

Además de Eno, varios miembros de Roxy Music tuvieron carreras solistas. Phil Manzanera grabó algunos discos y participó en álbumes de Eno y de Ferry. Mackay también tuvo una carrera solista, pero no tan importante como la de Ferry, quien grabó su primer álbum solista (“These Foolish Things”, un álbum de covers) en 1973.
Década de 2010

Graham Simpson, bajista original de la banda, falleció el 16 de abril de 2012, a los 68 años de edad.

Integrantes
Miembros principales

Bryan Ferry – voz, teclados.
Phil Manzanera – guitarra.
Andy MacKay – oboe, saxofón.
Paul Thompson – batería (desde 1971 hasta 1980 y desde 2001).
Brian Eno – sintetizadores (hasta 1973).
Graham Simpson – bajo (hasta 1972).
Eddie Jobson – sintetizador, violín (desde 1973 a 1976).

Miembros secundarios

John Gustafson – bajo (desde 1973 hasta 1976)
John Wetton – bajo (1974-1976)
Dexter Lloyd – batería (hasta 1971)
Roger Bunn – guitarra
Davy O’List – guitarra
Rik Kenton – bajo (desde 1972 hasta 1973)
John Porter – bajo (1973)
Sal Maida – bajo
Rick Wills – bajo
Paul Carrack – teclados (desde 1978 hasta 1980)
Andy Newmark – batería (desde 1980 hasta 1983)
Gary Tibbs – bajo (desde 1978 hasta 1980)
Alan Spenner – bajo (desde 1978 hasta 1983)
Guy Fletcher – teclados
Jimmy Maelen – percusión
Neil Hubbard – guitarra
Colin Good – teclados (desde 2001)

Discografía
Álbumes de estudio

“Roxy Music” (1972) – UK #10
“For Your Pleasure” (1973) – POP #193; UK #4
“Stranded” (1973) – POP #186; UK #1
“Country Life” (1974) – POP #37; UK #3
“Siren” (1975) – POP #50; UK #4
“Manifesto” (1979) – POP #23; UK #7
“Flesh And Blood” (1980) – POP #35; UK #1
“Avalon” (1982) – POP #53; UK #1

Álbumes en vivo

“Viva!” (1976) – POP #81; UK #6
“Musique/The High Road” (1983) – POP #67; UK #26
“Heart Still Beating” (1990).
“Live” (2003).

Recopilaciones

Greatest Hits (1977) – UK #20
The Atlantic Years (1973-1980) (1983) – POP #183; UK #23
Street Life: 20 Greatest Hits – POP #100
The Ultimate Collection (1988) – UK #6
The Best Of Roxy Music (2001) – UK #12
12 of Their Greatest Hits (2009)

Sencillos

“Virginia Plain” (Ago-72) – UK #4
“Pyjamarama” (Mar-73) – UK #10
“Do the Strand” (Jul-73)
“Street Life” (Nov-73) – UK #9
“The Thrill Of It All” (Oct-74)
“All I Want Is You” (Oct-74) – UK #12
“Love Is the Drug” (Sep-75) – POP #30; UK #2
“Both Ends Burning” (Dic-75) – UK #25
“Trash” (Feb-79) – UK #40
“Dance Away” (Abr-79) – POP #44; UK #2
“Angel Eyes” (Ago-79) – UK #4
“Over You” (May-80) – POP #80; UK #5
“Oh Yeah (On the Radio)” (Jul-80) – POP #102; UK #5
“Same Old Scene” (Nov-80) – UK #12
“In the Midnight Hour” (Dic-80) – POP #106
“Jealous Guy” (Feb-81) – UK #1
“More Than This” (Abr-82) – POP #102; UK #6
“Avalon” (Jun-82) – UK #13
“Take A Chance With Me” (Sep-82) – POP #104; UK #26
“The High Road” EP (Mar-83)
“Like a Hurricane” (1983)
“Love Is the Drug (en vivo)” (Oct-90)
“Love Is the Drug (Faithless mix)” (Abr-96) – UK #33

Fuente Wikipedia
Comentarios Jesús Garrido

Duran Duran


Todavia recuerdo tocata en tve1 y el estreno de wild-boys, toda un acontecimiento para un chaval en la pubertad.
Crearon moda, crearon estilo, y sobre todo crearon música para escuchar en cualquier situación/año/época.

Duran Duran es un grupo de rock britanico que personificó el movimiento del new wave en la década de los años 1980. Su reputación se basó en sus videoclips, en los que mostraban su estilo glamuroso y fashion. Fueron junto a Spandau Ballet una de las bandas con más éxito comercial del new romantic, así como un grupo líder en la «Segunda Invasión Británica» de los Estados Unidos conducida por la MTV. Son todavía identificados a veces como una banda con aires de la década de 1980 a pesar de seguir grabando treinta años después.

La banda ha vendido más de 100 millones de discos, y ha tenido 21 sencillos en la importante lista estadounidense Billboard Hot 100, y treinta en el Top 40 del Reino Unido (UK Singles Chart), incluyendo Planet Earth, Girls on Film, Rio, Hungry Like the Wolf, Save a Prayer, Come Undone, Is There Something I Should Know, The Reflex, The Wild Boys y la canción para la saga de James Bond, A View to a Kill. Dos Éxitos posteriores fueron Serious, Ordinary World, Come Undone y White Lines a principios de los 90, y Sunrise y What Happens Tomorrow en la década de 2000.

Tomando el nombre del villano “Dr. Duran Duran” de la película Barbarella del director Roger Vadim, la banda Duran Duran fue creada por los compañeros de colegio Nick Rhodes (teclados) y John Taylor (guitarra) con sus amigos Simon Colley (bajo, clarinete) y Stephen Duffy (voz). Después de un año Duffy y Colley dejaron el grupo, siendo reemplazados por el vocalista Andy Wickett y el baterista Roger Taylor. Tras grabar una demo o maqueta, John Taylor cambió de instrumento al bajo y el guitarrista John Curtis se unió al grupo, que dejó después de algunos meses. El grupo dejó un anuncio en la revista Melody Maker que llamó la atención de Andy Taylor, quien se convirtió en su guitarrista. Duran Duran tuvo problemas para encontrar vocalista luego de la ida de Wickett en 1979. Tuvo que pasar por varios antes de encontrar a Simon Le Bon.

Síntesis

Sus mejores canciones son: Ordinary World, Save a Prayer, Wild Boys, Come Undone, Hungry Like The Wolf, Rio. El grupo Duran Duran se formó en 1978, en la ciudad inglesa de Birmingham. Sus fundadores fueron Nick Rhodes (tecladista), John Taylor, Simon Colley (clarinetista) y Stephen Duffy (cantante y guitarrista). El nombre fue tomado de una película de ciencia ficción “Barbarella”, dirigida por Rogem Vadim y protagonizada por Jane Fonda. En 1979, Colley y Duffy son sustituídos por el cantante Andy Wicket y el batería Roger Taylor. Además, gracias a un anuncio aparecido en prensa, eligen a Andy Taylor como nuevo guitarrista de la banda. Poco tiempo después, Wickett es sustituído por Simon Le Bon, con lo que completaba la formación definitiva de Duran Duran.

















Historia
1978—1980: Comienzos

John Taylor y Nick Rhodes formaron la banda en Birmingham, Reino Unido en 1978, con la visión de unir la energía y actitud do-it-yourself de los Sex Pistols, los ritmos bailables de Chic, y el elegante estilo de David Bowie y Roxy Music. Otras influencias que ha mencionado la banda son Mick Ronson, The Clash, Japan, New York Dolls, Velvet Underground, Visage y Blondie. La banda tomó su nombre del villano “Dr. Duran Duran”, interpretado por Milo O’Shea en la película erótica de ciencia ficción de Roger Vadim Barbarella. Su primer cantante fue Stephen Duffy, que se marchó tras un año a liderar Tin Tin, The Lilac Time y más recientemente ha compuesto temas junto a Robbie Williams; el bajista original era Simon Colley. Varios baterías y guitarristas fueron puestos a prueba, así como un montón de vocalistas desde que Duffy dejó Duran Duran a principios de 1979.3

En 1981, Duran Duran estaba formada por Nick Rhodes, Simon Le Bon, y los Taylor: Roger, Andy y John (ninguno de ellos emparentados). Finalmente, el baterista Roger Taylor se unió a ellos en una fiesta (después de la cual John Taylor, al principio a la guitarra, se convirtió en el bajista). Andy Taylor se fue al sur desde Newcastle para una audición que vio en un anuncio, y Simon Le Bon fue recomendado para la banda por una ex-novia que trabajó en el Rum Runner, donde la banda ensayaba.4 Los dueños del club, los hermanos Paul y Michael Berrow, se convirtieron en los mánagers del grupo, y les pagaban como porteros, DJ’s y camareros cuando no estaban ensayando.

El auge del grupo fue considerado parte de la escena New Romantic, junto con otros grupos de música bailable como Spandau Ballet y ABC. A lo largo de 1980, grabaron dos demos y tocaron frecuentemente en locales de Birmingham y Londres. Se fueron de gira a finales de ese año con Hazel O’Connor, atrayendo la atención de la crítica y entró en una “guerra” para saber con cual de las mejores discográficas se iban.5 “Un cierto patriotismo” les acercó hacia el sello de The Beatles y los llevó a fichar por EMI en diciembre. Sobre lo cual Nick Rhodes dijo en una entrevista en 1998 para la revista Deluxe, que la banda había sido “horrorosamente timada”.6

Como Depeche Mode, Duran Duran estuvieron entre las pioneras en hacer sus propias remezclas. Antes de la era de los sintetizadores digitales y el “sampling”, crearon arreglos complejos y de múltiples capas en sus singles, a veces grabando diferentes y extensas interpretaciones de sus canciones de estudio. Estas versiones bailables estaban generalmente disponibles en discos de vinilo, como singles en “caras B” a 45 rpm o en singles de 12 pulgadas, hasta el lanzamiento del recopilatorio Night Versions: The Essential Duran Duran en 1998.

Desde los comienzos, la banda ha tenido un marcado sentido del estilo, y trabajó con el estilista Perry Haines y diseñadores como Kahn & Bell y Antony Price para construir una imagen de elegancia, pronto yendo más allá de los bajos de campana y las fajas del look pirate-flavoured del New Romantic. Podían haber sufrido los excesos del típico peinado cargado de laca de los años 1980, pero han mantenido una imagen de publicidad de la moda como parte de la evolución a través de su historia. En los 90, trabajaron con Vivienne Westwood, y en la nueva etapa con Giorgio Armani (uno de los anuncios de la banda adoptó la frase “Los estilos cambian, el estilo no”). Además mantuvieron el control creativo de la presentación visual de la banda, y trabajaron estrechamente con el diseñador gráfico Malcolm Garrett y muchos otros durante años para crear cubiertas, programación de las giras, y otro material.7

Las revistas de música y para adolescentes del Reino Unido rápidamente se apegaron a su buena apariencia, y pronto sucedió lo mismo en los Estados Unidos; rara vez pasaba un mes a principio de los años 1980 en el que no hubiese al menos una foto de los integrantes del grupo en revistas de adolescentes como Smash Hits o Tiger Beat, a pesar de que la empalagosa cobertura contradecía a los titilantes videos de la banda y las a veces oscuras letras. Ayudó que cada miembro tuviera una imagen y personalidad distintiva. John Taylor una vez afirmó que la banda era “como una caja de bombones Quality Street; todos son los favoritos de alguien” – un efecto que actualmente es planeado estratégicamente en las boy bands. Duran Duran más tarde lamentaría esta excesiva exposición temprana, pero en ese momento les ayudó a obtener la atención que necesitaban.
1981–1982: El lanzamiento

El primer álbum del grupo, Duran Duran, fue lanzado en 1981. El primer sencillo, “Planet Earth”, llegó al Top 20 británico, en el puesto 12. El siguiente single, “Careless Memories”, se estancó en el número 37. Sin embargo, fue su tercer single, “Girls On Film”, el que les consiguió más atención. La canción llegó al quinto puesto en el Reino Unido, antes de que su notorio video fuera rodado. El video (que mostraba mujeres haciendo topless y luchando en lodo, entre otras representaciones de fetiches sexuales) fue hecho por el dúo de directores Godley & Creme (ambos ex-miembros del grupo 10cc), y fue rodado en agosto.8 Esto ocurría justamente dos semanas antes de que la cadena de televisión MTV fuera lanzada en los Estados Unidos9 y antes de que se supiera el impacto que ese canal de música iba a tener en la industria. La banda esperaba que el video fuera mostrado en los nuevos locales nocturnos que tenían pantallas de video, o en canales de pago de televisión como el de Playboy. Kevin Godley habla sobre esto: “Los mánagers de Duran Duran nos dijeron muy claramente que hicieramos un video sensual, erótico, básicamente pensado para ser exhibido en clubes, sin ningún tipo de censura”.8 El video creó un gran tumulto, y fue prohibido por la BBC y fuertemente editado por MTV. La banda disfrutó la controversia. El álbum llegó al tercer puesto de las listas británicas. Adam Ant y Spandau Ballet eran artistas rivales clave en ese momento, luchando en las listas contra Duran Duran.

Gracias a los videos, la banda se convirtió en un gran éxito en Australia sin hacer ninguna gira o promoción en ese país. El single “Planet Earth”, llegó al primer lugar de las listas australianas, y el álbum también tuvo un respetable éxito.

Más tarde en el añó 1981, la banda comenzó su primera gira por locales norteamericanos, seguido por más fechas en Alemania y el Reino Unido. Esta segunda gira británica coincidió con una ola de disturbios causados por el desempleo y las tensiones raciales, incluyendo los de Moss Side y Toxteth; tocaron en una inquietantemente tranquila Birmingham el día después de los “disturbios de Handsworth”. A fin de 1981 se lanza el single “my own way”con un arreglo de cuerdas,que no fue muy bien acogido en las listas,la misma banda pidió una tirada pequeña de la edición,no obstante,fue un paso adelante y el tema se volvió a grabar en una versión diferente para el álbum “Rio” Duran Duran comenzó a recibir reconocimiento fuera de su país en 1982. En mayo editaron su segundo álbum, Rio, que tuvo cuatro singles en el Top 20 británico,”My Own Way”, “Hungry Like the Wolf”, “Save A Prayer”, y la canción titular. Una gira por Australia, Japón, y los EE.UU. fue seguida por una pequeña serie de presentaciones como teloneros de Blondie durante la última gira norteamericana de esa banda. Diana de Gales, declaró a Duran Duran su banda favorita, y la banda fue denominada “The Fab Five” por la prensa británica.10 Este mote parece estar directamente relacionada con el mote de “The Fab Four” que se le puso anteriormente a The Beatles.

Sin embargo, Rio no tuvo tanto éxito inicialmente en los Estados Unidos. EMI había promocionado a Duran Duran en el Reino Unido como una banda de New Romantic, pero ese género no era tan conocido en los EE.UU., y Capitol Records (la rama norteamericana de EMI) no sabía como promocionarlos.Después de que Carnival (un EP con remixes de canciones de Rio) se volviera popular entre los DJs, Capitol hizo que gran parte del álbum fuera remezclado por David Kershenbaum. Solo después de que fue relanzado en los EE.UU. en noviembre, promocionado como un álbum de música bailable, Rio comenzó a escalar las listas norteamericanas, seis meses después de su éxito europeo. MTV emitió el vídeo de “Hungry Like the Wolf”, y más tarde otros vídeos del grupo, en rotación haciendo que la misma y “Rio” entraran a los veinte primeros puestos de las listas de ese país en 1983. La balada “Save A Prayer” también fue exitosa. Finalmente, el álbum alcanzó el sexto lugar en ese país, y siguió en esa lista por 129 semanas – casi dos años y medio. En 2003, Rio fue ubicado en la puesto 65 de la lista de los “100 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos” de la revista NME.
1983–1985: En la cima del mundo

Duran Duran comenzó en 1983 tocando en el “New Year’s Eve Rock ‘n’ Roll Ball” de MTV, con “Hungry Like The Wolf” aún subiendo en las listas de Estados Unidos, y la reedición del single “Rio” siguió en marzo. Para satisfacer a la nueva demanda estadounidense,4 la banda decidió relanzar su álbum homónimo en ese país a mitad de año y además agregó el nuevo sencillo “Is There Something I Should Know?” en reemplazo del tema “To The Shore” de la edición original. Esta canción llegó al primer puesto de las listas británicas (por primera vez en su país natal), y al cuarto en las norteamericanas. A la vez se lanzó al mercado un video de larga duración titulado “colección de los primeros once videos” que contenía los singles de los dos primeros albums, el nuevo single, más tres nuevos videos dirigidos por Russell Mulcahy de las canciones “Nigth Boat”, “Lonely in Your Nightmare” y “The Chauffeur” no lanzados como singles. Durante la promoción de este material, Rhodes y Le Bon aparecieron como invitados en un programa de VJ (presentador de TV), durante el cual el artista y admirador Andy Warhol apareció en el mismo para saludarlos. Una sesión de firma de autógrafos en Times Square se descontroló tanto que la policía montada tuvo que controlar a la multitud.3 11 La histeria de sus fans adolescentes los acompañó a todos los lugares a los que iban, lo que fue comparado con la beatlemanía.

También en 1983, el teclista Nick Rhodes produjo el hit “Too Shy” (que llegó al primer lugar de las listas) para la banda britanica Kajagoogoo, y Andy Taylor se convirtió en el primer miembro del grupo en casarse. Los principales rivales del grupo eran ahora Culture Club y Wham!

Duran Duran volvió a componer en una finca francesa en mayo de 1983, para evitar el pago de impuestos, antes de volar hacia Montserrat y luego Sídney para grabar y mezclar su tercer álbum. La banda tenía una enorme presión para crear el sucesor del exitoso Rio, y el proceso de grabación les llevó más de seis meses ya que varios miembros atravesaron diversos ataques de perfeccionismo e inseguridad.12 Un nuevo estilo de vida decadente y el abuso de sustancias también causaron algunos problemas. En el documental Extraordinary World, grabado una década después, Rhodes describió el efecto en su sonido como “histeria levemente controlada, arañando por debajo de la superficie”.13

Finalmente, a fines de 1983, la banda lanzó Seven and the Ragged Tiger, que incluía los éxitos “Union Of The Snake”, “New Moon On Monday” y “The Reflex”; Duran Duran entonces tuvo hits de tres álbumes en un mismo año. Su decisión de lanzar el video de “Union of the Snake” en MTV una semana antes de que el single fuera lanzado para las radios causó una reacción importante, en una época en que la industria temía que el videoclip realmente matara a la “estrella de radio”.

La banda se embarcó en una gira mundial masiva durante los primeros cuatro meses de 1984. La banda era seguida muy de cerca por un equipo liderado por el director Russell Mulcahy. El documental resultante se denominó Sing Blue Silver y estuvo acompañado por secciones de video del concierto Arena. Además, muestra tanto las presentaciones del grupo como el trabajo realizado para llevarlas a cabo, al igual que diversos momentos no relacionados a las mismas en que se ve a la banda con problemas en los viajes, haciendo bromas, visitando lugares de interés turístico, y al bajista John Taylor declarando, en una reunión con ejecutivos de los patrocinantes principales de su gira, Coca Cola, que prefería consumir Pepsi.

El álbum en vivo Arena fue grabado durante esa misma gira, y fue lanzado junta al nuevo single de estudio “Wild Boys”, que llegó al segundo puesto en las listas de EE.UU. y el Reino Unido. En febrero de 1984, aparecieron en la portada de la revista Rolling Stone, y ganaron dos premios Grammy en dos nuevas categorías de videos. Cuando concluyó la gira, Roger Taylor se casó en Nápoles, Italia, y Nick Rhodes en Londres, siendo en este caso famoso por la vestimenta que llevaba en la ceremonia.14

Durante ese año, Duran Duran comenzó un largo descanso; sin embargo, como la mayor parte del grupo se quedó en Londres y estaban activos en círculos de celebridades, la banda nunca se alejó de los tabloides.

A fin de año, el grupo participó en el single a beneficio de Band Aid, “Do They Know It’s Christmas?” junto a otras celebridades como George Michael, Boy George, Bono, Paul Weller, Paul Young y Sting.
1985: La banda se divide

En 1985, Duran Duran seguía descansando de su agitado estilo de vida, pero las diferencias creativas comenzaron a dividir a los integrantes en dos bandas distintas.

John Taylor y Andy Taylor querían alejarse del rock a base de sintetizadores del grupo, y querían tocar material más cercano al hard rock de Led Zeppelin, por lo que se unieron a Robert Palmer y a Tony Thompson, baterista de Chic, para formar el supergrupo llamado The Power Station. Su álbum Power Station llegó al sexto puesto de las listas norteamericanas y generó tres singles que llegaron al Top 40: “Communication”, “Some Like It Hot”, y el cover de T. Rex “Get It On (Bang a Gong)”, con estos últimos dos llegando a los 10 primeros lugares.

Simon Le Bon y Nick Rhodes más tarde formaron su propio proyecto alternativo a Duran Duran, Arcadia. A diferencia de Power Station, Arcadia se dedicó a explorar el aspecto atmosférico del sonido de Duran Duran. Roger Taylor fue el principal baterista de Arcadia, pero también aportó parte de la percusión del álbum de Power Station. So Red The Rose de Arcadia llegó al puesto 23 de las listas, e incluyó el exitoso single del Top 10 “Election Day”.

Duran Duran nunca fue el mismo grupo tras el fin de este período sin actividad. Los otros dos proyectos tenían estilos musicales muy diferentes, que cambiaron drásticamente la imagen de los integrantes de la banda. Andy y John Taylor dejaron crecer su pelo del mismo modo que otras bandas norteamericanas de hard rock, mientras que Le Bon, Rhodes, y Roger Taylor comenzaron a usar un estilo proto-gótico a base de pelo oscuro teñido y mucho maquillaje.

Como resultado, la imagen de la banda estaba desprestigiada cuando se volvieron a juntar para aportar la canción titular de la banda sonora de la película de James Bond de 1985 llamada A View to a Kill. Este single sigue siendo el único de cualquier película de James Bond en llegar al primer lugar de las listas norteamericanas, y el que más alto llegó en las listas británicas (llegando al segundo lugar). La canción fue acompañada por un irónico video de “espías” que mostraba a la banda correteando por la Torre Eiffel. Al final del video el cantante se presentaba como “Bon. Simon Le Bon.”

En el concierto de ayuda Live Aid, el 13 de julio de 1985, Duran Duran se presentó ante 90.000 espectadores (y aproximadamente 1.500 millones de telespectadores) en el JFK Stadium en Filadelfia. No se pretendía que esta fuera una actuación de despedida. La banda planeó tomarse un descanso después de cuatro años de giras y apariciones públicas constantes. Pero los componentes originales no tocarían de nuevo juntos hasta julio de 2003. Con la “canción Bond” manteniéndose en el número 1, la banda sufrió los efectos de la prensa del corazón ya que, su actuación en el Live Aid se convirtió en infame por el imperceptible error de Le Bon entonando un “falsetto” en los coros de “A View To A Kill” que más tarde el propio cantante describiría como uno de los momentos más humillantes de su carrera.15

Durante los siguientes años, Le Bon se aficionó al deporte de la vela. De nuevo captó la atención de la prensa cuando su gran yate Drum volcó en agosto de 1985 en la Fastnet race, quedando atrapado él durante más de una hora bajo el casco. Fue a participar también en 1986 a la Whitbread Round the World Race. A finales de 1985, se casó con la modelo Yasmin Parvaneh.
1986–1991: Éxito decadente

Después de Live Aid y el grupo Arcadia, el siempre tímido batería Roger Taylor, cansado del frenético estilo de vida de Duran Duran, se retiró a la campiña inglesa con el permiso de la banda. El guitarrista Andy Taylor, por otro lado, hizo creer a la banda en un retorno al trabajo para un nuevo álbum de Duran Duran incluso cuando él estaba firmando un contrato discográfico para una carrera en solitario en Los Angeles. La banda finalmente recurrió a medidas legales para volver al estudio de grabación, pero después de numerosos retrasos, dejaron el asunto. Solo tocaron unas canciones en el disco Notorious; el productor (y ex-guitarrista de Chic) Nile Rodgers tocó la guitarra en muchas de las canciones mientras las diferencias eran arregladas.16

En 1986 Duran Duran se reduce a un trío: Rhodes, John Taylor y Le Bon. Finalmente, en septiembre de 1986, Warren Cuccurullo (antiguo miembro de Missing Persons y del grupo de gira de Frank Zappa) fue contratado como guitarrista sustituto. Con Le Bon, Rhodes, y John Taylor, grabó el resto del álbum Notorious, lanzado en octubre de 1986. Aunque la canción que daba título al trabajo alcanzó el nº2 en Estados Unidos, la banda llegó a la conclusión de que habían perdido muchos de los grandes momentos que habían abandonado en 1985. La música era más funky, más madura y menos pop y muchos de sus fans adolescentes habían crecido mientras no habían estado presentes.

Consecuentemente, la fama de Duran Duran decayó, al intentar escapar de su imagen de ídolos de adolescentes y obtuvieron un éxito más criticado con música más compleja y menos segura en sí misma. Según la revista Rolling Stone “en su búsqueda por la madurez musical, los restantes componentes de Duran Duran han perdido gran parte de su identidad.”17 Otro factor fue el despido por parte de la banda de sus representantes, los hermanos Berrow. No hubo ningún motivo, pero se sospecha que tuviera algo que ver con problemas económicos y la inclusión de los Berrow en los asuntos náuticos de Le Bon (eran co-propietarios del Drum).18 Cualquiera que fuera la razón, Duran Duran no tuvo una gestión solvente a lo largo del final de su carrera, cambiando de mánager asiduamente y atravesando períodos de autogestión. Además, EMI (que despidió a su presidente y atravesó una gran reestructuración ese verano) pareció perder interés en promocionar al grupo.19 Muchos fans eventuales nunca se enteraron que la banda había lanzado nada desde Notorious y pensaron que la banda se había disuelto.

El siguiente álbum Big Thing (1988) incluía los singles “I Don’t Want Your Love”, “Do You Believe In Shame?” y “All She Wants Is” (el último Top 10 en Reino Unido). El disco fue muy experimental, tomando inspiraciones de música house y mezclándola con el característico pop cargado de sintetizadores de Duran Duran y letras más maduras. También incluyó el sello notable de Cuccurullo y un trabajo con la guitarra muy creativo. El álbum produjo reacciones contradictorias tanto entre los fans como la crítica. En abril de 1989, después de 6 meses de intensa gira con Big Thing, Cuccurullo y el batería de la giras Sterling Campbell se integraron completamente en Duran Duran.20

Un álbum de grandes éxitos llamado Decade: Greatest Hits fue lanzado a finales de 1989, junto con la remezcla de un single titulado “Burning The Ground” que consistía en un collage de partes de los éxitos de la banda de la última década. El single recibió alguna crítica, pero el álbum se convirtió en otro de los más vendidos del grupo.

Sin embargo, el tibio álbum Liberty, de 1990, (un retroceso en cuanto a experimentación en comparación con Big Thing) no logró capitalizar el impulso que habían recobrado – algo que a la banda le sucedería regularmente en los siguientes años. El álbum llegó a los diez primeros puestos en ventas en el Reino Unido, pero cayó rápidamente. Los singles “Violence of Summer” y “Serious” solo fueron moderamente exitosos, y el discreto soft rock con elementos de R&B del álbum no podía competir con artistas contemporáneos como Alice in Chains y Jane’s Addiction, cuando Nirvana, Pearl Jam y la revolución grunge estaba por comenzar. Por primera vez, el grupo no salió de gira para promocionar un álbum, tocando solo un puñado de fechas en clubs y en varios programas televisivos.21

Sterling Campbell dejó la banda a comienzos de 1991, yéndose a trabajar con Soul Asylum y David Bowie. Al final de ese mismo año, John Taylor (con 31 años entonces) se casó con la modelo y actriz de 19 Amanda De Cadenet, quien ya estaba embarazada de su hijo.
1992–1996: Vuelve el éxito y otra caída

Al principio de la década de los 90, el auge de Internet impulsó el resurgir de la popularidad de Duran Duran. Muchos de los antiguos fans del grupo lo redescubrieron a través del disco Usenet y creció el número de listas de correo y webs del grupo, empezándose a descargar los álbumes que se habían perdido. Esto derivó en una notable y leal comunidad de fans, manteniendo al menos una docena de listas de correo activas y sobre 65 000 páginas de fans (como en 2005).

En 1993, la banda sacó un segundo disco homónimo; Duran Duran, este trabajo es conocido informalmente como The Wedding Album (por el trabajo artístico de portada de Nick Egan que incluía fotos de las bodas de los padres de los miembros de la banda) para distinguirlo del lanzamiento de 1981. El rápido éxito comercial y de crítica de este álbum (nº4 en el Reino Unido, nº7 en Estados Unidos) fue una sorpresa para muchos que consideraban que Duran Duran eran un fenómeno de adolescentes que había caído ya en el olvido. Ello dependió de dos singles: “Ordinary World” fue llevado a las emisoras meses antes que lo planearan por la demanda de los oyentes, y les llevó a ganar el prestigioso galardón Ivor Novello a la mejor composición.22 Alcanzó el número 3 de las lista estadounidenses, y el 6 en el Reino Unido. “Come Undone” era un número ajustado escrito principalmente por Cuccurullo, con un video memorable “bajo el agua”, que llegó al séptimo lugar en los EE.UU. y al 13 en el Reino Unido. Tanto la banda como la compañía discográfica fueron sorprendidas, y el bajista John Taylor, que estaba considerando dejar el grupo, aceptó quedarse (no toca el bajo en “Come Undone”). La gira más grande de la historia de la banda, que incluyó visitas al Medio Oriente, Sudáfrica y América del Sur, se detuvo tras siete meses cuando Le Bon sufrió un problema en sus cuerdas vocales. Tras seis semanas de recuperación, la gira siguió intermitentemente por otros cinco meses, incluyendo presentaciones en Israel, Tailandia, e Indonesia.

Sin embargo, la recuperación de la banda fue de nuevo frenada, esta vez por el pobremente recibido álbum de versiones Thank You. El álbum comenzó como un sentido homenaje a las bandas que les habían influido, al estilo del Pin Ups – de Bowie. Algunas de las canciones fueron grabadas en estudios prestados (como el Paisley Park de Prince) mientras la banda estaba de gira, y con la intención de tener un álbum listo para publicar justo después de terminar la gira. El baterista original Roger Taylor incluso retornó de su retiro para participar en varias canciones. Sin embargo, los conflictos dentro de la banda y entre la banda y Capitol/EMI provocaron continuos retrasos; las mezclas fueron rehechas varias veces, y, cuando el disco finalmente salió a la calle en 1995, el entusiasmo de la banda por apoyar este disco había casi desaparecido.

Los singles de Thank You incluyeron versiones de “White Lines” de Grandmaster Flash & the Furious Five (con participación de los artistas originales) y “Perfect Day”, de Lou Reed. En una entrevista incluida en el kit de prensa del álbum, Reed comentaba que consideraba que la versión de Duran Duran era la mejor versión que jamás alguien había realizado a alguna de sus canciones. La canción que daba título al álbum fue también incluida en 1995 en el disco homenaje a Led Zeppelin Encomium. Aun así, las críticas arreciaron sobre los intentos de la banda en “911 Is A Joke”, “Lay Lady Lay”, “Ball of Confusion” y “Crystal Ship”. La banda realizó una gira de verano en 1995 en la que participó en festivales de emisoras de radio sólo por coacción.

Después de terminar aquella gira, John Taylor cofundó el sello B5 Records y grabó un disco en solitario. También fundó y se fue de gira con el supergrupo Neurotic Outsiders junto a los ex-miembros de Guns N’ Roses y The Sex Pistols. Incluso inició una reunión de Power Station, pero el proyecto continuó sin él cuando tuvo que renunciar para centrarse en su divorcio de De Cadenet y rehabilitarse de su larga adicción a la cocaina. Finalmente, tras luchar durante meses por grabar el siguiente álbum Medazzaland, en enero de 1997 Taylor anunció en una convención de fans de la banda que dejaba el grupo “definitivamente”.23 Su marcha redujo la banda a dos de sus miembros originales (Le Bon y Rhodes) junto a Cuccurullo. El trío decidió continuar y seguir grabando bajo el nombre Duran Duran.
1997–2000: Hacia adelante

Liberados de algunos conflictos internos de composición musical, la banda volvió al estudio para reescribir y regrabar varias de las canciones de Medazzaland. (El trabajo de Taylor únicamente quedó en 4 canciones). El álbum fue una vuelta a la experimentación de Big Thing, con texturas intrincadas de guitarras y voces “procesadas”. La canción “Out of My Mind” fue utilizada como tema principal de la película El Santo, pero el único single auténtico publicado en EE.UU. fue el estrafalario “Electric Barbarella”. Fue el primer single de la historia vendido online,24 descargándose a 99 céntimos por Internet. El video, en el que aparecía un sexy robot comprado y accionado por los miembros de la banda, tuvo que ser censurado antes de aparecer en la MTV, aunque con menos de la controversia que rodeó a “Girls On Film”. “Electric Barbarella” alcanzó el puesto puesto 52 en EE.UU. en octubre de 1997.

El grupo participó en el Concierto Homenaje a la Princesa Diana el 27 de junio de 1998 por expreso deseo de su familia.25

A pesar de que Medazzaland fue publicado en EE.UU. en octubre de 1997, el álbum jamás fue publicado en el Reino Unido. Esto fue debido en parte al escaso interés por el grupo, pero también por políticas del sello discográfico, algunas de las cuales empujaron a Duran Duran a hacer que “Electric Barbarella” estuviera disponible como descarga en Internet antes de que el single fuera publicado en los cauces habituales (otro intento para estar al frente de los cambios tecnológicos). “Electric Barbarella” sería extraído como single publicado más tarde en el Reino Unido como single del disco recopilatorio de 1998 Greatest y llegó al puesto 23 del Reino Unido en enero de 1999.

Duran Duran rompió relaciones con Capitol/EMI en 1999; el sello ha utilizado desde entonces el catálogo pasado de Duran Duran para lanzar sus propios recopilatorios de remixes y de rarezas y caras B (únicamente disponibles en vinilo).

Por aquel entonces, la banda firmó un corto acuerdo con el sello de Disney Hollywood Records por el que se comprometían a publicar 3 discos, pero que finalmente sólo incluyó el pobremente recibido álbum Pop Trash en 2000. El disco fue considerado como una rareza en la carrera del grupo,26 ritmos lentos, ciertos sonidos heavies, hasta con una influencia de grunge en la canción “Last Day On Earth”. Tomó el nombre del la canción “Pop Trash Movie”, escrita originalmente por Rhodes y Cuccurullo para un álbum de reunión de Blondie. Aunque el disco incluía los sobresalientes “Playing with Uranium” y “Last Day on Earth,” la complicada producción de Rhodes y la composición y experimentación con las guitarras de Cuccurullo no terminaron de enganchar con el público, y el disco terminó por funcionar mal en las listas de éxitos. El single “Someone Else, Not Me”, apenas aguantó dos semanas en la radio. Este single destacó por ser el primer video producido enteramente con animación de Macromedia Flash.
2001–2005: Un reencuentro adelantado

En el año 2000, Le Bon tuvo un acercamiento a John Taylor con la idea de reformar de nuevo la composición original del grupo. Se pusieron de acuerdo, y después de terminar la gira de Pop Trash, informaron, parece ser que por carta, a Cuccurullo de que estaba fuera del grupo.27 En mayo de 2001, Cuccurullo anunció en su página web de que dejaba Duran Duran para trabajar de nuevo con su banda de los 80’s Missing Persons. Este anuncio fue confirmado al día siguiente por la página web de Duran Duran, seguido por la noticia un día después de que John, Roger y Andy Taylor volvían al grupo. Para finalizar algunos compromisos, Cuccurullo tocó en 3 conciertos de Duran Duran en Japón en agosto de 2001, dejando su puesto en la banda.

A lo largo de 2002 y 2003, la banda trabajó en la composición de nuevo material. Alquilaron una casa en St. Tropez para trabajar en su primera reunión “seria” de composición. Entonces regresaron a Londres para trabajar (pagando de su propio de bolsillo) con varios productores (incluyendo su viejo amigo Nile Rodgers), mientras buscaban un nuevo sello discográfico. Al principio fue difícil encontrar un sello que quisiera tomar el riesgo por la vuelta del grupo, así que Duran Duran decidió explotar la vía de la reunificación de la banda. La respuesta de los fans y los medios fue mayor de la que cualquiera esperaba.

Primero, la banda tocó una serie de conciertos de 25 Aniversario en julio de 2003. Las entradas para los conciertos se agotaban en minutos, y los famosos acudían en masa a los conciertos en locales pequeños en los que la banda había tocado en su primer viaje a EE.UU.: The Roxy Theatre en Los Angeles y en The Ritz (ahora Webster Hall) en Nueva York.

En agosto, la banda apareció como presentadores en los Premios MTV Video de 2003, siendo sorprendidos por un premio a toda su carrera. También la revista Q Magazine les dio un premio a toda su carrera en octubre, y el premio por su Contribución en los premios Brits en febrero de 2004.28

Este camino iniciado por la banda tuvo su momento álgido con un tour con las entradas agotadas en 25 ciudades de 2005, seguido de varios conciertos en estadios en Australia y Nueva Zelanda con Robbie Williams. La banda también actuó en un concierto completo en una privada Tailgate Party en la Super Bowl XXXVIII; su interpretación de “Wild Boys” fue retransmitida a millones de personas en el show de antes del partido.

Duran Duran celebraron su vuelta a casa al Reino Unido con 14 fechas en estadios en abril de 2004, incluyendo 5 conciertos con todas las entradas agotadas en el Wembley Arena. La prensa británica, normalmente hostil con la banda, recibió con buenas críticas estos conciertos.29 Duran Duran continuaron con sus conciertos, con teloneros como Scissor Sisters y Goldfrapp.

Al final, con más de 35 canciones escritas, la banda firmó un contrato por 4 discos con Epic en junio, y terminaron el nuevo disco llamado Astronaut, producido por Don Gilmore. El álbum fue publicado en octubre de 2004 y entró a las listas del Reino Unido al número 3 y al 17 en las listas de EE.UU.; el primer single fue “(Reach Up For The) Sunrise”. En noviembre, “Sunrise” alcanzó el número uno en las listas de Baile de Billboard en EE.UU., así como el 5º puesto en las listas de singles del Reino Unido. Este fue el puesto más alto alcanzado por Duran Duran desde que “A View To a Kill” fue publicado en 1985. Un segundo single, “What Happens Tomorrow”, debutó con un décimo primer puesto en febrero.

En febrero de 2005, el grupo comenzó una gira mundial por Norteamérica, Europa y Japón, seguida de una segunda vuelta por Norteamérica. El 2 de julio de 2005, Duran Duran encabezó el concierto masivo Live 8 en el Circo Máximo de Roma. Fueron unas de las pocas bandas que tocaron tanto en el Live 8 como en el Live Aid de Bob Geldof de 20 años atrás.

A comienzos de noviembre, Duran Duran lanzó al mercado “Duran Duran: Live in London” extraído de la gira británica en 2004. Tocaron 5 fechas consecutivas en el Wembley Arena, vendiendo todas las entradas muy rápidamente; el video fue grabado en los dos últimos días. Este es el primer video completo en directo que ha aparecido de la banda (“Arena” era un video sin más y “As the lights go down” era sólo un video promocional).

En diciembre, la gira de dos años de duración de Astronaut concluyó con una mini-gira de 9 fechas en Argentina (Personal Fest), tocando ante 50.000 personas y luego unas fechas mas en Europa.
2006-2008: Partida de Andy Taylor y Red Carpet Massacre

A principios de 2006, Duran Duran hicieron una versión de la canción de John Lennon, “Instant Karma”, para una campaña de Amnistía internacional para conmemorar el 25 aniversario de la muerte de Lennon, además de tocar en dos grandes eventos como son: Los Premios Nobel y las Olimpiadas de invierno de 2006 en Turín. Después de un par de semanas escribiendo canciones en California, la banda comenzó a trabajar con el productor Michael Patterson en Londres, durando esto varios meses. Así, al poco tiempo dijeron tener ya quince temas nuevos casi terminados para su nuevo álbum, que se iba a llamar Reportage, aunque después se estuvo meses sin saber nada al respecto. En septiembre, la banda tuvo reuniones con Justin Timberlake y el productor Timbaland para una colaboración y pronto tuvieron tres temas acabados con el productor, incluyendo un dueto con Justin Timbarlake.30

El 25 de octubre de 2006, Andy Taylor marchó del grupo por segunda vez. En un comunicado oficial en su página web, Duran Duran dijeron que había habido problemas de entendimiento y que se separaban definitivamente. Dominic Brown, que había girado ya con el grupo, se hizo cargo de las guitarras y sigue con ellos hasta el día de hoy.31 Después de la marcha de Taylor, la banda decidió empezar de cero con un nuevo álbum que incluía las pistas grabadas con Timbaland, siendo Brown el guitarrista.

En julio de 2007 la banda tocó en dos ocasiones en el Estadio del Nuevo Wembley, en el Concierto para Diana y el el Live Earth. El 25 de septiembre salió a la venta en itunes la canción a duo con Timberlake, y la banda anunció que iban a tocar nueve conciertos en Broadway para presentar su nuevo álbum Red Carpet Massacre.

En mayo de 2008 hicieron gira norteamericana con Your Vegas como teloneros.

En junio de 2008, tocaron el el museo Louvre de París para un concierto benéfico para el mismo museo, siendo el primer grupo de rock en tocar en sus instalaciones. Luego llegó la gira sudamericana pasando por Perú y Argentina, con entradas agotadas en esos dos países siendo un éxito absoluto. La gira siguió por Chile, Brasil, Colombia, Venezuela y Panamá. Esta gira duró casi todo noviembre de 2008, pero se tuvieron que suspender los shows en México por problemas de salud de Nick Rhodes.
2009– Presente: “All You Need is Now”

La banda se separó de Epic Records en 2009, después de lanzar apenas dos álbumes. Recientemente la banda atribuyo su partida a su insatisfacción con las pistas de Red Carpet Massacre que se trabajaron con Timbaland, debido a que la discográfica no confió en el criterio de Duran Duran pese a todo su bagaje artistico. Mencionaron también que en parte esta situacion motivó la partida de Andy Taylor del grupo.32

A principios de 2010, se reveló que la banda estaría contribuyendo con una versión de “Boys Keep Swinging” para un disco tributo a David Bowie llamado “We Were So Turned On” lanzado el 14 de septiembre de 2010, con Manimal Vinyl Records.

En noviembre de 2010, Duran Duran anunció el lanzamiento mundial de su álbum de estudio 13, titulado “All You Need Is Now”. El álbum fue producido por el ganador del premio Grammy Mark Ronson y mezclado por Spike Stent, y fue lanzado exclusivamente en iTunes el 21 de diciembre de 2010 con solo 9 temas. La versión fisica y extendida del álbum se estrenó el 22 de marzo de 2011 con 14 temas. El primer single del disco, la canción “All You Need Is Now”, se pudo descargar gratis en todo el mundo en 8 de diciembre de 2010 exclusivamente en iTunes. El guitarrista y compositor Don Brown co-escribió varios temas en este álbum. Mark Ronson los colocó como banda donde tenían que estar, en la cima, comenzando una nueva gira mundial llenando estadios en EE.UU. y Reino Unido con sus shows, confirmando mas fechas alrededor del mundo hasta hoy en dia.
Influencias

Si bien comenzaron su carrera como una interesante escuela de arte-banda de New Wave, siguiendo la tradición de Roxy Music, su rápido ascenso al estrellato, su look bastante estilizado y el asedio de la prensa adolescente parecía desvanecer su oportunidad de obtener el favor de los críticos de música. La prensa amarilla británica era especialmente venenosa. Durante los años 1980, Duran Duran fueron considerados por la crítica como otra banda más de “usar y tirar”, no muy diferente de otras boy bands creadas entre bastidores por mánagers como; New Kids on the Block o *NSYNC. Mientras pocos discutirían que la música era pop ligero y facilón, lo que la crítica parecía no ver era que la banda escribía y tocaba sus canciones mucho antes de que hubiese discográficas y mánagers de por medio, llevados por su propia ambición. Como Moby dijo sobre la banda en su web en 2003: “… estaban bajo la llamada maldición de los Bee Gees, que es, escribir buenas canciones, vender montones de discos, y aun así caer en el desinterés de la crítica rock establecida”.[2]

A lo largo de los años, sus bandas contemporáneas (The Bangles, Elton John, Kylie Minogue, Paul Young, Smashing Pumpkins) han elogiado los esfuerzos de la banda hacia un pop puro que se rebelaba contra el punk rock y la tristeza gris de la era Thatcher británica. Le Bon mismo describió en una ocasión al grupo como “la banda con que bailar mientras caen las bombas”.

Algunos de sus sucesores como Barenaked Ladies, Beck, Jonathan Davis de KoЯn, los Deftones, Garbage, Gwen Stefani y No Doubt, Gavin Rossdale y Bush, Wyclef Jean, Marilyn Manson, Fred Durst de Limp Bizkit, The Orb, y Pink han mencionado a Duran Duran como una banda clave en sus formaciones musicales. Mark McGrath de Sugar Ray se ha autoproclamado uno de sus más grandes fans; “quería ser John Taylor”. Los videos musicales de Sugar Ray han incluido parodias afectivas de los videos de Duran Duran. Britney Spears y Justin Timberlake también han elogiado a la banda.

Las últimas bandas en mencionar a Duran Duran como una de sus influencias incluyen a Dido, Franz Ferdinand, Lostprophets (que tomaron su nombre del título de un bootleg de ellos), Goldfrapp, The Killers, Scissor Sisters (“la razón por la que estamos en la música”) y The Strokes.

La música de la banda también ha sido usada por varios artistas de Hip hop, especial mención a Notorious BIG, que lógicamente sampleó su canción de 1986 “Notorious”, aunque han sido muchas las bandas que han hecho versiones de sus canciones tanto en grabaciones como en directo.33

Duran Duran también ha sido influyente en lo que respecta a la música del videojuego GTA (Grand Theft Auto). Las primeras 3 entregas numeradas de la saga (GTA 1, 2 y 3) y GTA: Liberty City Stories han presentado canciones originales creadas por miembros de Rockstar.

Craig Conner, principal creativo musical de la desarrolladora de Edimburgo, comentó en una entrevista que “Duran Duran fue una inspiración a la hora de crear el material”.

Además, en la estación Flashback de GTA III puede escucharse que unos pocos segundos de audio se interrumpen mientras la locutora de la emisora se encuentra hablando. Originalmente, incluía una pequeña referencia a la banda, pero tuvo que ser removida del producto final por cuestiones legales.
Pioneros del video

Aparte de sus canciones lo que mucho se recuerda de Duran Duran, son sus videoclips icónicos. Aunque muchos de sus videos eran considerados lascivos, la banda siguió un estilo glamuroso y fashion siguiendo la estela de sus primeros videos.

El canal por cable MTV y la banda empezaron su andadura casi al mismo tiempo, y cada uno de ellos ayudó a lanzar al otro. La MTV necesitaba videos con artistas carismáticos, y el trabajo videográfico de la banda era una gran influencia – casi revolucionaria – para la cadena. Primero, Duran Duran filmaba en lugares exóticos como Sri Lanka y Antigua, creando imégenes memorables que eran radicalmente opuestos a los videos de bajo presupuesto que se hacían hasta entonces, de bandas, simplemente, tocando sus instrumentos en el escenario. En segundo lugar, en vez de simplemente tocar, la banda participaba en una trama, una narración (a menudo tomadas de películas contemporáneas – “Hungry Like The Wolf” de Raiders of the Lost Ark, “Wild Boys” de The Road Warrior, etc.). Los videos obviamente iban en esta dirección, pero Duran Duran lo hicieron con un estilo que atrajo la atención de los comentaristas de la cadena y que creó una armada de imitadores. También fueron precursores por su estilo de editar los videos y de su diseño gráfico. Además de esto, fueron los primeros en filmar con cámaras de cine de 35mm, en decrimento de las más baratas videocámaras. Así, Duran Duran cambiaron la forma de ver de las discográficas los videoclips y la visión de otras bandas sobre lo que tenían que conseguir de un videoclip.

A cambio de esto, la MTV le dio a Duran Duran el acceso al mercado estadounidense, tan reacio a la música británica, New Wave, o “cualquier cosa con sintetizadores”. Al no estar presente la MTV en todo el país, al principio, era fácil ver el patrón: donde sí había MTV, los oyentes estadounidenses pedían Duran Duran, Tears For Fears, Def Leppard y otras bandas europeas.34

Los videos “Rio”, “Hungry Like The Wolf” and “Save A Prayer”, y la surrealista “Is There Something I Should Know?” fueron grabadas por el futuro director de cine Russell Mulcahy, que hizo once de ellos en total. Duran Duran siempre buscaron directores y técnicas innovadores, incluso cuando la MTV ya nos les daba tanto crédito. Además de Mulcahy, han usado para sus videos a innovadores fotógrafos como Dean Chamberlain y Ellen von Unwerth, al director chino Chen Kaige, a Julien Temple, y a los Polish Brothers, entre otros. Según Nick Rhodes, “el video es para nosotros como el stereo para Pink Floyd”.35

No todo el mundo admiraba sus videos. Morrissey, cantante de The Smiths y fan de su música, dijo en una publicación de la revista musical Smash Hits de 1984: “Una cabra borracha sobre la Torre Eiffel podría dirigirle muchos mejores videoclips a Duran Duran”.

En 1984, Duran Duran llevó la tecnología audiovisual a sus actuaciones: siendo el primer grupo grande en añadir a sus conciertos pantallas de video (empezando en US Festival) para acercar la acción a los espectadores más alejados. También han grabado conciertos usando IMAX y cámaras panorámicos de 360 grados, con canales de audio 10.2. En 2000 experimentaron con tecnología de realidad aumentada, que permitía imágenes de tres dimensiones generadas por ordenador aparecer en el escenario con la banda.36

Duran Duran apareció en varios especiales de mejores videoclips del siglo como “MTV 100 Greatest Videos Ever Made” donde se incluyó “Hungry Like The Wolf” en el nº11 y “Girls On Film” en el 68, y el “VH1: 100 Greatest Videos” clasificó a “Hungry” en el nº31 y “Rio” en el 60. MTV también nombró a “Hungry” el decimoquinto video más visto de la historia.

La banda ha lanzado varias recopilaciones audiovisuales, empezando por el conocido como Duran Duran, por el cual ganaron un Grammy, en 2004 lanzaron el doble DVD Greatest, que incluía versiones alternativas de varios videoclips como huevos de pascua. Además deGreatest, el documental Sing Blue Silver, y el video-concierto Arena (ambos de 1984) fueron lanzados en formato DVD en 2004. Live in London, un video-concierto de uno de sus exitosos conciertos del 2004 en el estadio de Wembley, fue lanzado en la última parte de 2005.

Otras recopilaciones en video, películas de conciertos, y documentales están aún disponibles en cinta de video, y Duran Duran no ha lanzado todavía una colección oficial que incluya todos los videoclips que la banda ha hecho. Duran Duran ha comentado también que gran cantidad de conciertos inéditos y material audiovisual ha sido grabado durante estos años, y esperan que puedan ser editados y lanzados en varios formatos en los próximos años.

Discografía
Álbumes de estudio

Duran Duran 9 pistas (EMI/Capitol, 15 de junio de 1981) mejor posición: #3
Rio 9 pistas(EMI/Capitol Records in the USA, 10 de mayo de 1982) mejor posición: #1
Seven and the Ragged Tiger 9 pistas (EMI (UK) Capitol (U.S.), 21 de noviembre de 1983) mejor posición: #2
Notorious 10 pistas (Capitol Records in the USA, 18 de noviembre de 1986) mejor posición: #12
Big Thing 12 pistas (Parlophone (UK) Capitol Records in the USA, 18 de octubre de 1988) mejor posición: #15
Liberty 11 pistas (Capitol (US/Canada) Parlophone/EMI, 20 de agosto de 1990) mejor posición: #6
Duran Duran o The Wedding Album 13 pistas (Capitol (US) Parlophone/EMI, 23 de febrero de 1993)mejor posición: #5
Thank You 12 pistas (Parlophone (UK) Capitol Records in the USA, 27 de marzo de 1995, versiones) mejor posición: #19
Medazzaland 12 pistas (Capitol/EMI (North America) Virgin (Arg/Jap), 14 de octubre de 1997) mejor posición: #18
Pop Trash 12 pistas (Hollywood, 19 de junio de 2000) mejor posición: #21
Astronaut 12 pistas (Epic, 11 de octubre de 2004) mejor posición: #3
Red Carpet Massacre 12 pistas (Epic, 13 de noviembre de 2007) mejor posición: #10
All You Need Is Now 9 pistas (Tapemodern, 21 de diciembre de 2010) mejor posición: #1

Recopilaciones y directos

Carnival 4 pistas (6 de Septiembre de 1982)
Live at Hammersmith ’82! 10 pistas (16 de Noviembre de 1982)
Arena 10 pistas (20 de Noviembre de 1984)
Master Mixes 6 pistas (20 de Junio de 1987)
Decade – Greatest hits 14 pistas (15 de Noviembre de 1989)
Greatest 19 pistas(3 de Noviembre de 1998)
Night versions: The essential Duran Duran (3 de Marzo de 1998)
Strange Behaviour (2 CD’s) 24 pistas (23 de Marzo de 1999)
Singles Box: Set 1981-1985 (13 CD’s) 40 pistas (12 de Mayo de 2003)
Singles Box: Set 1986-1995 (14 CD’s) 83 pistas (13 de Septiembre de 2004)
Greatest 21 pistas (11 de Agosto de 2004)
Live from London 20 pistas (25 de Octubre de 2006)
The essential collection of Duran Duran (20 de Marzo de 2007)

Sencillos
Componentes
Año Canción Álbum
1980 Planet Earth Duran Duran (EMI/Capitol)
1980 Careless Memories Duran Duran (EMI/Capitol)
1981 Girls on Film Duran Duran (EMI/Capitol)
1981 The Chauffeur Rio (EMI/Capitol Records)
1981 My Own Way Rio (EMI/Capitol Records)
1982 Hungry Like the Wolf Rio (EMI/Capitol Records)
1982 Save a Prayer Rio (EMI/Capitol Records)
1982 Rio Rio (EMI/Capitol Records)
1982 New Religion Rio (EMI/Capitol Records)
1983 Is There Something I Should Know? Duran Duran (EMI/Capitol Records)(edición de 1983)
1983 Union of the Snake Seven and the Ragged Tiger (EMI/Capitol)
1984 New Moon on Monday Seven and the Ragged Tiger (EMI/Capitol)
1984 Tiger Tiger Seven and the Ragged Tiger (EMI/Capitol)
1984 Shadows On Your Side Seven and the Ragged Tiger (EMI/Capitol)
1984 The Reflex Seven and the Ragged Tiger (EMI/Capitol)
1984 The Wild Boys Arena (EMI/Capitol)
1984 Save a Prayer (live) Arena (EMI/Capitol)
1984 Planet Earth (live) Arena (EMI/Capitol)
1984 Is There Something I Should Know? (live) Arena (EMI/Capitol)
1985 A View to a Kill James Bond theme song (EMI/Capitol)
1986 Notorious Notorious (EMI/Capitol)
1987 Skin Trade Notorious (EMI/Capitol)
1987 Meet El Presidente Notorious (EMI/Capitol)
1988 I don’t want your love Big Thing (EMI/Capitol)
1988 All She Wants Is Big Thing (EMI/Capitol)
1989 Do you Belive in Shame Big Thing (EMI/Capitol)
1989 Burning the Ground Decade – Greatest hits (EMI/Capitol)
1990 Violence of summer (Love’s taking over) Liberty (EMI/Capitol)
1990 Serious Liberty (EMI/Capitol)
1992 Ordinary World Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1983 Come Undone Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1993 Too Much Information Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1993 Drowing Man Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1993 None of the Above Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1993 Breath After Breath Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1993 Femme Fatale Duran Duran o The Wedding Album (EMI/Capitol)
1995 Perfect Day Thank You (EMI/Capitol)
1995 White Lines Thank You (EMI/Capitol)
1995 Lay Lady Lay Thank You (EMI/Capitol)
1997 Out of My mind Medazzaland (EMI/Capitol)
1997 Electric Barbarella Medazzaland (EMI/Capitol)
2000 Someone Else Not Me Pop Trash (Disney/Hollywood)
2000 Playing with Uranium Pop Trash (Disney/Hollywood)
2000 Last Day on the Earth Pop Trash (Disney/Hollywood)
2004 (Reach Up for The) Sunrise Astronaut (Sony/Epic)
2005 What Happens Tomorrow Astronaut (Sony/Epic)
2005 Nice Astronaut (Sony/Epic)
2007 Falling Down Red Carpet Massacre (Sony/Epic)
2010 All You Need Is Now All You Need Is Now (Tapemodern/Allido Records/S-Curve Records)
2010 Mediterranea All You Need Is Now (Tapemodern/Allido Records/S-Curve Records)
2011 Girl Panic All You Need Is Now (Tapemodern/Allido Records/S-Curve Records)
2011 Safe (In The Heat Of The Moment) All You Need Is Now (Tapemodern/Allido Records/S-Curve Records)
2011 Leave A Light On All You Need Is Now (Tapemodern/Allido Records/S-Curve Records)

Fuente Wikipedia
Comentarios Jesús Garrido

http://www.duranduran.com/